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Ce samedi 24 octobre, Nicolas Fraissinnet venu de Paris, Lausanne et de l’Antarctique, Monsieur Lune de Paris, Léo Parleur (originaires de Strasbourg, même si leurs tournées les emmènent souvent loin d’ici) et Yan Caillasse (le groupe de Yan Siptrott, comédien que j’ai connu au lycée il y a vingt ans, devenu compositeur et chanteur de « Rock à texte » à Paris). Bref, deux à découvrir et deux retours chez nous.

On a pu voir d’abord Nicolas Fraissinnet et son univers fantastique, humoristique de pingouin et de fée partant « Avec le vent ».

Il a quelque chose de Nilda Fernandez dans la fêlure de la voix, sans l’exotisme hispanisant et les cheveux, ou Louise Attaque mais avec un tempétueux piano et des envolées magnifiques.

En seconde partie, on a pu voir Monsieur Lune et son groupe intéressant à voir pour sa diversité capillaire : Monsieur Lune a une tête un peu ronde et les cheveux parfaisant sa tête de lune ronde, « Cheveu », le guitariste, aussi au cavaquinho et à la mandoline avec des cheveux longs et des pattes à la Stéhan Eicher, un violoniste barbu de trois nuits, un bassiste aux cheveux courts laissant pointer la banane comme les Forbans ou L’Affaire Luis Trio, et un batteur surnommé John Malkovich aux mèches chouette effraie au tour du crâne dégarni.

Nicolas Pantalacci, chanteur de Monsieur Lune, a une voix qui me rappelle dans son innocence le premier chanteur que j’aie vraiment aimé : le Yves Simon des années 70ies celui de « Diabolo Menthe » découvert trop tard, bien après le lycée mais qui émeut quand même et de « J’timagine », des « Merveilles de Juliet » ou de « J’ai Rêvé New York » pour l’Amérique et la révolte Rock, un texte en collage de citations, des guitares folk et des illusions Baba Cool de « L’Amour Dans L’Âme », de la folie de croire encore en ses rêves ou à un monde meilleur, qui fait encore du bien même trop tard.

Un côté américain d’ici, aussi dans les arrangements, parfois country à la Française pour « Lunette », qui « n’en porte pas et lit des bouquins trop longs », personnage émouvant, Sud-Américain dans le cavaquinho, Napolitain dans la mandoline, chanson française mais assez d’ailleurs pour nous faire voyager.

Et puis dans les textes et la musique, il y a cette émotion qui parfois vous prend le cœur jusqu’au bord des larmes, quand il nous parle de ses rêves d’astronaute avortés, mais nous dit que les chansons, la musique servent à « se rappeler, oublier » nos rêves, et lui permet de partager avec nous les siens.

Quelquefois il s’abandonne à la violence Rock, comme dans « Reviens Pas », repris en chœur avec le public, trop ironique pour qu’on y croie, « T’es bien plus belle quand t’es pas là », mais où il est bien moins ridicule que notre Johnny national sur un texte équivalent et tellement plus frais, moins réchauffé, moins maccho, car il n’a pas peur de montrer sa fragilité aussi plus proche de nous.

Il détourne aussi avec tendresse et irrévérene les classiques comme « La Belle Au Bois Dormant » de Charles Perrault quand elle lui manque.

Enfin, il flirta avec la science-fiction avec Benjamin Gage et la Fin Du Monde, et se souvint avec émotion des premières bises au Lycée (quand on se dit que c’est sans conséquence) quand son père disait que « jamais Yannick Noah ne gagnerait Roland Garros ».

Bref, sa voix rappelle un peu celle de Raphaël, mais son univers est tellement plus varié qu’il mériterait au moins le même succès, sinon davantage…

En troisième partie, on pouvait entendre les Léoparleur, groupe local à l’origine, qu’on a connus Funk-Rock Psychédélique «Fonkadélic Méthane » en 1992-1999, Chanson Française mêlée de musiques traditionnelles pour leur premier album acoustique « Revoir La Mer » en 2002, plus hispanisant/latino voire punk pour leur troisième « Tout Ce qui Brille » en 2006 et qui, à force de tourner partout ailleurs qu’ici dans leur petit camion bleu, ont trouvé le moyen de sortir leur dernier album « Faut Du Rêve », enregistré dans le désert d’Andalousie, en Allemagne, au Japon, mais pas encore en France!

Je plaisante, je les aime trop et suis trop content de les revoir, j’avais oublié qu’ils étaient aussi bons. Bien sûr le temps passe, il ne reste des pionniers que les inséparables frères Oster : Josef à la guitare et au chant, et Simon à l’accordéon, et bien sûr la Toulousaine Maya Martinez, multi souffleuse qui après le saxophone dans « Le Grand Lustucru », berceuse horrifique anti-fasciste de Kurt Weill, reprise sur chacun de leurs concerts, joue maintenant de la clarinette (comme leur invité Denis Léonhardt des Weepers Circus), du trombone (comme Jean Lucas), des castagnettes et chante également. Il y a un nouveau batteur (mais l’ancien est passé chez Yan Caillasse) et un bassiste électrique a remplacé la contrebasse Gavroche de Grégory Pernet depuis un an, et une violoniste est là spécialement pour ce concert ce soir-là.

Maya assure les textes en espagnol, dont « El Caracol Azul », écrit par son père, souvent suivie de Simon. Ils ont toujours la même énergie sur scène, un peu Rock desperado, entre Chanson Française pour les textes et attitude punk à la Ramones ouverte aux musiques traditionnelles.

Sur le dernier album, ils ont mis en musique un nouveau texte de leur parolier officiel Yunus Emré (poète derviche turc du XIIIème) ajoutant « C’est mon affaire » (chanson de révolte contre Dieu qu’il aille à la Taverne ou le regrette à la Mosquée), qui précède « Ma Vie » (questionnement en abîme sur le sens de l’existence humaine allant jusqu’au refus du suicide) sur un rythme Flamenco Rock finissant en ska quand le rythme s’accélère. Entre un Djalal-od Din-Rûmi mystique et fondateur des derviches tourneurs (à qui il lança un jour « Si t’as trouvé, pourquoi tu tournes ? ») et un Omar Khayyâm poète astronome et jouisseur aimant les femmes et le vin désespéré accusant Dieu quand sa coupe se brisait (« Tu m’as barré la route du plaisir, Seigneur/ C’est moi qui bois, c’est toi qui es ivre Seigneur ! ») dans ses Robayat, Yunus Emré avait une position médiane ou passait de l’un à l’autre : à la Taverne un jour et se repentant ensuite de poèmes à l’Adoré, Mystique à l’état sauvage comme Arthur Rimbaud trouvant dans ces allers-retours sa liberté et une ferveur égale répondant aux questions que pose la souffrance humaine, mais y trouve aussi sa profonde humanité et sa modernité presque Baudelairienne, entre révolte et Mysticisme.

Ce qu’on entend du dernier album promet qu’il sera tout aussi intense que les précédents, et apportera son lot de nouvelles influences, cubaines électriques côté guitare avec une citation de la version « El Carretero » de Guillermo Portabeles à la manière du Buena Vista Social Club et avec un style plus énergique de Papo Ortéga Y Cubanoson, voire électrique de Marc Ribot reprenant Arsénio Rodriguès l’aveugle merveilleux du très Cubain lui-même.

Autre grande et surprenante réussite, dépoussièrante au possible, leur version punk toute coulisse de trombone dehors du classique musette « J’ai l’Cafard » de Fréhel, chanté par Simon Oster l’accordéoniste, faisant de cette chanson désespérée à se jeter au fleuve l’expression d’une saine et rageuse révolte..

Ils finirent ce set, raccourci de leurs super-ultra-utiime Bancos de bis successifss par l’heure tardive et la venue encore de Yan Caillasse par « Les Adieux », extrait de leur album «Tout Ce Qui Brille » et sa guitare desperado et le saxo de Maya puissant mais suivant dans ses riffs sa ligne oblique entre Lester Young et celui des Béruriers Noirs. Bref, les Léoparleur se sont rappelés à nos cœurs, et on attend avec impatience le prochain concert et la sortie de leur prochain album dans leur propre pays et à Strasbourg !

En dernière partie, Yan Caillasse, groupe de Yan Sipptrott, que je connais depuis au moins vingt ans, puisque nous étions ensemble au Lycée et à l’Université de Lettres, puis il s’orienta vers le Théâtre et devenu Comédien monta à Paris, créa ce groupe de « Rock à Texte », pour lequel il écrit les textes à la fois poétiques et librement engagés et dont il est le chanteur, avec Lionel Fouchet à la guitare, Grégoire Butraeye au violon et à la 2ème voix, Eddie Claudel à la batterie et Morgan Michaud à la basse.

Nous entrons dans son univers par « 100 Bêtes de Foire » qui ouvre son second album « (Remuer) Ciel et Terre », qui fait suite à « Un Chien De Ma Chienne », Cirque fantastique et horrifique, avec « la femme en sucre, qui ne peut s’empêcher de s’auto dévorer », avec un côté Freaks, mais qui ressemble aussi à notre monde, où l’on trouve « des politiciens, les derniers de leur race ». Et tout de suite, c’est sa puissance vocale à la Bertrand Cantat (c’est lui d’ailleurs qui me fit découvrir « Aux sombres héros de l’amer ») qui surprend, par rapport à sa voix un peu baba cool/guitare sèche d’il y a quelques années. Le cheveu, qu’il portait long, est plus court, mais sa formation théâtrale lui a donné une énergie et une ubiquité scénique irrésistible sur ses chaussures à pointes montantes, il agrippe le micro comme un mât dans la tempête, court et saute de toutes parts, défie ses musiciens ou tambourinesur l'ampli. Quant à la musique, on retrouve le fan de Métallica (au rouleau compresseur duquel il ne me convertit jamais) et d’Angepour le côté Rock poétique psychédélique, que nous vîmes ensemble le Jour Des Anges au Café Des Anges en 1990.

Il poursuit avec « Le Ciel se couvre mais on s’en fout », plus dans sa première manière entre Musette et Rock’N’Roll, à propos du le réchauffement climatique sur une valse trash façon « Vie De Chien » des Négresses Vertes à la guitare sinueuse et avec un violon Folk à la Malicorne (autre découverte que je lui dois, dont nous essayions, en vain, de reproduire le bourdon vocal).

La chanson suivante est un Reggae Trash au texte en forme de supplique Moyenâgeuse priant Dieu et Jésus ironiquement (les murs de l’amphi tremblent encore de son « We Will Rock You » de Queen à un professeur d’Ancien Français!), entre Folk Moyenâgeux Malicornien (qui nous était plus utile comme support d’Ancien Français que les Chansons de Geste ) et énergie Rock. L’apport de Malicorne est d’avoir su reprendre de vieilles Chansons Moyanâgeuses avec des mélodies magnifiques, mais avec des arrangements Folk-Rock Psychédélique plus modernes, sans les dénaturer.

De l’Ancien Français, il remonte au latin avec « Memento Morti », critique de toutes les Religions et idéologies meurtrières au nom de leurs morts dont « les crânes en charpie supplient qu’on les oublie » auxquels il oppose « La Vie coûte que coûte » (Quoique lui prétende « n’en déplaise aux experts de tous poils, cette chanson ne peut se chanter qu’en pensant à la cueillette des champignons »), de plus en Rock. Virage plus Rock avec « Entre Ciel et Terre » (presque le titre éponyme de l’album «(Remuer) Ciel et Terre », sur la guitare à la Métallica (plus dans les solos que dans la rythmique en fait) et le violon Folk, et Yan claquant la cymbale entre ciel et terre.

Si « C’est un plaisir partagé », il ralentit tout de même le tempo avec « Chien Caillou Chien Fou », mélopée sur les résonances de la guitare et de la basse entre la soumission canine et le côté sauvage, loup qui demeure (« Tu peux compter sur ma mâchoire pour devenir le gardien de tes jours »), qui sur un guitare psychédélique évolue en gutturalités mongoles presque diphoniques, puis se fait de plus en plus Rock lorsqu’à la fin Yan « Lâche les chiens ». Le meilleur ami de l’homme est encore un loup apprivoisé, et certains même en font une arme...

Suit après une intro de guitare à la Pink Floyd dans « Confortably Numb » extrait de «The Wall » (qu’il m’a fait découvrir, mes parents s’étant arrêtés à « Meddle » et « More ») suivi d’un violon qui en rappelle les cordes, « Avec Moi », qui part plus Rock avec un texte aux magnifiques métaphores poétiques visuelles («harponne quelques comètes allées/hâlées/Halley ») et sonores (« perpétuelles tours de Babel aux toits amourachés ») à la beauté apocalyptique et à l’esthétique fantastique un peu BD à la Bilal ou Caza («On s’est couché sur les adrets… A l’horizon le bord du monde s’est mis à rougeoyer »). Avec quelques autres, comme « Vaches Sans Terre » sur l’exode rural, ce titre montre à la fois l’attachement à un terroir les deux pieds bien ancrés dans le sol et l’envol de l’imaginaire fantastique qui se cache au fond des forêts, qui ont toujours fait partie de l’univers de Yan Sipptrott avant Yan Caillasse.

On part ensuite pour les tempêtes marines des « 40èmes Hurlants » sur un tempo d'enfer, hantés de sirènes pirates, corsaires, très Rock Celtique à la Louise Attaque dont la violence des vagues frise le Rock avec violence façon Noir Désir.

Autre requin, mais de bureau celui-ci, mais qui n’en est pas moins vorace pour nous « tondre le dollar sur le dos », le fonctionnaire des Impôts « Ernest La Peste » qui rime avec « funeste », avec un côté du comédien Yan baladin ironique ménageant violence rentrée et douceur critique, un peu à la manière de Léo Ferré dans « Monsieur William » (Yan Caillasse a également dépoussiéré façon Zoo son «Merde à Vauban » sur un texte de Pierre Seghers), et un bon solo de batterie sur le violon.

Plus violent et Rock, « Os Contre Béton » (enregistré avec Kemar des « No None Is Innocent » pour son débit rapide presque Hip-Hop, ou Hip-Rock, dont l’ingénieur du son Mazarin a enregistré les deux albums de Yan Caillasse.

A cette soirée Amnesty International, ce texte prend tout son sens : « On ligote mes frères sur du poison, Os Contre Béton », avec un solo de guitare, citant les montées de l’intro de« Welcome To The Jungle » de Guns’N’Roses (Slash fut quand même un des meilleurs suiveurs de Jimi Page après Led Zeppelin), puis une accalmie, le creux de la vague (« Pour ta peine et pour longtemps, laisse-la planter ses dents ») avant la reprise de plus belle jusqu’au final.

Après la violence de la bataille, Yan s’abandonne à une autre mélopée apocalyptique avec cette prière au « Dieu des cendres » (assez proche finalement du bourdon Malicornien) rythmée par une basse funky et des riffs rageurs, qui parle de la dérive sécuritaire où « Alice au pays des alarmes se balade la fleur au fusil », avec sa comptine détournée (« Prête-moi ta cage pour y faire un nid») de plus en plus violente de la « rage des vivants » qui ont perdu leurs illusions et leurs rêves . Il n’y a pas de renoncement, « J’entretiens mes charbons ardents jusqu’à ce qu’une solide main de fer nous impose une muselière », tandis que violon et guitare finissent dans les aigus. Cet album est plus sombre que le précédent, mais le monde l’est devenu aussi, et la rage soutient l’éveil de la conscience. Et Hubert Félix Thiéfaine et son "Chant Du Fou" fait aussi partie des références musicales que je lui dois.

Autre critique prophétique de la dérive sécuritaire, « Welcome in Youpiland » (là encore du pur Yan), écrite avant l’élection présidentielle «de la chair à l’audimat pour faire de l’œil à l’Extrême Droite », avec son humour acide à la Reiser et Charlie Hebdo (« Trop de couleurs dans nos avenues, mais faut bien Germaine, qu’on nettoie les rues »). Le pire c’est que cette fois-ci « On l’a voulu ».

Le concert se termine avec la Communion avec le public « Du Feu », d’abord Reggae comique, puis plus rock au refrain sur le pizzicato du violon : « Nous c’qu’on veut, c’est du FEU », des feux de St-Jean même en hiver, des feux de bengale tous les soirs!

Yan Caillasse a trouvé sa Poésie Rock. Finalement Jim Morrison n’est jamais arrivé à rendre la sienne aussi universelle.

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir jeudi 15 octobre, Les Nuits Européennes invitait le trompettiste Norvègien Niels Peter Molvaer et le duo Tribal Groove Bumcello (Cyril Atef à la batterie et Vincent Segal au violoncelle électrique).

Niels Petter Molvaerest, avec Erik Truffaz, l’autre grand trompettiste de la scène Jazz/Electro Européenne et depuis « Khmer », en 1997, continue sa carrière en évoluant avec différents musiciens sans perdre le fil de sa ligne musicale.

Il était accompagné d’Audun Kleive à la batterie et à un intéressant solo de cymbale entre ses mains et d’Elvind Aarstedt à la guitare, tandis qu’un vidéaste diffusait des images de traits bleus coulant comme des stalactites se croisant, d’explosions blanches d’action painting à la Pollock sur la batterie puis des musiciens en hologrammes blancs ou verts d’eau sur fond noir.

Comparé à Truffaz, Molvaer est davantage un chanteur qu’un joueur volcanique et intuitif, et chante d’ailleurs souvent sur scène dans le micro du pavillon de sa trompette retournée, mais aussi à travers sa trompette, s’exprime dans un style très vocalisé).

Comme technologie annexe pour changer le son, il utilise un laptop au lieu d’effets sur l’instrument pour entourer sa musique de beats naturels et de boucles, crée un univers – écrin, un paysage ethnique presque pictural, des échos lointains où il prend place.

La référence à Miles Davis est la plus évidente là encore, mais si Truffaz s’inspire du Miles électrique des effets de Bitches Brew et de l’Isle de Wight, Molvaer aurait plus repris le flambeau du Miles atmosphérique des ballades, de « Kind Of Blue », à la présence entêtante car se fondant dans l’espace, l’occupant entièrement, l’enveloppant de ses douceurs, ou le contaminant au point de ne plus pouvoir faire la différence entre les deux et du dernier Miles de « Doo Bop » finalement inchangé quant au son même dans un contexte Electro-Hip Hop..

Mais on peut aussi penser pour la magie inexplicable de son lyrisme, au charme mystérieux d’un Chet Baker, mort en Hollande, plus près de chez lui que des Etats-Unis, à cette justesse de l’émotion au-delà de la volonté même de l’artiste, sublimant sa vie tourmentée, quelque chose aussi de ce qu’il appelait le « mellow of the sound » (le moelleux du son). Qui l’empêchait de faire nettoyer sa trompette pour ne pas le perdre.

[Enfin, peut-être est-ce justement le contexte où sont nés et évoluent Truffaz et Molvaer qui les rend différents : Truffaz plus urbain, souvent presque violent, capable de pousser les aigus jusqu’au cri ou de faire de sa trompette presque une guitare électrique, Molvaer plus proche des grands espaces de sa Norvège natale, où l’on croit entendre craquer/ chanter les glaciers fondant au réchauffement climatique, les grands espaces s’étendant jusqu’à l’horizon sans fin. Truffaz serait plus militant, ayant décidé de lutter contre le monde insupportable avec les armes du Rock ou de l’Electro, Molvaer plus contemplatif, en contemplerait des beautés rêvées ou réelles, ou un monde apocalyptique encore désolé vierge, ou déjà déserté.||http://www.youtube.com/watch?v=fh7b3G4cl1U&feature=related]

Pour reprendre une comparaison littéraire, Truffaz peint le monde tel qu’il EST, Molvaer le rêve tel qu’il DEVRAIT ÊTRE. (http://www.youtube.com/watch?v=RQYbHCLn7cE&feature=related ). On a besoin des deux, selon les moments, les instants ou les choix de nos vies.

En seconde partie, on pouvait entendre le duo Bumcello, composé de Vincent Segal (l’un des pionniers du violoncelle électrique avec son album « T Bone Garnerius », effets et samplers ) et Ciryl Atef (batterie, percussions, samplers), musiciens de M(‘atthieu Chedid).

Ils viennent de sortir leur sixième album « Lychee Queen ».

Ils inventent en direct un folklore urbain improvisé, "animal sophistiqué", où le violoncelle de Vincent Sègal, parfois baroque et boisé, peut aussi être utilisé comme une guitare électrique destroy aux effets Hendrixiens, est samplé, envoyé, ou stoppé, utilsé avec des effets de reverb ou de distorsion, fait la basse à cordes ou reprend son rôle d’instrument à cordes frottées, étendu jusqu’aux vièles orientales () ou à la morin khur mongole, à un cheveu de crinière de cheval, fil musical distendu, et joué jusqu’à ce qu’il casse voire sirène electronique à la Kraftwerk sur le Boléro de Ravel et Police..

Cyril Atef a enregistré « Olympic Gramofon » avec Julien Lourau. Ses looks ethniques sont déjà une attraction, entre turban, coiffes africaines ou masque de kendo (là il était en pyjama africain et bonnet gnawa tournoyant, plutôt sobre), et il joue de la batterie, du bidon d’eau, des percussions (se mettant des clochettes sur les yeux pour ressembler à un hibou-robot et venir au devant de la scène) et sampleurs lui faisant une voix de ballon à l’hélium, lance aux public des imprécations/incantations invitant à la danse et à la libération des corps, se fait chanteur Funk Soul, marquant les temps baragouinant son groove dans « Bakin’ in The Sun », vocaux hip-hop ou chant arabisant pour « Dalila », voire africanisant.

En Bis, Vincent Segal, qui a une autite qui le rend « sourd comme Keith Richards ou Beethoven", parle des Rolling Stones à Hyde Park et cite «Simpathy For The Devil ».

C’était le dernier Concert de Bumcello avant plusieurs mois, chacun partant vers ses propres projets, Segal avec Bassèkou Kouyaté, Cyril Atef avec Congopunq (http://www.youtube.com/watch?v=gp8zN22vA4k), son nouveau projet, le 15 décembre au Cheval Blanc de Schiltigheim.

Le Festival s’achève ce soir avec une grande soirée festive : La Minor (Cabaret Russe), Yom (Le Roi Du Klezmer) et le Koçani Orkestar, à la Salle Des Fêtes de Schiltigheim.

Ce soir également, le Soul Jazz Orchestra, groupe d’Afro-Beat Canadien, sera à la Salamandre à 21 h 30!

Jean Daniel BURKHARDT

Pour cette seconde soirée de la Saison de la Turquie en France des le festival Les Nuits Européennes invitait le groupe Stambouliote Gevende et le saxophoniste Stambouliote, mais vivant à New York, Ilhan Ersahin invitait le grand trompettiste Suisse Erik Truffaz à ses « Istanbul Sessions », une exclusivité "Nuits Européennes 2009" qui n'a fait qu'une date à Paris et reprendra ses concerts en 2010.

Gevende (http://www.myspace.com/gevende) est un jeune groupe rock-psyché-folk Turc formé d’Ahmet K. Bilgic (chant, guitare), d’ Omer Oztuyen (violon), d’Okan Kaya (basse électrique et chœurs), de Gokce Gurcay (batterie) et de Serkan Ciftci (trompette) et ont été influencés par leurs voyages en Inde, en Iran et au Népal.

Le chanteur commence d’une voix très douce sur les percussions élastiques de la batterie, avec basse, violon et trompette presque sourds dans leurs échos en fond sonore. Soudain la basse se fait plus Jazz-Rock et l’archet du violon plus sonore en pizzicato, soutenant la spiritualité de ce chant spirituel et intime, et la trompette finit par jouer très doucement.

Le guitariste actionne un sample ou une boîte à musique de l’hymne national Turc en introduction au second titre. Cette fois le chant plus rageur est scandé, rythmé sur la batterie par le chanteur avec des dons de comédien certain, où ses mains, ses poings, suivent les mots de son chant, même si on ne comprend pas les paroles. Soudain il sort de sa guitare un éclat de rire – déflagration, suivi par le violon. Le chant monte en intensité jusqu’au cri, suivi d’un bon solo de basse psyché sur les cymbales pendant cette déflagration rock de la guitare en écho, puis la soutenant, comme le solo de violon baroque sur la cymbale et enfin la trompette à la Truffaz, bleutée, ouatée, poétique, comme étouffée. Le violon termine sur la batterie martiale, et ils finissent tous de concert.

Enfin quelques explications du chanteur, en anglais : «C’est notre 8ème ou 9éme fois France, la première fois dans un théâtre. Nous venons d’Istanbul, pas de Turquie, et ce que nous chantons n’est pas du Turc mais une langue improvisée par nos émotions ». Ils ont indubitablement les qualités d’inventivité individuelle et de jeu collectif de groupes Rock-Jazz comme Rocking-Chair, en plus traditionnel.

Suit une belle valse par le violon aux trilles classiques et dramatiques sur la basse et trompette, puis un solo de la guitare partant d’un larsen aigu maîtrisé par le slide et évoluant en psyché 70ies sur la basse rock mais très musicale. La guitare se mêle à la basse en un cri de souffrance à l’unisson, une clameur rythmée, reprise au vol part la trompette dans un solo tragique s’incurvant de plus en plus vers le cri. La basse donne une mélodie aux frottements dramatiques du violon sur la cymbale musicale, la guitare arrête le tout brusquement d’un break, et la batterie reprend en dub. La guitare reprend en grattant les cordes, puis le violon et la trompette assourdissent la fin en silence. Sur ce morceau-là, il y avait vraiment une progression dramatique très forte.

La chanson suivante, « Nayu », utilisée dans un dessin animé de Denizcan Yuzgul et Burcu Urgut offre un bon exemple de cette langue imaginaire improvisée sur une superbe partition. On dirait de l’indien, mais avec une technique gutturale turque. Peut-être le fantasme, l’idée qu’on pourrait se faire de l’indien sans le connaître ni le comprendre, une idée de l’Inde, une impression, une émotion, un rêve d’Inde. La voix s’envole, puis chute, dans le nœud mélodique formé par la violon et la trompette, puis s’assourdit jusqu’au silence. Mais peut-on vraiment improviser ainsi une langue inconnue, oublier les langues sues et connues et leur sens pour leur substituer un autre sens d’émotion mélodique pure, et serait-elle, alors, universellement émouvante?

Finalement, ils ne sont pas complètement hors du monde, dans une « Music From Neverland » (titre de leur album : »Musique du Pays où l’on n’arrive Jamais», d’un pays Imaginaire de Peter Pan et Michael Jackson), puisqu’ils reprennent AUSSI un thème traditionnel Pakistanais, où ils ont voyagé comme en Inde, en Iran, au Népal, sur une tournée de 12 000 kms.

Ce thème rappelle en effet un thème de rèbab du Kashmir Pakistanais, puis la guitare et la basse partent en Rock, la batterie en drum’n’bass, et les belles harmonies vocales (le violoniste chantant dans le micro de son violon) rejoignent celles de Nusrat Fateh Ali Khan et ses frères.

Leurs voyages leur ont donné ces rythmes entêtants aux temps innombrables à la Steve Coleman, , que lui est allé chercher dans la numérologie Egyptienne mais qui évoquent aussi les mégalopoles urbaines quand on ajoute comme le chanteur un scat Hip Hop aux breaks violents de la batterie drum’n’bass.

Evidemment Gevende est un groupe de Rock aux inspiré par les musiques traditionnelles plus qu’un groupe de Jazz, et ils ajoutent donc la destruction sonore iconoclaste, lorsque le guitariste pose sa guitare au sol pour obtenir des craquements, des grincements de larsens distordus de cette cithare sur sol destroy, tandis que la trompette s’envole, puis souffle dans ses pistons pour trouver un sifflement, des effets inouïs, sur une basse groovy à la Primus, puis dramatique soutenant le violon et la batterie drum’n’bass. Le rapport au sol, à la poussière, à la terre à travers la scène est peut-être leur forme de destruction Hendrixienne traditionnelle.

Enfin le chanteur chante, clame et déclame leur dernier titre, proche des langues Pakistanaises et très énergique, « Celik Comak », où se retrouvent leurs influences World et leur traitement Rock psyché, sur lequel il présente les musiciens, mais ne joueront pas la reprise finale de percussion Pakistanaise de la version album (peut-être éxécutée par une rencontre ou un invité).

Ils revinrent en Bis, remerciant comme on s’en va, pour un dernier titre indianisant et Folk 70ies (http://www.youtube.com/watch?v=PUxK5XjVvXg&feature=related ). Un groupe à suivre, indubitablement, qui a déjà un univers et un langage fascinant, quelqu'il soit.

En seconde partie, on pouvait entendre le saxophoniste Ilhan Ersahin, né en Suède de père Turc, mais qui vit à New York où il a un Club, qui invitait le trompettiste Suisse Erik Truffaz pour ses « Istanbul Sessions » (disque en pressage à Istanbul) mais qu’ils ont joué ensemble à New York, Istanbul et Izmir, avec des musiciens Turcs : Alp Ersönmez (basse), Turgut Alp Bekoglu (batterie) et Izzet Kizil (percussions), qui ne sont, eux, jamais allés aux Etats-Unis « parce que la Turquie doit d’abord se conduire en bon pays Européen », ironise Ersahin à propos de son entrée éventuelle dans l’Union.

C’est sûr qu’ils feraient un tabac aux Etats Unis : le bassiste est surpuissant d’obstination rythmique dans ses réitérations des mêmes accords, tant dans le Rock que dans le groove et tout en musicalité, le batteur carrément Rock (plus encore que Gevende) et le percussionniste joue à la fois d’une conga et de percussion turques (darbouka, dhol sur trépied et à la main et clochettes : des sidemen de rêve, mais qui n’obtiennent pas de visa pour le Nouveau Monde.

Sur ce répertoire encore inédit inspiré par la ville d’Istanbul, ses anecdotes, ses chats, ses problèmes aussi (le manque de Liberté en Europe est abordé dans « Freedom ») ou ses légendes, chacun donna le meilleur de lui-même.

Ilhan Ersahin, que je ne connaissais pas, a la lisibilité cosmopolite d’un Wayne Shorter, parfois la puissance sonore d’un Akosh S sans ses dissonances et le groove d’un Ellery Eskellyn quand ce dernier veut bien jouer collectif, grâce à une colonne d’air imperturbable, mais est beaucoup plus égal que lui, toujours passionnant tant dans l’oriental que dans le Rock ou dans le Groove.

Pour ce qui est de Truffaz, on connaît son parcours et son talent, mais je ne l’avais jamais vu jouer d’aussi près, ce qui ne m’a pas fait davantage comprendre les arcanes et les mystères de son utilisation des effets (samplers, wah-wah, distorsions et réverb) qui donnent à sa trompette des sonorités inouïes, comme s’il en prolongeait le souffle de l’unique tuyau à pistons en un orgue imaginaire grâce à eux. Si Médéric Collignon est le meilleur héritier de Miles Davis en France pour le jeu pur, et le dépasse par sa propre folie vocale et instrumentale, Erik Truffaz est, après avoir montré son talent pour les ballades soulfull avec Nyah qui amenèrent au jazz un public plus large, le plus bel héritier des effets du Miles électrique de Bitches Brew, et là aussi le surpasse par des effets plus contemporains, et la technologie a évolué, depuis qu’il a pris un virage Rock avec « The Walk Of The Giant Turtle », et s’ouvre maintenant à des projets World entre Paris avec Sly Johnson, Bénarès avec Talvin Singh, Mexico avec Murcoff et Istanbul avec Ersahin. Il est peut-être celui qui sait le mieux, au sein d’une même phrase, passer de la douceur miel à nos oreilles au cri ultime, organique ou électroniquement modifié.

Porté par cette rythmique imparable, leurs échanges furent très complices dignes de ceux de Miles et Coltrane, Miles et Wayne Shorter, se suivant à la note, au souffle, à l’effet près dans leurs échanges, et la cohésion du groupe indubitable et bluffante.

A Strasbourg, le Festival se poursuit avec ce Mercredi 14 octobre à 20 h 30 à la Salle Du Cercle de Bischeim la guitariste et chanteuse de Blues Haïtienne Mélissa Laveaux et le phénomène du « Jazz-Punk » Néozélandais, le trio Aronas d’Aron Ottignon!

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir, vendredi 9 octobre, le Festival « les Nuits Européennes » ouvrait sa quatorzième saison à La Reithalle d’Offenburg, où il sera encore ce soir, mais un système de Covoiturage est organisé par « Passe Me Prendre », sur simple inscription sur le site, au départ du parking du Campus d’Illkirch, accessible en Tram, départ à 19 h 30.

Hier soir, Les Nuits Européennes recevaient donc deux musiciens Européens de renommée internationale en solo : le chanteur et guitariste Italien Gianmaria Testa et la chanteuse et violoniste Tchèque Iva Bittova.

Gianmaria Testa est un habitué de la Reithalle et de la salle Des Fêtes de Schiltigheim. Il se produisait en solo, comme sur son dernier disque « Solo Dal Vivo », jouant alternativement d’une guitare acoustique, d’une Stratocaster blanche et d’une guitare électrique noire pour le dernier titre.

Il a une voix plus sourde et intimiste que Paolo Conte et siffle parfois comme un oiseau du Décaméron de Boccace, ou rythme ses chansons un peu plus Rock comme du rythme d’une traversée Transatlantique, puis ralentit.

Ces chansons, qu’il présente en français, sont aussi concernées par la situation en Italie, à commencer par « l’une des premières chansons de Francesco De Gregori : quand quelqu’un se prend l’envie de te communiquer que le Père Noël n’existe pas. Et pourtant, il y a urgence, ici et surtout en Italie, que le Père Noël existe. » En effet, avec les tremblements de terres qu’ a subi l’Italie et les frasques de Silvio Berlusconi, ils en ont vraiment besoin.

J’ai fait un peu de latin, mais l’italien reste pour moi, comme le portugais, une langue d’une musicalité touchante mais incompréhensible, dont je capte parfois des mots de voyage et d’amour.

Gianmaria Testa est aussi un homme engagé, comme l’a montré son disque « Da Qesta Parte Del Mare » et ses présentations de chaonsons : « L’Italie a été, depuis le XIXème siècle, ujn pays d’émigration. Maintenant ce qui m’a touché négativement, c’est qu’on accueille de façon si indigne nos propres immigrés par des lois iniques votées au Parlement. Pour moi c’est incompréhensible qu’on puisse oublier en une seule génération combien il est dur de quitter sa propre terre. » Puis il chante, finissant d’une voix plus sourde encore, comme venue de très loin, très près du micro, un murmure d’émotion profonde comme dans une autre langue.

A d’autres moments, il est comme transfiguré de jeunesse, un peu comme Adriano Cellentano, tout jeune Rockeur chantant Reddy Teddy dans La Dolce Vita de Fellini, puis s’envole dans les aigues, comme trouvant une langue intérieure.

Toujours sur les sans-papiers, une autre chanson évoque « ces bateaux qui partent des côtes de l’Albanie ou de la Libye avec à leur bord de 15 à 70 personnes, et parfois un de ces bateaux coule, et ces hommes et ces femmes se noient dans cette grande flaque d’eau qu’est la Méditerranée. » Là encore chanson magnifique, où « au fond de la mer chante une sirène ».

Certains arrivent en Italie, et l’un d’eux « habite chez nous depuis des années, a trouvé on travail et même un logement à louer. Il est un « extracommunautaire intégré (comme les Suisses!). Maintenant ils laissent si peu de choses derrière eux. Avant ils envoyaient de l’argent, une carte pour Noël, à une adresse… Lui a vu une femme sur le bateau, et a trouvé dans ses yeux, dans son regard, la force de se battre. Puis, n’étant pas en parenté, ils furent séparés à leur arrivée à Lampedusa. Et un jour il se dit qu’il est temps, qu’il est vraiment temps, de retrouver cette femme.»

Pour moi, avant d’en entendre parler à propos de l’arrivée de ces immigrés en Italie, je croyais que Lampedusa n’était que le nom de Giuseppe Tomasi Di Lamedusa, auteur du « Guépard » qui inspira un film magnifique à Lucchino Visconti en 1963 sur la fin de cette dynastie noble sur fond de guerre d’indépendance menée par Garibaldi. Le personnage de vieux Prince Salina humaniste mais lucide joué par Burt Lancaster avait un discours magnifique sur la Sicile en refusant de se mêler à la Révolution car la Sicile ne peut changer : « Les Siciliens ne voudront jamais s’améliorer, pour la simple raison qu’ils sont parfaits : leur vanité est plus forte que leur misère; toute intromission étrangères aux choses Siciliennes, soit par leur origine, soit par la pensée (par l’indépendance de leur esprit), bouleverse notre rêve de perfection accomplie. Parce que nous sommes des dieux », et disait que rien ne changerait, ou en pire, après «les guépards, les lions » venant « les chacals, les hyènes », ses mots se perdant dans la poussière de la route et du temps et de l’histoire. Evidemment, cela vient d’un monde ancien, aristocratique, qui s’oppose aux pensées modernes de gauche, mais je trouve qu’il y a là une beauté surannée, enfuie à jamais.

Est-ce l’engagement personnel de Testa, et y-a-t-il beaucoup d’artistes défendant ainsi les immigrés en Italie (je me souviens que Paolo Frésu avait fêté à Pôle Sud avec son PAF Trio le remplacement de Berlusconi par Romano Prodi). Berlusconi a quand même été réélu à la majorité. Mais j’aime à penser qu’individuelle ou collective, c’est d’avoir été souvent émigrants qui donne aux Italiens cette générosité envers leurs immigrés, et j’avoue que comparativement, quand je pense à la destruction de la Jungle de Calais et au projet de renvoyer ces afghans dans un pays en guerre civile contre les talibans, j’ai honte par rapport à cette générosité de voir ces sujets si peu abordés par la Nouvelle Chanson Française.

Et pour en revenir au Concert, et à cet « extracommunautaire intégré », Gianmaria Testa imagine que, faute de retrouver cette femme, il lui écrit une « Chanson d’amour Hypothétique, 3/4 », parlant de lune, de roses et de toutes choses, du courage que seule elle lui a donné à lui, seul.

Pour terminer cette série en appelant à l’engagement citoyen, Testa chante une autre chanson, «Al mercato di Porta Palazzo », racontant qu’ «A Turin, il y a une place avec un grand marché qui est devenu une casbah pleine couleurs et de senteurs. Mais en Italie, il ne suffit pas d’être né sur le sol Italien pour être Italien. Alors une femme accouche sur la place, met son bébé dans la corbeille de fleurs d’un marchand, et un carabinier arrive, et demande, malgré ce miracle, les « documenti » (papiers). Et toutes les personnes présentes sur la place achètent toutes les fleurs du marchand et vident le panier. La place vide, et seul reste le Carabinier réclamant toujours ses « documenti » ». L’histoire est si belle que les applaudissements précèdent la chanson, qui me rappelle par son rythme Georges Brassens, et par son sujet son «Hécatombe » du Marché de Brive La Gaillarde. Brassens aurait-il de nos jours parlé des sans-papiers au lieu des voleurs de pommes comme « Celui qui a mal tourné ». Gianmaria Testa fit du public un cœur approbateur.

Gianmaria Testa continua par une vieille chanson d’exil de 1927 qu’il tient de sa mère.

En Bis, il chanta, en anglais, comme lors de son premier passage à New York, une chanson que la chanteuse Allemande Marlène Dietrich avait popularisée en Allemand («Ich bin von Kopf bis Fuß auf Liebe eingestellt ») (Je suis faite pour l’amour des pieds à la tête » de Friederick Hollander en 1930, devenue en anglais par Sammy Lerner (mais avec un sens très édulcoré par rapport à loin l’original) « Falling In Love Again (Never Wanted To) dans « Der Blau Engel » de Josef Von Sternberg, rendant tout de même, fût-il de seconde main, cet hommage à une grande artiste Allemande.

En seconde partie, la violoniste et chanteuse Tchèque Iva Bittova, née en 1958, déjà venue aux Nuits Européennes au TNS en 2002, qui vit maintenant près de New York dans la forêt et offre ici son seul concert Européen, vêtue d’une robe indienne fleurie et ses cheveux frisés et noirs retenus d’un ruban vert.

Elle commence d’une voix bouleversante par un chant Tzigane ou Bittovien, s’envole d’une voix d’enfant terrible, qui devient ensuite plus profonde et mature, aigue comme celle d’une diva folle avec dans ses yeux l’innocence.

Elle prend son violon et joue un bourdon aigu dissonant, y posant des yeux étonnés, puis un bourdon grave sur sa voix grave, presque Rajastani dans « Latcho Drom » de Tony Gatlif, mongole, diphonique dans ses aigus, suit son violon en des appels tziganes forestiers, sauvages, dans un au-delà des langues et des folklores n’appartenant qu’à elle, et qui les rassemble toutes et tous en elle, dans cette liberté capable de tout.

Elle continue par un thème Tchèque spirituel, mais s’en échappe EST elle-même toutes les musique et son propre univers, du cri jusqu’à ce halètement grave, ce langage siffleur d’oiseau universel, retrouvant les babillements de l’enfance, dans cette rêverie passant les pays et les âges à tire d’elle, et lâche l’oiseau d’un baiser sec dans la salle.

En fait il s’agissait d’une chanson sur « une fille qui demande à sa mère si elle est en âge de faire l’amour, mais elle doit encore attendre un peu », dans son style « imité des oiseaux » (elle aime la nature).

En 2002, au TNS, elle était arrivée avec un plein sac de jouets sonore, en avant lancé un dans le public et avait improvisé un duo sonore avec une personne du public avant de réclamer le retour de l’objet.

La voix se mêle à l’archet frotté, aux pizzicati, aux glissements, semble bailler, vient de sa gorge, bouche close, comme si ses cordes vocales répondaient à son violon, tandis que dans son regard passent des lueurs de folie, avec cette voix de gorge criante ou diphonique, d’oiseau bouleversant chantant sur la branche du violon, alors que son regard est, comme une enfant, effrayée de sa propre voix., qui s’élève jusqu’à une diva sauvage et forestière, puis le Piano sous La Mer de st Preux, et bifurque vers la baroque Johânn Sébastiân Bâch.

Elle reprend ensuite « Auschwitza » () de Latcho Drom, sur le génocide tzigane, triste mais belle. Sa version est plus gaie et folle, jeune que celle de Margita Makulova dans le film, semble redonner vie à cette mélodie, plus rageuse que mélancolique.

Elle joue du kalimba (petit piano à pouce africain) avec la régularité d’une boîte à musique tout en chantant d’une voix enfantine, puis profonde. De la même manière, dans le film « Step across the Border » de Fred Frith en 1989, elle bâtissait un morceau autour d’un réveil matin dans leur chambre d’hôtel avec le guitariste Pavel Fajt, alors son mari.

Elle continue avec « Rodrigo », un berceuse Espagnole Judéo-Hispanique de l’exil après la reconquista,, rallonge la mélodie en la faisant vibrer en n’en gardant que les fins de mots et les r roulés, la ramène de Turquie en Espagne sur les ailes des œufs de percussion dans ses mains de sa voix d’enfant femme, passant au-dessus des montagnes et des forêts, puis claque de la langue et jette les œufs à terre comme des jouets dont elle se serait lassée.

Elle continue avec une chanson en allemand, une histoire de chat (katz) qui saute, descend dans la salle, attire l’attention d’une personne du public crie, utilise l’archet en pizzicato percussif presque élastique, tourne comme une derviche folle sur elle-même.

Elle enchaîne sur une improvisation débridée , avec une voix à la fois née du dernier orage et descendue des glaciers millénaires, sans âge ou de tous les âges, où sa voix part avec sion violon et vice versa. Elle a dit un jour que son violon était une partie d’elle, diabolique de possédé par elle et toutes les danses du monde et inversement, de la gravité à la folie. Elle utilise la chaise pour jouer avec l’espace, nous arrivant des profondeurs d’une forêt ou toute proche. Je crois que c’est bien la chanteuse la plus génialement folle que j’aie vue de ma vie.

Autre Berceuse, de John Lennon, « Good Night », chantée par Ringo Starr, qui fermait le « Double Blanc » des Beatles, remplaçant les violons symphoniques par ses pizzicati, l’archet puis scatte.

Malgrè toutes ces Berceuses, elle serait une Mary Poppins à ne pas fermer l’œil de la nuit pour en entendre toujours un rêve de plus de plus , finit par souffler dans un kazzo comme un oiseau fou en roulant des yeux.

Pour le Bis, elle revient saluer, trépigne comme une enfant puis finit par Mozart : elle a joué Dona Elvire dans « Don Giovanni » dans sa jeunesse comédienne. Gageons que Dom Juan lui-même se serait laissé prendre, à force de ne pas s'en lasser…

Jean Daniel BURKHARDT

Vendredi 2 octobre Cecil Taylor était en concert à l’Auditorium de France 3 Strasbourg, pour fêter son 80ème anniversaire (il est né le 15 mars 1929 dans une famille amie de Duke Ellington).

Pianiste de Free Jazz, Cecil Taylor n’a jamais rien fait comme les autres. Dès son trio avec Buell Neidlinger à la contrebasse et Dennis Charles à la batterie en 1956, la forme convenue piano-basse-batterie ne l’empêchait pas de s’exprimer par des montées et descentes continues sur le clavier, avec une abstraction de la forme et une virtuosité à la Lennie Tristano que n’osaient pas alors Thélonious Monk ou Bud Powell (qu’il n’appréciera qu’après avoir entendu « Un Poco Loco ».

Signant sur le label Blue Note en 1959, ses interprétations des standards comme « Love For Sale » de Cole Porter ajouteront à la mélodie originelle sa propre ligne mélodique). Dans les années 60s, il dépassera les durées prescrites jusqu’à 15 ou 30 minutes, quitte à n’enregistrer qu’une composition par face, comme pour « Conquistador » ou « Unit Structures », puis étendra dans les années 70s ses improvisations libres en concerts avec son saxophoniste Jimmy Lyons et ses Units à un long titre d’une heure ou plus

Plus récemment, il a écrit un ballet pour la danse contemporaine et ajoute maintenant fréquemment à ses prestations des interprétations vocales de ses propres poésies, dans un style entre l’amérindien (il est d’origine indienne par sa mère) et le Japonais et sa danse contemporaine. Enfin, lors d’un de ses derniers concerts à Willisau, il a, après un titre long, interprété quelques titres de durée inférieure aux trois minutes habituelles, mais où les influences classiques de Debussy, Jazz ou contemporaines se retrouvent. Il est certainement le pianiste de Jazz le plus proche de la musique contemporaine, d’où sa présence à Musica.

Il se produisait ce soir-là avec le batteur Tony Oxley, avec qui il a joué en 1988. Le Free Jazz de Cecil Taylor semble rencontrer le succès public, l’Auditorium est plein jusqu’en haut.

Cecil Taylor commence par ses poésies, comme dans son Live au Sweet Basil. On l’entend avant de le voir, secouant des percussions et hochets comme un sorcier indien avec cette voix très aigue qui rend sa poésie amérindienne quelque peu japonisante. Mais ce sont des mots en anglais qu’il déclame : « Resurrection… ».

Enfin on l’aperçoit sur la scène, vêtu d’un pantalon rouge remonté jusqu’aux genoux en haut de chausse sur ses jambes et ses pieds nus, ce qui lui donne un côté XVIIIème siècle (critique de l’esclavage ?), et d’une chemise où s’étale une cravate ou un ruban sur le plastron.

Tony Oxley est à la batterie, vêtu d’une chemise imprimée, jouant presque debout des roulements ininterrompus, ponctuant sa poésie.

Cecil Taylor a encore une souplesse certaine dans les genoux, comme le montrent ses flexions de danse contemporaine, puis s’approche du piano comme s’il redoutait d’y être confronté, à pas comptés…

Les premières séries de notes sont très impressionnistes, rappellent le Golliwog Cakewalk de Debussy, ancêtre du ragtime, à la manière contemporaine. De tous les pianistes de Jazz, Cecil Taylor est celui qui utilise le plus les influences classiques dans ses improvisations. Sa liberté s’étend jusqu’au classique. La suite ressemble au Concerto pour la main gauche de Maurice Ravel par ses ricochets. Et quand on y pense, ce serait le comble que d’interdire au Jazz l’usage d’ancêtres classiques qui ne se gênèrent pas pour lui emprunter ses formes au début du siècle dernier. Ce n’est donc qu’un juste retour des choses

Le jeu de batterie d’Oxley, très contemporaine, suit et reproduit ou précède à la lettre les notes de Taylor avec des effets équivalents, et vice versa, avec une confondante complicité, trouvant, inventant des correspondances inouïes. A d’autres moments, on trouve dans le jeu de Taylor des traits guillerets à la Ahmad Jamal, puis des descentes sombres et dramatiques d’un film noir muet.

De petites trilles introduisent un ragtime qui semble se refuser à en être un pour rester formellement libre, continuer la ligne mélodique où Scott Joplin la laisserait retomber pour permettre la danse. Cecil Taylor ne joue pas pour la danse, danse lui-même ou compose pour la danse contemporaine. Il fut l’un des premiers à élever le free Jazz au niveau d’exigence de la grande musique européenne.

Mais le traitement reste Jazz, en ce qu’il ne respecte pas le classique dans la forme, brise ou rallonge les lignes avec la liberté du Free Jazz, jusqu’à, pourrait-on croire parfois, l’informel.

On a parlé à propos de la musique de Cecil Taylor de «non musique », mais peut-être cette liberté formelle absolue lui permet-elle aussi d’y intégrer TOUTES LES MUSIQUES pour son propre usage, à nul autre semblable. Dans cet informel, cette non forme selon ses détracteurs, se retrouvent si l’on y prête l’oreille des formes extérieures au Jazz, plus anciennes ou plus contemporaines, dynamitées par la liberté du Free Jazz érigé en système de déconstruction.

Pelléas y cherche Mélisande, mais elle le fuit comme un main de Taylor l’autre sur le piano en des strides très vifs, se poursuivant jusqu’à la chute dans le plus contemporain des fracas. Ces réminiscences classiques ne semblent là que pour être transformées sous les doigts de l’artiste, confrontées à sa liberté qui les phagocyte, les emmène ailleurs, dans une autre forme plus libre et plus étendue.

A propos de la Liberté Musicale, Cecil Taylor déclarait dans les années 50s à Nat Hentoff « Il n’y a pas de musique sans ordre, mais cet ordre n’est pas nécessairement dicté par un seul critère de ce que l’ordre devrait être ou tel que le pense un critique de Jazz. La question n’est pas d’opposer « liberté » et « non liberté », mais de reconnaître différentes idées ou expressions de l’ordre.»

Tony Oxley reprend les clusts de Taylor par des ras de caisses claires, des bruissements de cymbales.

En plus de deux caméras au poing des cameramen accroupis, une troisième, télescopique tourelle, sur un axe, tourne au-dessus de Cecil Taylor comme un vautour, l’approche puis s’éloigne comme apeurée par ce magma musical déchaîné, le prend par derrière.

Avec le temps, Cecil Taylor est DEVENU PIANO, et le piano se fait percussion, cri, note, clavier de la microstructure de la touche à la macrostructure du clavier, volée de notes, de touches blanches et noires comme happées, brassées, prises puis rejetées à pleines mains () avec des changements de tempos suivis au doigt et à l’œil par les percussions d’Oxley.

A propos de ce style percussif, Cecil Taylor déclarait en 1958 : « Depuis toujours, nous les musiciens Noirs, nous considérons le piano comme un instrument de percussion, nous battons le piano et nous pénétrons l’instrument. La force physique entre dans le processus de la musique noire. Qui ne l’a pas compris n’aura plus qu’à crier.»

La violence du Free Jazz de Taylor ou d’autres, c’est celle d’un peuple qui a subi l’exil et l’esclavage, puis la ségrégation pendant presque un siècle après son abolition jusqu’à l’obtention des droits civiques et l’assassinat de Martin Luther King et Malcolm X.

Vu de ce point de vue-là, il est rassurant qu’après des siècles d’oppression, la première parole du Jazz libre (free) ait été un cri de révolte et de colère, et généreux de la part de Taylor d’accepter AUSSI dans sa musique le classique qu’il étudia au New England Conservatory.

Le set de batterie de Tony Oxley n’est pas non plus habituel : il y a ajouté une grande pièce de fonte en plus des éléments communs à toute batterie.

Parfois on croirait entendre Debussy joué par Keith Jarrett à Köln, puis Cecil Taylor brise cette esthétique trop sage par des clusts d’un bout à l’autre du clavier, où le jeu se fait presque boxe, frappe les touches de ses poings avec la même énergie qu’Oxley ses gongs.

Une main sur le clavier, l’autre presque en retrait (http://www.youtube.com/watch?v=Yomesyf8GFY), Cecil Taylor bâtit avec lenteur des accords dramatiques et ses doigts semblent découvrir chaque fois pour la première fois, avoir gardé cette folie de l’enfance de l’art.

21 h 30. Ils se lèvent et partent en coulisses. Reviendront-ils ? « Le Concert est en deux parties », signale Philippe Ochem.

Pendant l’entracte, je croise Olass T, la pianiste russe de Steppah Huntah, qui me fait remarquer qu’ «il semble écrire une page musicale pour la déchirer ensuite ». Le respect du répertoire opposé à l’énergie iconoclaste de l’acte improvisateur désacralisant l’art ?

A la réflexion, plusieurs de ses Lives sont en plusieurs parties (nommés part I, II, III, etc), comme chez Derek Bailey, avec qui a joué Tony Oxley, même les pièces courtes de Willisau étaient nommées « part II, III, IV et V », alors que leur durée ne le permettrait pas…

Cette mode l’abstraction des titres entend laisser à la musique sa pureté sans influencer l’auditeur Cecil Taylor et Tony Oxley ont enregistré Live en 2008 « Ailanthus /Altissima » à New York « bilateral dimensions of 2 roots songs », vendu à l’entracte 87 € les 2 vinyles, avec un livret des poèmes de taylor illustrées par les peintures abstraites d’Oxley.

La seconde partie s’ouvre sur une seconde danse avec poèmes chantés de Taylor, coiffé d’un bonnet, qui court jusqu’au fond de la scène sur les percussions d’Oxley, parlant, entre autres de la création, de l’ «IIII Man » et l’ »IIII Woman », prolongeant les syllabes aigues comme dans la poésie lettriste.

Revenu au piano, il continue de déclamer sa poésie, chatouille le clavier, crie et chante, joue et clame, entrecoupant ses deux formes d’expressions.

Son bonnet noir porte le liséré vert pour les forêts d’Afrique, jaune pour l’or volé, rouge pour le sang versé du Rastafarisme. Il a d’ailleurs porté très longtemps des natty dreadlocks, qui avec ses lunettes de soleil et sa moustache ou sa barbe sous son bob, lui donnait un look assez improbable dans les années 70s à 90s.

Soudain, il accélère, déchaîne une tempête de touches à pleines mains, à la crête des vagues noires et blanches, ses doigts éclaboussant les touches comme la marée se brisant sur les rochers. Il attaque en piqué comme un poisson volant ou un dauphin, puis replonge dans les abysses de la mélodie, de la « Cathédrale Engloutie », puis à nouveau le Jazz et ses vagues ininterrompues débordant en ruisseau, en fleuve, le clavier de ses doigts, l’un se substituant à l’autre, se superposant comme sa ligne mélodique ajoutée aux standards de Cole Porter. Il passe des valses folles d’un Chopin aux violences d’un Rachmaninov, étend ses doigts sur les touches, comme de tentaculaires étoiles de mers explosant soudain au ciel en feux d’artifice, puis ne se concentre que sur une note, pour y reprendre le flot discontinu des notes.

Les cliquetis métalliques d’Oxley répondent en temps réel à ses clusts, rythment ses paysages impressionnistes qui souvent d’un trait vigoureux se brouillent et deviennent gestes purs, mouvements sur la toile imaginaire, abstraits.

Cecil Taylor s’est toujours intéressé aux questions formelles, déclarant à Nat Hentoff : « Je suis très intéressé par les problèmes de son, les interrelations entre différentes structures possibles pour des instruments variés ». Encore à 80ans, il crée en concert de ces formes inouïes, expérimentales, mais où son érudition sème des pistes vers quelques références pour mieux les déjouer ensuite.

Applaudissements, puis Cecil Taylor reprend le piano étonnamment clair, limpide, qu’on n’attendrait pas de sa violence. Une autre influence de Taylor est Lennie Tristano pour la pureté de ses lignes ininterrompues, comme celle de son « Turkish Mambo », premier re-recording de l’histoire du piano Jazz. Comme lui, il alterne respect de la forme mélodique et liberté rythmique s’en échappant, la brouillant pour mieux en apprécier ensuite la clarté et y plonger pour en explorer les profondeurs sous mélodiques, à croire qu’il n’érige ses vaisseaux que pour les brûler.

Il finit par un bis d’un de ses préludes à pas comptés « sur la pointe des pieds ».

L’orage passé, cette musique ne semble ni sans beauté mélodique (ce qu’on aurait pu attendre de sa violence), ni sans rythme ou répétitions (ce qu’on pourrait attendre de son côté « non musical »), mais ces deux aspects séduisants du pianiste se retrouvent plus souvent juxtaposés, alternés qu’ensemble et mêlés, ce qui demande un effort de concentration pour goûter la mélodie, bientôt détruite par le rythme, qui s’arrêtera pour faire place à la mélodie, au point de ne pouvoir plus apprécier sereinement ni la contemplation de la beauté ni l’excitation de sa destruction.

Un gâteau est amené sur scène pour ses 80 ans, clavier de piano de chocolat s’affaissant, s’engloutissant par le milieu, à l’image de sa musique, ou peut-être de certains des pianos qu’il a utilisés…

Pour être plus critique par rapport à la démarche du free jazz contemporain en général, si le Jazz peut être apprécié en des salles prestigieuses par le public érudit et exigeant du classique contemporain et relativement fortuné, mais élitiste, et qui coupe le Jazz des jeunes, ne peut-on pas regretter qu’il y ait perdu le côté populaire des Jook Joints et des dancings, pour faire commerce de disques numérotés à quelques centaines d’œuvres. Le Free Jazz n’aurait-il pas dû, pour rester révolutionnaire, rester dans les lieux underground comme les lofts ou les caves ? Dans ce cas la démarche de Steve Coleman semble plus populaire et tournée vers l’avenir.

Jean Daniel BURKHARDT

Steve Coleman était en concert le 19 septembre dernier à 22 h 30 à la Cité de la Musique et de la Danse pour Musica avec ses derniers Five Elements, dont le trompettiste Jonathan Fimlayson (membre depuis le Live « Resistance Is Futile » à la Jam de Montpelier), la chanteuse Jen Shyu (présente depuis « Lucidarium, », et sur « Weaving Symbolics »), le tromboniste Tim Albright (de « Weaving Symbolics ») et le batteur Dafnis Prieto (« Lucidarium »), et leur nouveau guitariste Miles Okazaki.

Steve Coleman est le saxophoniste afro-américain qui montre la voie : après des débuts dans des Big Bands comme celui de Mel Lewis, il crée l’ M Base (Macro-Basic Array of Structured Improvisation) puis les Five Elements, à leurs débuts très Funk et Hip-Hop, puis s’est intéressé aux origines du Jazz dans la musique afro-cubaine et la numérologie sacrée Egyptienne , expérimentant des constructions rythmique et mélodiques complexes et inouïes, sans se déprendre d’une intensité urbaine, a pris une année sabbatique entre 1999 et 2000 pour voyager, construire une maison à Bali et étudier les piritualités u monde et est revenu depuis plus fort encore.

Les micros sont disposés en arc de cercle d’amphithéâtre choral pour cette musique spirituelle aux voix polyphoniques, terminé par la batterie, ou arrivent, de gauche à droite, Jen Shyu, Steve Coleman, Jonathan Finlayson, Tim Albright, le nouveau guitariste Miles Okazaki.et Dafnis Prieto à la batterie.

Jen Shyu (chanteuse sino-américaine aux parents originaires du Timour Oriental) a évolué dans le groupe depuis son arrivée dans les secondes voix de « Lucidarium », s’est libérée musicalement en scat dans « Weaving Symbolics » et maintenant chante des mots et improvise des vocaleses. C’est émouvant de la voir évoluer ainsi, déployer ses ailes de concert en concert (encore un peu raide et en en retrait la dernière fois à Schiltigheim) et de disque en disque. Elle a même chanté une de ses compositions.

La batterie drum’n’bass de Dafnis Prieto soutient les riffs de Coleman, Finlayson très aigu à la manière des trompettes d’Aïda de Verdi et le trombone de Tim Abright à l’unisson dans les basses et Jen Shyu scatte librement une quatrième voix de l’un à l’autre.

Steve Coleman reprend par une intro soufflée en beatbox (« Fam Fit To Fit ») de son dernier album solo « The Invisible Paths » pour Tzadik, suivi de Jen Shyu en des aigus à la Björk sur les percussions . Chacun semble jouer quelque chose de différent dans cette harmolodie (technique créée par l'homonyme aîné de Steve , Ornette Coleman, mais à qui Steve Coleman a su donner un sens spirituel et urbain) mais où les autres par moments s’immiscent avec talent, se rejoignent par vagues en convergences inouïes qu’il appelle « flex » et remplacent chez lui l’alternance thème / solo du Jazz. Et pourtant tout cela est très harmonieux et va très bien ensemble grâce à leurs talents d’improvisation et leur écoute mutuelle.

Steve Coleman a écrit quelque part que sa musique cherchait à aider l’auditeur à trouver spirituellement le chemin de son âme, mais il avoue aussi que, selon l’élévation spirituelle ou son besoin à un moment, on peut en apprécier les solos improvisés, ou danser dessus comme sur du Funk, écouter les paroles comme du hip hop. Le saxophone et le trombone se retrouvent sur un duo.

On retrouva « Kabalah » de « Lucidarium », le meilleur disque récent de Steve Coleman pour la fusion entre la spiritualité asiatique vocale de Jen Shyu et le rappeur Kokayi (http://www.dailymotion.com/relevance/search/steve+coleman/video/x4gljz_part2-steve-coleman-5-elementopus-a_music ) de son groupe de Hip Hop The Metrics et d’Opus Akoben et « Gregorian » de « Weaving Symbolics »

Mais Steve Coleman a aussi une grande culture de Jazz, bop et autres, et cite « Bitches Brew » de Miles dans ses solos, tandis que Jen Shyu décompose les syllabes, les mots, en lettres, en sons, en musiques, en poésie sonore lettriste, comme utilisant le khyal indien à la manière de Nusrat Fateh Ali Khan, part en transe syllabique.

Dafnis Prieto marque la clavé, puis Steve Coleman reprend la main par la rythmique, rallume le feu de l’impro libre chez ses solistes, la jam en live des « flex » joués plus sur les réflexes que sur la pensée maîtrisée. Il aime à introduire de « méditations » spirituelles ses « flexs » plus improvisés collectivement. C’est la forme de concert qu’il préfère, libre et décontractée, qu’il appelle « Grass Roots », laissant pousser naturellement la musique des racines de la terre à l’air de l'herbe, au hasard, comme sur le Live à La Jam Montpelier « Resistance Is Futile » avec déjà Jonathan Finlaysaon..

Avec le temps, Jen Shyu est devenue une voix soliste au même titre que les autres instruments, et maintenant c’est le guitariste, dernier arrivé, qui est un peu à la traîne. Cette initiation spirituelle et didactique en Live donne l’énergie et le renouvellement à l’orchestre de Steve Coleman, une structure changeante par roulement qui le préserve de l’ennui. En effet, le marché du disque est trop lent, trop lourd pour lui, les disques juste des jalons posés pour marquer les étapes, mais dépassés sitôt enregistrés, et qu’il se lasse vite de rejouer tels quels sur scène, préférant les impros libres, les inédits, la création en direct. Il lui arrive même d’enregistrer le disque PENDANT un concert et de le distribuer gratuitement à la sortie au public, qu’il estime y avoir participé !

Une autre influence dans les tempos rapides de Steve Coleman est le mantra Bouddhiste rapide (Steve Coleman est bouddhiste) qu’il scatte sur les différents rythmes de la cowbell de Prieto, ou mêle dans ses vocaux litanie bouddhistes et mélodies Bop de Thélonious Monk, comme ici « Straight No Chaser », comme à Montpelier, Dizzy Gillespie….

Un autre solo du saxophoniste montrera sa culture des tandards, passant par « Lush Life », puis par «The Way You Look Tonight », joué plus dans l’esprit que dans la lettre. Quand il essaie un nouveau saxophone, c’est toujours sur du Charlie Parker dont son père était un fan. En d’autres temps, il eût été un saxophoniste lesterien, parkerien, et l’est parfois, entre autres choses.

Pour le bis final, après avoir présenté les musiciens comme dans « Resistance Is Futile » en entrecoupant ces mots d’improvisations libres, tous scattèrent en litanie Bouddhiste-Hip-Hop (http://www.youtube.com/watch?v=MsGeImrEcC8&feature=related) , échangeant les instruments pour les voix.

Trop complexe et beau pour être décrit par le menu, ce concert qui se prolongea jusqu’à près d’une heure du matin, prouva le talent individuel et collectif de steve Coleman et ses Five Elements.

Le Festival MUSICA se poursuit, avec, ce vendredi octobre à 20 h, un Concert Anniversaire pour les 80s ans du pianiste Free Cecil Taylor à l'Auditorium de France 3 Alsace à 20 heures.

Jean Daniel BURKHARDT

Le bal Gascon, Bernard Lubat est pour ainsi dire né dedans et a grandi en lui, dans ce Café L’Estaminet d’Uzeste en Bazadais créé par son père Alban Lubat, accordéoniste amateur qui le met au piano mais le laisse s’y exprimer librement (d’où sa conception hétéroclite de l’instrument), mais c’est comme batteur qu’il entre en percussions au Conservatoire de Lyon, puis monte à Paris, rencontre l’organiste à St Germain des Près Eddy Louiss, avec qui il accompagne Stan Getz sur « Dynasty » et Claude Nougaro, participe au Free français, puis en 1977, pour ne pas devenir « un vieux couillon du Jazz », retourne à Uzeste faire SA REVOLUTION, monte la « Compagnie Lubat Dé Gasconha », le Festival d’Uzeste en 1985, le seul festival de Jazz permanent à sa grande époque enregistrée en 1994 sur « Scatrap Jazzcogne », et vient de remporter, avec « Chansons Enjazzées » où ce « malpoly-instrumentiste », comme il se définit lui-même, scatte, rappe, jazze et cogne et chante des textes de son cru poétiques et révolutionnaires, joue de l’accordéon, des claviers et de la batterie, le Prix du «Artiste vocal de l’année 2009» aux Dernières Victoires du Jazz et a dédié son prix « aux jeunesse musiciennes d’Uzeste qui nous montrent l’avenir ». Ce sont d’ailleurs ces jeunes Uzestois issus de la Compagnie Lubat dé Gasconha" qui l’accompagnent sur scène dans ce « Bal Gasconcubin »

Il était déjà là il y a vingt ans pour l’Ouverture de Pôle Sud. Après un banquet Gasconcubin, le Bal Gasconcubin de Bernard Lubat est déclaré ouvert sur la Plage du Baggersee, où nous accueillent des danseuses XVIIème de La Compagnie Velvet de Joanne Leighton en perruques poudrées, robes à volant et marinières.

La guitare biguine funky de Patrice Vieira sur les coups des deux batteurs, un qui Jazze la rythmique, l’autre solote funky en ras le Band sur un air de musette rythmé par les claviers de Lubat sous son chapeau de pêcheur de cuir de nuits noires, avec les mêmes unissons inouïs, sauvages et polissons avec le saxophone que dans « L’Idiome Sandwich ». Il joue des claviers avec des ralentis organique d’orgue et remplace ce soir sous ses doigts les soufflets du « gnan gnan » de l’accordéon.

Le second titre, une « biguine gasconcubine » est introduit par Patrick Vieira au mégaphone puis au cor de Roland de Roncevaux. En fait, ce « Tout P’tit » est à l’origine Martiniquaise, puis « uzestusinagée », de Pierre Louise, « transe-mise » par son fils le maître d’organiste Eddy Louiss en 1970, et déjà interprétée en 1993 à Uzeste et sortie sur le disque « Conversatoire » de piano solo de Lubat. Le saxo taxiphone/sonne et joue, funky sur le prequ’orgue Lubatien, le Lub’orgue à deux pédales, une pour chaque pied marquant le temps en permanence, qui ensuite coule léger des vagues de fender rhodes se baladant de ci de là aux ras des baguettes.

Lubat part en un scat dont renaît la mélodie première, primale, puis en paroles les mots. Pour « Chansons Enjazzées », il a rajouté ces paroles de son cru sur son origine et toute sa vie: « Depuis tout p’tit, je m’suis grandi..je m’suis joui », raconte, vit et chante, joue et jouit sa vie sur scène avec cette sauvagerie débordante de toutes les musiques qu’il a traversées et créées, qui sont en lui et qu’il fait siennes encore, transbahuté de par le monde par sa passion.

Lubat nous interpelle « ça va ? Formidable! Il y a vingt ans on était déjà la… » Je lui demande « C’est les mêmes ? », et il me répond «Bien sûr c’est les mêmes, comme moi je suis mon père ! ». Il aimerait qu’on danse en couples à son bal, et moi mes pieds dansent certes, mais mes doigts notent pour cet article les impressions délirantes qu’il m’inspire… Il m’affuble d’un positif « et lui là qui prend des notes… Tu trembles, Cadavre ! ». Cadavre ? mais Cadavre Exquis Monsieur, notant de l’in au très conscient les émotions qui me traversent de vous voir et entendre ce soir pour n’en rien perdre!

Il annonce un « Funky Suave », une mélodie comme sublimée par l’impro, méconnaissable, puis que je reconnais pour une version instru de « J’aime pour la vie », une de ses dernières « Chansons Enjazzées », diatribe où il disait qu’il n’aimait PAS ceux qui l’ont provoquée et le cynisme de l’argent roi. Donc cette version instru montre ce qu’il « aime pour la vie » : jouer sur scène avec ce saxo free, avec un gros accord Hendrixien du guitariste Jazz Rock de Vieira. Ce qu’il aime, Lubat, c’est cette furie musicale pour la vie qu’ il a fait sienne, qui le fait vivre et nous fait vibrer, et finir après les deux guitares par un sol’orgue sur le sax.

« Voilà un Blues pour danser encore plus près…plus près de toi mon cœur ». En fait de Blues, c’est « Goodbye PorkPie Hat », « Blues Mingusien (aux harmonies complexes) » , écrit par Mingus pour Lester Young à sa mort sur lequel il a écrit « Mes Nuits Blanches » sur ses nuits blanches Uzestoises, avec ici un beau saxo mélancolique. Mais là encore il ne chantera pas les paroles, bifurquant vers son propre « St Just Blues » en gascon et anglais, (Blues bilingue de 1789à nos jours) de « Scatrap Jazzcogne » contre le racisme et tout ce qui fait que nous ne sommes pas assez révolutionnaires et la misère humaine et pour la justice sociale qui choquent Bernard Lubat sous son béret basque Guevarien.

Depuis le temps que Lubat se même aux standards du Jazz, ils s’emmêlent à se confondre avec les siens, s’embellit, s’emberlificote et fricote la guitare, l’asticote en Blues Rock, «occitane le tempo », chantait-il alors. Le plus Bop est le saxo qui joue Parkerien comme André Minvielle reprenant « Bloomdido » dans « Mme Mimi » sur le clavier qui monte jusqu’au cri free. Lubat fait clavier et vocoder, comme joe Zawinul, il EST orgue et clavier à force d’en jouer, comme si tous ces moyens d’expression et instruments successifs s’étaient incorporés en lui par tous ses pores exsudant sur tant de scènes, et qu’il réunies en lui toutes les raisons que nous avons eues de l’aimer depuis toutes ces années.

Il est aussi éléphant blanc qui scatte comme « les blancs éléphants l’aspergeant de mé-MOIRE ! » de Nougaro dans sa « Locomotive D’Or ». Lubat, qui accompagna Nougaro en Afrique après le disque « Bleu Blanc Blues », est lui aussi un « Amour Sorcier », Gué Gué Gué!

Il continue avec « une biguine Gasconcubine pour se reposer un peu », qui s’avère être « D’ici D’en Bas » (http://www.youtube.com/watch?v=A_1GFgHn_D4&NR=1 ), sa dernière autodéfinition poético musicale, et la meilleure de ses dernières Chansons Enjazzées, le plus beau texte et la plus belle mélodie et jouée plus lentement : « Je suis d’ici d’en bas, d’ici d’enfance de là, d’ici d’en langue des bois…dissident Uzestois, d’ici d’enfreindre la loi », demande qu’on lui monte le son (« Eh j’m’entends pas, alors que j’suis tout seul ! » sans perdre le tempo, se fait conteur et troubadour, « d’ici d’ancien Gasconcubin ».

Ce qu’est arrivé à faire Lubat, c’est à garder le rapport au terroir tout en le modernisant. Les autres entrent dans la danse, peu à peu, puis à fond. Dans ce dernier disque, on retrouve un Lubat personnel et universel comme dans « L’Idiome Sanwich » en 1986. Le saxo prend un solo plus cool, Lesterien ou Parkerien avec le Jazz Rockubain des guitares derrière. Lubat utilise le clavier comme un orgue, comme une machine, puis les guitares partent sur le cri du saxophone.

Il est « d’ici d’en bouse de là », né dans le Sud Ouest, il a bougé de là, contrairement à MC Solaar,, il est né à ce soleil, n’a donc pas à le chercher.

Sur les congas, le scat Gasconcubin lubatien tape et se sample en live comme André Minvielle sa Minviellàroue, est riche de toutes ses expériences musicales, de toutes ses rencontres, mais les a faites siennes depuis 40 ans en restant lui-même et les rassemblant en lui-même.

Il est aussi d’ »ici d’en bas, d’effraie, d’emprise de là… »

De ce créole personnel n’appartenant qu’à lui, on perçoit plus l’idée générale que particulière, on grappille ce qu’on peut dans les beautés de cet océan de paroles qui nous emportent. Le saxophone joue avec un son d’orgue tant il joue avec lui jusqu’au dernier unisson. Lubat c’est à la fois cette indépendance d’être soi et cette générosité de le partager avec les autres. Sur cette plage du Baggersee, certaines ont enlevé leurs chaussures comme sur la plage du Club Méditerranée.

Ils poursuivent avec l’adaptation Gasconnisée par Lubat d’un standard de Dizzy Gillespie, «Night In Tunisia», devenu « Nueit en Uzseta », mais la version la plus groovy que j’aie entendue de ce standard Bop, que Lubat avait chanté en 1962 à ses débuts avec les Double Six (le meilleur groupe vocalese français) et Dizzy lui-même, en changeant le texte pour une histoire de tapis volant.

Le Bop n’a pas été aussi intense depuis longtemps, jusqu’à ce groove porté par deux batteurs et une très jeune bassiste, puis part avec le sax sur les congas. D’une manivelle manuelle du poignet, Lubat relance, comme Henri Texier le batteur de son fils Christophe Marguet, l’improvisation de ces musiciens qui doivent avoir la moitié de son âge et termine en tapant sur ses claviers.

De naissance, Bernard Lubat a assimilé toutes ces techniques de danses au Café L’Estaminet (« un lieu qui parle », a-t-il dit un jour) d’Uzeste, il a le bal en lui depuis toujours, ce Jazzbalalubat, et continue par une mazurka biguine, fracassée de toutes parts, remise au goût du swing et du groove avec ce son énôôrme, auquel le saxo donne son souffle, devient batucada publique sous les mains des tambours des congas et des batteurs, menée dans cette jungle par le mégaphone toucanant du guitariste comme la « Mama Sauvatge », « Samb’Aquitaine », en version « grand swing des rues et des champs en Favelas bandas jazzconha » de la Compagnie Lubat enregistré live au 16ème festival d’Uzeste en 1993 sous les feux d'artifice du tromboniste Patrick Auzier (capable d'en déclencher même en salle!).

A ce moment, ils nous amené Uzeste ici, taxiphonanant du saxo, mégaphonant la canopée Brésilienne, chantant et criant à tout va.

Voilà l’Herbe, l’Herbie, l’herb’à la coque, l’Herbie Hancock, « Cantaloupe Island » de 1964, remis au goût du jour par US3 en 1993, mais repris à la manière des Headhunters avec qui il avait modernisé en 1962 son «Watermelon Man» avec des chants pygmées après avoir été porté dans la jungle cubaine de Mongo Santamaria.

Version funky, dansante, électrique, avec cette sauvagerie du Sud, comme des vagues de mer rhodes sous ses doigts communicant, se transvasant. Par leur joie de vivre solaire, ces gens du Sud sont, avec leur intensité généreuse, leur folie, nos bronzés de la vie à nous, nos noirs au sens noble du terme, nous froids gens du nord presque allemands, chez eux « l’Espagne qui pousse un peu sa corne » dont parlait Nougaro.

Lubat fait parler, chanter, gémir le clavier comme lui-même. J’ignore si Herbie Hancock est déjà passé à Uzeste, mais son esprit, Gasconnisé, est présent dans cette reprise façon Chameleon d’un de ses titres Blue Note les plus funky, dans cette guitare à la John Mc Laughlin cherchant l’aigu comme le soleil dans la montée dans « Resolution" dans « Birds Of Fire » du Mahavishnu Orchestra.

Puis le saxo s’immisce par un solo très doux, puis d’un souffle électrique, troublant, tremblé, vibrant, vibré, vibrionnant jusqu’au cri free sur le clavier de Lubat. Cette formation a un vrai son de groupe, mais est capable de tout jouer de la musette à la biguine gasconcubine, au Jazz-Rock Funky, et termine sur un tempo d’enfer par des effets de batterie Rock orchestré par Lubat.

« Un petit dernier pour les copains artistes » : une reprise digne d’un cirque Jazz Rockant de la musique de Nino Rota, pour « Huit et Demie » de Fellini ronde folle finale de Mastroianni qui a retrouvé toutes les femmes de sa vie plus une qu’il avait oubliée et croyait la seule et unique et s’être rêvé à la tête d’un harem, le tout accéléré par le producteur qui veut son neuvième film et traîne Mastroianni qui s’était réfugié dans un couvent / sanatorium avec actrices et comédiens et ça repart toujours de plus belle.

Après un dernier Bis Jazz Rock Latino joué, dansé, scatté, où il apprend au jeune bassiste à côté de lui à ne pas interférer dans le solo de congas (la Compagnie Lubat est une structure d’apprentissage musical destructuré en live), et finit en « Roi Dagobert ».

Bref, Bernard Lubat a montré qu’il avait toutes les musiques de sa vie en lui, de la musette gasconne, à sa cousine cubine, au Jazz-Rock et à ses inimitables chansons en lui, et pouvait tout remettre en cause pour le plaisir du jeu.

Jean Daniel BURKHARDT

Le week-end du 8 août, je suis allé rendre visite à mon frère Guillaume, de retour d’Amérique du Sud à Paris. Après avoir vu Ménilmontant qui ne m’évoquait qu’une chanson de Charles Trénet et où est né Maurice Chevallier et Belleville où naquit Guy Marchand, avoir bu des bières servies par un sosie du Professeur Choron au « Quartier Général », puis j'ai écouté avec mon frère les Drones, groupe de rock Australien qu’il vit en Australie, Fugazee que je ne connaissais pas et les Rising Sons, premier groupe de Ry Cooder et Taj Mahal et Can, et appris que le Staff Benda Bilili combo Africain lauréat du Concours Womex vivant dans le Zoo de Kinshasas’est produit à Paris au Cabaret Sauvage et que quand ils ne chevauchent pas leurs motos customisés, ces musiciens handicapés par la polio dansent sur scène sur leurs béquilles.

Nous avons tout de même décidé d’aller à St-Germain Des Près, voir ce qu’il restait du glorieux passé des caves entre les restaurants et boîtes touristiques hors de prix qui doivent faire se retourner Boris dans sa tombe, comme les restaurants étrangers aux fausses serveuses indiennes.

Je savais pour avoir entendu son directeur Dany Doriz sur France Musique que son « Caveau De La Huchette » ne fermait presque jamais et était le Club de Jazz le plus historiquement authentique, dans une cave qui avait abrité les réunions secrètes des Templiers, Rose-croix et Francs-maçons (il en reste aux murs de belles sculptures, gargouilles et fleurs de lys et d’acanthe aux piliers), créé en 1948 par Maurice Goregués, et utilisé pour représenter cette époque dans « Les Tricheurs» de Marcel Carné avec Belmondo ou « Rouge Baiser» de Véra Belmont avec Charlotte Valandray et Lambert Wilson.

Les photos en noir et blanc montrent les riches heures du lieu : Bill Coleman, Sacha Distel, Wild Bill Davis, Art Blakey , Claude Bolling, Harry Sweets Edison, les Savoy Sultans de Panama Francis, Guy Laffite, Claude Luter et Lionel Hampton (idole de Dany Doriz) en 1997 ou le jeune Christian Morin (l’ancien animateur de « La Roue De La Fortune », acteur de série depuis, fut d’abord un clarinettiste de Jazz reconnu, couronné du Prix Sidney Bechet à 20 ans et auteur dans la foulée de deux disques de platine, Aquarella et Esquisse, et un disque d’or 'Couleur Havane).

Ce soir-là s’y produisait le chanteur et saxophoniste britannique Drew Davieset son Swing Band. Ses solos sont Bop, mais la rythmique et les riffs bien Rythm’N’Blues, du temps où ce Rock’N’Roll primitif des noirs n’avait pas encore été volé par les blancs. Le piano remonte bien au Boogie Woogie (dont on trouve des partitions de pianistes noirs dès 1885), suivi des riffs du saxophone et du solo furieux sur les ras de la batterie, poussé, swingué jusqu’au Boogie-Rock. Cette puissance du saxophone me rappelle celle des grands saxophonistes du Jazz at the Philharmionic américain qui tous pouvaient jouer New Orleans, Swing, Bop, Cool, Boogie ou Rythm’N’Blues, toute la ligne du Jazz de ses origines à leur époque.

D’ailleurs le Blues plus lent qui suit «Going To Kansas City », me rappelle que c’est là que naquirent les riffs du Rock’N’Roll, alors appliqués à la section de saxophones de Count Basie où Lester Willis Young affrontait Herschell Tex Evans lors de jam-sessions inextinguibles où Lester, alors presque inconnu, arriva même à mettre le Roi du Saxophone en titre Coleman Hawkins au tapis au Cherry Blossom en 1933…

Drew Davies, sans avoir la puissance d’un Blues Shouter, est un bon chanteur de Blues, partant dans l’aigu en fin de phrase à la Eddie Cleanhead Vinson, lui aussi saxophoniste et chanteur de blues, et termine encore par un solo de saxophone puissant riffant sur la cymbale.

Il y a de plus en plus de danseurs de lindy-hop (ancêtre du Rock acrobatique au Savoy Ballroom, « Home Of Happy Feet » - « Maison des pieds Heureux » dans les années 30s) sur la piste de danse centrale face à la scène (http://www.youtube.com/watch?v=UmCaaFp49-k ). Ici, grâce à des cours de lindy hop devenu danse Be Bop quand il ne faisait qu'un avec le Rock'N'Roll avec Jano Merry, comme à l’époque, et plus tard au Tabou de Boris Vian Cave (qui finalement ne dura qu’un an, après quoi il partit au Club St-Germain) par Les Rats De Cave, le Jazz est joué pour la danse, dans la communion avec les danseurs, ce qui se fait de plus en plus rare.

Suit un Blues chanté issu de leur dernier album sur une guitare skiffle qui lui donne une saveur de Country Blues rural, puis le saxophone revient hurlant mais suivant toujours le riff, la mélodie.

Plus connu des Blues Shouters, « Early In The Morning » est repris sur un piano boogie woogie avec une touche de New Orleans dans la rythmique, comme dans la version de Louis Jordan habillé en cow-boy chanteur et saxophoniste noir de Rythm’N’Blues qui continua à vendre des disques même pendant la guerre, que Drew davies joue dans un style 60ies.

La chaleur est celle d’une étuve, et un tuyau d’aération laisse tomber goutte à qoutte la sueur publique condensée, cette « chaleur humaine » et ce « brouillard mauve, léger » des bords de Seine que Boris Vian voyait comme un nectar récupéré pour faire du vin de St-Germain Des Près, vendu en bouteilles chez les bons Antiquaires pendant la journée dans son « Manuel de St Germain Des Près », mais font partie des plaisirs du lieu que de penser qu’on devait ressentir la même saine chaleur de danse et de musique au Tabou (sueur noire qui d’ailleurs, dans le sud des Etats-Unis, fut à l’origine du mot « funky », à l’origine une insulte blanche sur l’odeur supposée des noirs et les fantasmes de danse, de musique et de restes de vaudou africain s’y rattachant). D’ailleurs l’aspect chorégraphique est assuré par les couples de danseurs de lindy-hop ou de be-bop, dont certains des danseurs les plus doués sont noirs.

Drew Davies enchaîne avec un instrumental : « Night Train » de Jimmy Forrest (alors saxophoniste de Duke Ellington, pour un disque en petit comité avec Johnny Hodges), puis N°1 Rythm’N’Blues de 1952 bien bastringue par Earl Bostic (on imagine bien les coups de reins à chaque riff), et même repris par James Brown à ses débuts à l’Apollo Les riffs de saxophone sont efficaces sur la guitare et la contrebasse lentes et le piano Boogie.

Puisqu’on est dans l’outrance, restons-y avec le titre suivant, (Don’t Roll These) « Bloodshot Eyes » (With Me !) («roule pas avec ces yeux injectés d’sang vers moi !») du grand Blues Shouter Wynonie Harris, qui était le Blues personnifié et d’ailleurs entrait dans les bars en criant « V’la l’blues qui débarque ! », enregistra «All she wants to do is Rock» dès les années 40s mais ne fit plus aucun disque après 1950 et l’avènement du Rock’’Noll, la façon « Rythm’N’Blues » de jouer s’étant perdue.

Evidemment, Drew Davies n’a pas sa puissance vocale, mais pour un blanc, finit à la place ses phrases dans des aigus provocants et enchaîne sur un bon solo de saxophone.

Le saxophoniste de Wynonie Harris, Hal Singer, né en 1912, a d’ailleurs eu plus de chance que lui. Après avoir joué avec les plus grands jazzmen et mené une carrière de la conscience Free à un Soul Jazz ouvert aux traditions ethniques du monde avec Jeff Gilson, s’est installé en France depuis 1965, a été décoré par la médaille des Arts et Lettres en 1992 et remonta sur scène, quoique aveugle, avec Sarah Morrow en 2005, chantant même le Blues lent de manière émouvante. Comme quoi la vie n’est pas toujours dégueulasse et ingrate.

Seuls les danseurs de la piste bénéficient de l’aération supplémentaire des pales d’un ventilateur brassant l’air, mais ce sont eux qui fournissent le plus d’efforts et participent le plus à la musique en communion avec le groupe, et ce sont de véritables artistes.

Drew Davis reprend ensuite un autre pionnier noir du Rock’N’Roll par son Rythm’N’Blues, le guitariste T Bone Walker et son « T Bone Shuffle », sur un battement en alternatif de la batterie sur ce rythme « shuffle ». Une dame a amené son chien pékinois à son poing écouter le Jazz. Le saxo finit en riff sous les applaudissements rythmiques du public. Il n’y a que dans un club en cave qu’on trouve cette proximité avec le public et les danseurs.

Vue l’exiguïté de la scène, j’ose à peine imaginer les sessions du Big Band de Laurent Mignard, le Duke Orchestra qui y joue un soir par semaine le répertoire de Duke Ellington et que j’ai vu au Munster Jazz Festival ou le Paris Jazz Big Band de Dany Doriz! Après les riffs et un bon solo, le public crie avec Drew Davies les derniers mots sur les claquements de mains des musiciens. Dans cette transe collective, public, musiciens et danseurs ne font plus qu’un.

Le titre se termine sur un solo de batterie Bop fracassant entrecoupé des riffs du saxophone. Le batteur maintient l’intensité ou la réduit et la guitare finit sur le riff et par un solo. Comme le dit Drew Davies, « C’est trop chaud pour chanter pour danser, trop chaud pour jouer ». Ce que le DJ Keb Darge sauve de l’oubli en repassant des disques anciens ou récents de «Rockabilly & Jump Blues», ces musiciens le jouent ENCORE LIVE, presque tel quel, ce Rythm’N’Blues puissant, et pour des danseurs à la hauteur!

Pour le prochain titre, Drew Davies entame un Blues plus lent, puis élève peu à peu cette ballade au Bop par paliers de riffs successifs, montrant qu’il peut être charmeur, chanteur et crooner mélancolique sur son saxophone, puis nous faire dépasser cette seule mélancolie.

Ainsi le très doux et mélancolique joueur de standards, Lester Young, pionnier du Cool maisqui ne l'était pas toujours sur les standards, après avoir été un bouillonnant soliste chez Count Basie et en restant un jammeur effréné au JATP avec Charlie Parker, devint-il le représentant d’un Be Bop à sa manière antique et pourtant moderne dans les années 40s (composant même un Be Bop Boogie) pour le label Aladdin (comme si au génie dela lampe il avait demandé d'être le plus moderne des anciens et le plus anciens des modernes tout en restant lui-même, "Prez", le Président), mais « en exil d’un futur qui n’aurait mais lieu » dira Alain Gerber, empruntant même les rythmiques de Charlie Parker (dont il était l’idole à Kansas City). Je consacrerai mon émission de Jazz « Jazzology » sur Radio Judaïca à ces enregistrements ce jeudi 27 août 2009 de 21 h à 22h.

Dreew Davies reprend le rail avec “Get My Train On My Track” pris à un train d’enfer à 200 à l’heure où la guitare est le rail par ses accords, la batterie la carlingue bringubalante et la voix et le saxophone le vent hurlant sous la vitesse, passant sans s’arrêter par les stations JAZZ, RYTHM’N’BLUES, ROCK’N’ROLL, rappelle les Rock’N’Roll parodiques mais excellents de Boris Vian pour Magali Noël, son « Alhambra Rock », « Strip Rock » ou son plus célèbre « Fais-moi mal, Johnny », avec Boris Vian dans le rôle du commentateur sadique dans la version originale.

Sur un bon tinkty-boum de la batterie, Drew Davies revient au style Kansas City avec « Bye Baby Bye », dans le style du shouter Big Joe Turner, ancien barman du Cherry Blossom de Kansas City.

Il prend ensuite la « Route 66 » de Bobby Troup avec un piano douché comme celui de Nat King Cole dans son onctueuse version vocale, et où les Rolling Stones sur leur premier album traîneront leurs guêtres avec une version plus Rock Anglais et souvent sur scène.

L’idole absolue des Rolling Stones justement, et l’un des rares pionniers noir du Rock’N’Roll, fut Chuck Berry, dont Drew Davies reprend le « Beer Drinking Woman » de Memphis Slim sur un bon piano Boogie, puis un bon solo de guitare sur les claquements du saxophoniste, avec des effets slide glissés à la Chuck Berry puis Keith Richards.

Les danseurs de Lindy-Bop marquent la cadence d’un autre succès de Louis Jordan et ses Tympani Five: « Is You Is or Is You Ain’t My Baby » rehaussé d’un tempo Tango Paso Latino sifflé de joie par les danseurs qui partent en Mambo Twist.

Drew Davies reprend ensuite « Ten Days, Ten Nights » de Harry Connick Junior qui avait tout pour devenir le nouveau Sinatra (jusqu’à l’adoubement de celui-ci) et bion pianiste de Jazz, mais bifurqua hélas vers un album de Jazz et un de chanteur de charme… Le drumming est bop et funky.

Le set se termine à la préhistoire du Rock’N’Roll avec ce fameux « Shake Rattle and Roll », créé par Big Joe Turner bien avant Bill Haley et ses Comets, sans parler d’Elvis Presley, repris avec un faux départ, puis une reprise hallucinante du thème.

Pendant la pause, je vais aux toilettes troglodytiques du club à partir du bar plus classieux en surface, et me rend compte que le second escalier qui en descend et atterrit derrière le public. La cave a ses coursives, ses tunnels et passages secrets, mais garde, comme le Village Vanguard mythique de New York, la forme globale d’un pavillon auditif, d’où cette acoustique magnifique, la scène étant la perle et nous la périphérie du coquillage. Pas de repos pour les Lindy-Boppeurs qui dansent entre les sets sur la musique diffusée : le « Hound Dog » d’Elvis au break de batterie fracassant que James Dean chantait au téléphone à Marlon Brando pour le faire enrager, ou un rock surréaliste de Slim Gaillard.

Le second set de Drew Davies commence avec « You Are Sexy Baby », puis le grand classique de Louis Jordan « Caldonia Boogie », un Jump Blues de 1945, avec des cris moins aîgus dans ses « Cadloniâ! », mais aux bons riffs rythm’n’blues, le piano bien boogie woogir, les riffs de saxophone qui montent, montent jusqu’à la transe du swing, jusqu’au cri et un solo de batterie fracassant et une chase guitare/saxo.

Drew Davies finira avec « Harlem Nocturne », composition à la « Night Train » de 1939 imitant le son de Duke Ellington dont Johnny Otis (père de Sugar Ray Otis donna un excellent arrangement et qui resta à la fois moderne et empreint de nostalgie, comme la bande son d’un polar idéal.

Drew Davies débute lent, sensible, puis quitte la scène pour fendre la foule en délire des danseurs de ses riffs, parcourt le club, s’assied sur le canapé rouge (la meilleure place), de l’autre côté de l’entrée entre deux filles, puis repart en blues lent mais profond, accélère à nouveau, cite « My Girl » d’Otis Redding, grand chanteur de Soul Music qui mourut en 1967 dans un accident d’avion avec son groupe les Bar-Kays, et l’ « It Ain't Me » de «Fortunate Son » de Creedence Clearwater Revival avant un solo de batterie fracassant en un délirant, éclatant final.

Bref, drew Davies et son Swing Band a élevé le Rythm’N’Blues à l’intensité musicale du Rock’N’Roll, tout en rendant hommage aux Rythm’n’Blues et Jump Blues noirs qui le précédèrent.

Jean Daniel BURKHARDT

Strasbourg est la capitale de l’Alsace et le chef-lieu du département du Bas-Rhin et a profité de ses fleuves (L’Ill, le Rhin) pour s'enrichir grâce au commerce.

La Cathédrale de Strasbourg en grès rose Vosgien reconstruite du XIIIème au XVème siècle et ses sculptures du XIIIème siècle ou La Petite France sont encore de beaux vestiges de ce passé glorieux, classés patrimoine de l’humanité par l’Unesco en 1988.

Ville libre du Saint Empire Romain Germanique, universitaire, foyer intense d’humanisme (c’est là que Gutemberg inventa l’imprimerie) au XVème et XVIème siècle, elle est annexée par Louis XIV après le traité de Westphalie en 1648.

Casanova, ChoderdosDe Laclos et Codorcet y séjournèrent avant la Révolution Française. Goethe y passa lors de ses études en 1770, et y eut une idylle avec Frederike Brion, fille d'un pasteur de Sessenheim, où un musée est consacé au poète.

Prise par les allemands en 1870, et chef-lieu du Reichsland d’Alsace-Lorraine, il en reste le Palais Universitaire donnant sur la Place De La République, et le Palais Du Rhin, non loin de la Bibliothèque Nationale Universitaire.

D’autres immeubles témoignent du style Art Nouveau ou Jugendstil.

Strasbourg redevient française avec la victoire de1918.

Le peintre surréaliste Hans Arp y est né et y a travaillé, et la restauration de l’Aubette rend hommage à cette période.

Annexée par Hitler en 1939, il utilisera des Alsaciens dans son armée (les « malgré-nous »).

En 1944, Strasbourg est libérée par Leclerc.

Symbole de l’Europe, Strasbourg abrite le Conseil de l’Europe et le Parlement Européen.

On voit combien cette histoire est liée à l’Allemagne, avec laquelle Strasbourg est ville frontière, maintenant accessible à pied par la passerelle du Jardin Des Deux Rives vers Kehl. Le dialecte, l’alsacien, est d’ailleurs issu de l’allemand.

Cela peut être économiquement, et au niveau de l’emploi, un avantage pour les bilingues allemands. Certains vont travailler en Allemagne, ce qui peut être financièrement plus intéressant au niveau des salaires, vu que l’Allemagne est plus riche que la France.

Le Parc de l'Orangerie avec le Pavillon offert par Napoléon à Joséphine, les espaces verts et les forêts (Forêts du Neuhof, de la Robertsau) et gravières contribuent au bon vivre sous un climat semi continental où les hivers sont froids et les étés peuvent se révéler chauds et étouffants par l’absence de vent.

Ces quartiers périphériques de la Communauté Urbaine de Strasbourg, s'étendant jusqu'aux banlieues de Neuhof, Elsau, Cronembourg, et Hautepierre sont bien desservis par les bus et trams (plus agréables que le métro Parisien car à la surface, exceptée la Gare, et ouvrant de grandes baies vitrées sur l’extérieur) et offrent des Bibliothèques et Médiathèques Municipales, auxquelles se sont ajoutées cette année d'autres Médiathèques Communautaires à Lingolsheim, Illkirch, et la Médiathèque André Malraux. Cet été, un light-show, avec la rosace au milieu des jets d'eaux, aux hologrammes de danseuses de flamenco ou celtiques sur des musiques baroques, tziganes ou des valses de Strauss, un feu d'artifice et des projections du théâtre Grec d'Epidaure, de la Vénus de Botticelli, de Goethe et Victot Hugo, des églises en bulbes de Russie, des fondateurs de l'Europe projetées sur la façade du Conservatoire de Région, et j'en passe, sont à voir tous les soirs devant la Médiathèqu Malraux à 22 h 30 en juillet et 22 h en août. Tout n'a pas un rapport immédiat avec Strasbourg et son histoire, mais s'il fallait réduire la culture à notre région, on n'irait pas bien loin...

Pendant l'année, la vie théâtrale s'organise entre le TNS (Théâtre National de Strasbourg) et le Maillon, ainsi que L’Opéra Du Rhin.

Les salles de concerts plus récentes dédiées aux musiques vivantes actuelles sont le Cheval Blanc et la Salle des Fêtes de Schiltigheim, avec une bonne programmation Jazz et Musiques Traditionnelles, les plus récentes Salle Du Cercle de Bischeim et Préo d’Oberhausbergen, Pôle Sud à la Meinau, scène conventionnée Danse et Musiques Nouvelles à la programmation plus free jazz, dont le programmateur Jazz Philippe Ochem organise aussi le festival Jazzdor en novembre, et l'Illiade d'Illkirch Graffenstaden, qui organise "Le Printemps Des Bretelles" dédié aux accordéons du monde.

L’Artichaut ( ) est le plus sympathique et le dernier des bars-clubs Strasbourgeois, proposant des concerts en son caveau et des Jam-Sessions les jeudis.

La scène Jazz locale, en plus du Jazz Manouche local (Tchavolo Schmitt, Biréli Lagrène), est très active, grâce aux musiciens improvisateurs du CEDIM et sur la scène des Musiques Traditionnelles, les groupes de l’ « Assoce Pikante » fait un gros travail de promotion des musiques du bassin méditerranéen en petites formations et avec le Grand Ensemble de La Méditerranée, en version Accostique ou Electrique.

Pour les musiques traditionnelles, "Les Nuits Européennes" est un bon festival innovant axé sur les musiques nouvelles Européennes.

Pour l’electro-groove et l’art urbain, le festival « Contretemps » () a lieu tous les ans en juin.

Le Festival de Musique Classique au mois de juin est très réputé et se prolonge en Strasbourg Jazz Festival au Palais Des Congrès.

La Laiterie propose des concerts à grande capacité plus Rock,Reggae, des soirées Techno, les Festivals électronique de l'Ososphère en septembre et Rock des Artefacts en avril.

Le nouveau Zénith d'Eckbolsheim est la salle qui peut accueillir le plus de public.

Le Festival Musica es plus axé sur les Musiques Contemporaines avec des incursions vers le Jazz par « Les Nuits De Musica », et cette année les 80 ans du pianiste de Jazz Cecil Taylor à l'auditorium de fRance 3 Alsace et un concert de Steve Coleman en collaboration avec Jazzdor.

Pendant l'été, les salles de concert sont en vacances mais Schiltigheim propose une programmation tournant dans ses quartiers, l'Illiade d'Illkirch des pique-niques musicaux les vendredis de 19 à 23 h, le théâtre TAPS SCALA de Neudorf des concerts les mardis sur réservations () et La Place Du Château des Rohan des concerts,. Tous ces concerts sont gratuits, suivis du « Festival Des Arts Dans La Rue » au mois d'août et répertoriés dans un Guide Jaune distribué gracieusement dans les boîtes aux Lettres.

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir vendredi 17 août, le « Babanu Quartet » ouvrait la saison d’été des Pique-niques musicaux tirés du sac et gratuits de l’Illiade d’Illkirch.

Le groupe se compose de « Guigui à la contrebasse, Jean-Fi à la guitare (que je connais depuis quelques années, dont les préférences vont du baroque de Bach à Django Reinhardt et au Jazz, jusqu’au choro Brésilien d’Heitor De Villalobos et Antonio Carlos Jobim), Jérémy aux percussions (cajon à balais, darbouka), et Fred à l’accordéon.

Leur My Space annonce la couleur éclectique : « un style Klezmerguez, ques-a-quo ? » Peut-être une propension à faire dériver avec une belle énergie d’ensemble un thème au demeurant oriental vers le tzigane en provoquant la furie du public…

« Montres réglées sur 7h40 » :l’heure de départ d’un train du souvenir entre une fanfare locale et un vieil air Klezmer!

« Boutons nacrés, cordes affûtées, quatre fistons sans vergogne flirtent avec les mélopées balkaniques, cambriolent la valse musette, dévalisent le folklore yiddish, malmènent la cadence et finissent par allumer la poudre d’escampépette . »

Ils portent des chemises blanches à l’ancienne et des chapeaux évoquant leurs influences : juif polonais pour le violoniste, sorte de bonnet oriental pour le bassiste, feutre mou pour le guitariste, casquette gavroche parigotte pour l’accordéoniste et d’immigré grec descvendu du bateau pour le percussionniste

Ils jouent avec énergie un répertoire varié oscillant entre valse non –musette, Klezmer triste puis gai , airs Tziganes Balkaniques ou Grecs plutôt gais ou chanson russe aux Yeux Noirs, et une version lente mais émouvante d’ « Aide Iano », chanson populaire Serbe popularisée dans la région par le groupe Boya, trio du joueur de gadulka bulgare Dimitar Gougov qui le joue plus vite. Le Jazz manouche fut représenté par le « Minor Swing » de Django REinhardt et ses riffs de basse descendants.

Ils reprennent aussi des musiques de film typiques : « Talijanska », air d’accordéon borgne de Goran Bregovic pour Le Temps Des Gitans de Kusturica à l’accordéon bouleversant lent puis de plus en plus rapide, un air Klezmer du film « Train De Vie » de Mihaelanu, musique de Bregovic également, et une valse de Yann Tiersen pour "Le Fabuleux Destin D'Amélie Poulain".

Après une fin « en théorie, mais la théorie et le babanu Quartet ça fait deux », on eut encore droit à la mélancolie d’une chanson yiddischo-alsacienne à la contrebasse surpuissante dans ses solos à répétition et pour finir une chanson du Babanu à la manière Nouvelle Guinche d’ « Au P’tit Bonheur », qui était bien meilleur que beaucoup de groupes actuels, mais ne dépassèrent pas ce manouche et zazou "J'veux du Soleil".

Bref, un groupe à suivre, qui dépasse déjà à la scène les promesses de son My Space.

Pour les prochaines semaines, les pique-niques musicaux vous proposent Christophe Mougenout et son quartet jazz avec Grégory Ott au piano le 24 juillet, du Tango avec le « Nocturno Tango Trio » le 7 août, le Martiniquais Browni Steel le 14 août, et Allkeymia le 21 août, à 19 h et toujours gratuit!

Au TAPS SCALA, les mardis vous pourrez sur invitations gratuites à retirer à la Boutique Culture et réserver au 03.88.23.84. 65., et vous pourrez y entendre Luamar (duo Bossa expérimental de Dresde) le 21 juillet, les Violons Barbares (gadulka, vièle Morin Khoor mongole et chant diphonique) le 28 juillet, le Transcabaret le 4 août, Shezar (Oriental Jazz) le 11 août, Maliétès (musiques egéennes grecques et Turques) le 18 et le Grand Ensemble de la Méditerranée en formation avec trio rock, trois chanteuses et chœur Bulgare Electrik GEM dans son Radiopolis Project.

Enfin, une troisième scène, celle du Château des Rohan, accueillera à 20 h le meilleur groupe de Salsa local Sonando le lundi 27 juillet, le Musikverein Neuerburg Big Band Jazz le mardi 28, le voyage autour du monde de l'Harmonie de Gambsheim le mercredi 29, l'Ensemble Papyros'N de Klezmer et musiques tziganes d'Europe Centrale voire Celtques le jeudi 30 juillet, l'ensemble de percusions africaines Issangano et la danse et musique Antillaise de Tropic Groov. le samedi 1er août. On poura y voir aussi le Bloosband de Dorlisheim, le meilleur Big Band de la région le Big Band de Bischeim ou BBB le samedi 1er août et le Jazz Muk de Kihlstedt le dimanche 2 août. Du 7 au 17 aoÛt,le 10 ème festival Les Arts Dans La Rue investira le Centre-Vile de ses déambulations, avec même une Fanfare du Rajastan, le Jaipur Maharaja Brass Band. Tout cela est entièrement gratuit.

Je consacrerai le dernier quart d’heure de mes émissions de Jazz (Radio Judaïca, 102.9 FM, les jeudis 21-22 h) à la présentation de ces concerts…

Jean Daniel BURKHARDT