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Le vendredi 12 juin , c’est dans le « Computer World » des DJS electro que conviait le festival Contretemps. En ouverture, on a pu entendre Ben G de la radio web « Right On FM », ancien disquaire Metzin qui a rejoint les soirées Strasbourgeoises avec son univers Disco-Funk.

Toujours aussi Sapace-Hip Hop, il commence par « I Am The Black Gold Of The Sun » de Nuyorican Soul remixé par 4 Hero aux vocaux magnifiques sur un piano martelant : les esprits des musiques noires comme face noire de l’or du soleil, Sun Râ aurait aimé cette idée, lui qui pensait que les Pharaons Egyptiens noirs descendaient de la Planète Mars .

En tous cas l’arrangement est magnifique, avec des cordes disco, un fender rhodes spatial puis l’accélération drum’n’bass à la vitesse de la lumière : à la fois dansant et hypnotique.

Un tempo plus dur est tempéré de voix Soul à l’arrière de Big Bangs scratchant la nuit noire en orbite des vinyles, réveillé d’un « Get Up » du « Sex Machine » de James Brown remixé et bien harmonisé avec « The Beat Goes On » de Sonny & Cher remixé récemment par Bob Sinclair, à moins que ce ne soit le tube Funky Disco « And The Beat Goes On » des Whispers en 1979.

Puis le piano martelé montant vers l’électro groove et la voix Soul de Crystal Waters (c’est le nom de la chanteuse, encore en activité) dans «Gypsy Woman (She’s Homeless)» en 1991. Suit un Hip Hop plus lourd mais sur un clavier dub/rhodes, un beat broken annonçant Fulgeance, une voix aigue sur un rythme Batucada Brazil et une basse funky où vient se greffer un saxo en apesanteur : construction efficace à partir d’éléments hétéroclites.

Montée irrésistiblement ascendante au décollage d’un clavier cristallin Japonisant. Le rythme prend forme sur des beats & bass smashant mais liés par des claviers 70ies aquatiques, stellaires et cristallins entre les scratches ralentissant, puis la basse se lève sur une batterie en ras, se fait obsédante sur le clavier sur une vague Japonisante/Africaine Electro_Hip-Pop.

Pendant ce temps, le VJAy Fat Butcher Visual architecture des formes lumineuses doubles de son "Houndz Of Love" sur une voix New Wave entre The Cure et Morrissey période The Smith ou Electronica entre les alizés de la constance clavier/voix. On entre dans le COMPUTER WORLD.

Des claviers électro-pop dansent sur la voix au rythme du piano martelé, hanté par une voix d’ordinateur synthétique scintillant sur une basse funky, Nina Simone chante « It’s A New Day » dans « Feeling Good », bootleggée avec James Brown dans un remix découvert par DJ Vax’1 de Mulhouse contamine «Take On Me » d’A-Ha.

On verra bien ce soir si venus de Strasbourg, Paris, Karlsruhe ou Tokyo, les DJs sont des robots, des clones interchangeables ou ont une signature locale selon leur partie du monde. Sur l’écran, Buster Keaton entre deux Cosaques dans « [The Cossacks» de John Gilbert en 1928 entre deux gardes Cosaques ou Turcs aux belles moustaches.

Une voix susurre un message incompréhensible et osessionnel sur le beat et les claviers liquides, puis retour au Disco avec « Sunshine » d’Earth, Wind & Fire sur des claviers en ascenseurs jusqu’au soleil.

Sur l’écran, un immeuble, une table de mixage, Joséphine Baker et ses bananes à laquelle succède un danseur de oula-hop bleu électrique.

« Checkin’ Out The Dancefloor », une belle Tzigane, Gitane ou Arabe, regard baissé, apeuré sur l’écran, suivie de « Police Don’t Cross » en Ragga-lectro urbain, puis de l’idéalisme d’un « On veut tout changer » teinté d’un accent Brazil/Antilles sur le Beat Broken, virage en douceur vers Sayag Jazz Machine remixé par Fulgeance qui suit…

Fulgeance arrive sur une voix Soul (il se produit aussi sous le pseudonyme de Souleance avecDJ Soulist comme résident parisien aux soirées « What The Funk » , et ils viennent de sortir "le monde", un magifique ep "tropical soul" & funky en écute sur "Myspace"

Il modèle comme dans « Sour Soca » les sons et les percussions afros sur des rythmes batucada décomposés à l’aide de boutons, jouant des boutons d’effets de sampler comme des touches d’un clavier, puis accélère de plus en plus les platines, ralentit ou fait tomber le son goutte à goutte.

Peut-être sculpte-t-il, recompose-t-il de nouveaux sons par agencement d’aigues et de graves sur les rythmes puis les module, les enrichit d’échos de samples de percussions et de beats ou juste d’une cymbale.

Il annonce «Ce morceau s’appelle Rubik’s Cube (qu’on voit déjà sur les écrans du VJ), alors j’espère que vous n’avez pas le cul aussi carré que lui »,. Le son s’étire de plus en plus dans un miroitement, de ralentissements en dérapages, en voix scratchées sur le dubstep.

Le titre harmonise les sons d’un clavier ralentissant/ accélérant pour en changer la fréquence sonore sur les turbines electro rythmiques comme venues d’une grotte sous-marine.

Suit un titre plus Hip Hop « Low Club » sur les images d’ « I Love Hair » du VJ, puis la voix se fait Ragga attire une Dancehall queen sur l’ampli et une rousse asiatique aux bras du dieu indien Shiva dans sa danse cosmique, serpentant de tout son corps en breakdance.

Fulgeance joue des claviers avec les boutons de sa batterie électronique saturée.

La dancehall queen sur l’ampli est une danseuse illégale, comme l’est le graf sur les murs publics, mais aussi celle qui brave l’interdit des règles de sécurité comme une souris danse en l’absence du chat, fait entrer l’art chorégraphique amateur ou juste sa présence humaine où ils ne devraient pas être, transgresse la scène et cette distance sacrée artiste/public par ce début de happening non suivi et finalement réprimé, avorté, mais dont l’acte furtif est d’une beauté instantanée… C’est cette fugitivité qui la rend belle, précieuse et essentielle.

Elle est une prêtresse d’une secte souterraine, l’ idole temporaire de tous les danseurs l’espèce d’un instant, dans le danger, ne durera que jusqu’à l’arrivée de la sécurité, mais n’est-ce pas cela qui la rend intéressante, flamme dansante juste jusqu’à ce qu’on la souffle. Mais elle aura eu sa minute, sa seconde de gloire…

Suit le sample du clavier, , un peu comme du remix instru cool « Smartbanging » de Fulgeance du «Music» de Madonna, coolisé, rendu désuet, futurisé et ringardisé en en faisant une jolie mélodie à partir d'un simple sample, qui le rend plus agréable que l’original , sans son côté rythmiquement branchouille...

Sur l’écran « GAME OVER PONG » brille en diamants sur une boucle de ceinture. En fait Fulgeance est aussi batteur autant que claviériste sur sa batterie électronique par ses ras digitaux, tout les samplant en live, les soutient d’une base électro, les change avec ses scratchs, les coupe comme le cutter du VJ sur l’écran.

Deux danseuses, chats aux oreilles de léopards afros dansent sur l’electro-jungle des percussions urbaines de Fulgeance.

« Est-ce que vous aimez ce genre de dub de basse ? », demande le créateur de musiques par des moyens électroniques, architecte sonore qui commence à me faire mieux comprendre que certains musiciens électroniques sont des hommes-orchestres robots. « Est-ce que vous êtes prêts pour le « Lock Up » ? »

Lock Up, c’était surtout pour moi le nom du groupe du guitariste Tom Morello de « Rage Against The Machine », apprécié par la critique mais qui n’eut pas le succès public escompté et ne sortit qu’un album en 1989 : « Something Bitchin' This Way Comes », avec tout de même ce petit chef d’œuvre d’émotion et de rage qu’est « Everywhere I Go It Looks Like Rain » que mon ami Thierry Joseph de retour de San Francisco m’avait fait découvrir.

Dans le Computer World Français, Fulgeance « représente la Normandie, l’Ouest », le Far West,. Mais admet : «C’est pas mal chez vous dans l’Est, mais il vous manque la mer… »

Il termine son set par un remix de Dorian Concept (), passé le samedi précédent dans le festival, et qui a même joué à la game-boy après son set avec Mag’Si’Funky, une amie Irleillaise (mélance d’Irlandaise et de Marseillaise) ou de Marslandaise selon les saisons, les astres, les saisons et où l’emmènent ses voyages....

Arrive Aroop Roy, DJ et chanteur Japonais de Tokyo , où il a également un groupe Live sur un beat plus lourd, puis liquéfiant peu à peu.

Changement de VJ, avec VJ Ease de Strasbourg ( ) sur de petits rythmes broken , tandis que des filles se profilent sur l’écran.

« Many Times, Many Places », part en dub puis évolue en techno, assourdit puis remet le son sur les cris du public, plus rythmé ou plus sur les sons de claviers ou joue tribal sur des enfants humanoïdes lumières. Il ne me semblait pas qu’il ait fait un tel tabac. Peut-être étais-je sorti, en train de parler de réceptionner un album de bootlegs de DJ Zebra auprès de Mademoiselle Adélaïde….

A son tour il nous entraîne dans « A Journey Into A Sound» que devrait proposer chaque DJ ayant son univers, d’où qu’il soit , tandis que sur l’écran se lit la même arborescence électronique du tribal à la technologie moderne, le beat se fait de plus en plus profond, de plus en plus concentré. Aroop Roy a également remixé « Remember The Time » de Mickael Jackson.

Arrivent Caterva, premier duo français dubstep formé des DJs No Prod et Mandibull depuis 2003 parfois accompagnés d’Anita Bomba au violon et producteurs Strasbourgeois du label «Sens Inverse », avec lesquels VJ Ease travaille habituellement.

De petits signes entre tryskells et jeux vidéos apparaissent sur les écrans en suivant la construction de leur puzzle sonore sur « Monkey", hymne des singes électroniques mutants, dans une version plus profonde et avec des basses plus compactes, un rythme plus déhanché d’un pas sur l’autre que la version originale. A eux deux, en ping-pong, ils changent la rythmique peu à peu.

Arrive Kristian Beyer, de Karlsruhe, DJ du duo « Âme », qui, après avoir été hébergé par Sonar Kollektiv en 2008, ont monté leur propre label Innervision.

Sa House aux vocaux pygmées des villes fait danser en une douce transe sensuelle la léoparde blonde, qui a perdu ses oreilles tachetées, la brune lui prêtera les siennes.

Les basses de Kristian Beyer ont des résonances profondes, aux échos d’orgues sur la basse et les percussions entre le fracas des beats sur des claviers acides, envoûtants si j’en crois la réaction de la léoparde contre l’ampli devant la scène, puis s’assourdit.

Une voix House Afro Soul chante « Zimba », peut-être « Melon - Je Davu, I Zimba [Platzh... » joué à Radio Noise 313 en 2008 et RBMA|http://redbullmusicacademyradio.com/shows/1088/ ], à quoi s’ajoutent des voix indiennes, des vocaux entêtants et même un solo de piano bubble plutôt apaisant, urbain sur le breakbeat. Soudain je reconnais dans le beat « Smells Like Teen Spirit » (http://www.youtube.com/watch?v=dXO3OMGKPpw ) de Nirvana, l’un des derniers disques que j’ai vraiment pu revendiquer en rock sans honte, comme venu de l’au-delà, regurgité par des machines dont le remix de SkAzi me sembler le plus proche. Un dub lent est hanté de sirènes, rythmé par un clavé electro au ralenti, et fondu enchaîné sur Juliano.

Juliano, créateur du collectif Art Rythm'S termine la soirée (il est tout de même 4/5 heures du matin passé). Je le considère comme l’un des meilleurs DJ Minimal, car il est vraiment intéressant rythmiquement et n’utilise pas QUE des sons electro dans ses mixs, mais parfois même des bouts de fanfares balkaniques.

Cela commence par des mouches, des termites électroniques attaquant à même le pilon. Là où d’autres composent, Juliano semble décomposer, déstructurer les effets rythmiques et le beat en mélodies osèdantes dans lesquelles il intègre des saxos Jazz et Afrobeat empruntés au DJ Special K Rythm membre comme lui d’Art Rythm'S. Rythmicien, il recrée à partir des beats la finesse d’un balafon pur planant sur le Beat.

La voix de Billie Holiday en New Wave, non c’est Madeleine Peyroux, sa plus émouvante imitatrice dans « Dance Me To The End Of Love » de Léonard Cohen. Aurait-elle déjà intéressé les remixeurs et DJs ), ou est-je Juliano qui n’écoute pas QUE de l’électro et a voulu l’électriser dans un songe electro psyché ? En tous cas j'ai apprécié avec émotion ce clin d'oeil Jazz à cette petite voix étouffée qui me bouleverse, mais hélas n'enregistre plus que ses compos.

Suit une batterie Broken sur des Beats lourds, puis des percussions plus naturelles, montrant qu’il s’est intéressé à l’aspect percussif des choses comme un percussionniste live et pas seulement aux musiques électroniques, montent en intensité sur les lasers sidérants des VJ, puis clone/sample ces percussions, construisant autour et à partir d’elles une jungle urbaine et tribale à la fois.

Issu de la culture New Wave, Juliano termine tous ses sets par le même morceau des Sisters Of Mercy.

Jean Daniel BURKHARDT.

En attendant mes prochains articles, je vous signale que depuis quelques mois, j'écris également des courtes chroniques de disques récents pou"Drum-bass.net" sur le dernier album de Moonstarr "Instrumentals Forever", le dernier Fémi Kuti "Day By Day", Abraxas Project (de l'ethno-Jazz Cool mâtiné d'électronique léger), le second album Nu Tropic "Kingdom Of Love" (musique Brazil e Electo aux délicieuses chanteuses), "13 Faces Of Lightnning Head " de Biggabush (de l'AfroBeat remixé de façon originale par un DJ anglais), "Fania Remixed : I Like It Like That" (des remixes réussis de classiques de la Salsa par des DJ actuels), Arambole Experience (musique indienne et electro respectueuse car mettant à contribution la population Indienne locale).

Jean Daniel BURKHARDT

Le mercredi 11 juin dernier, le festival Electrogroove Contretemps proposait de découvrir deux représentants du « Future Sound Of Paris » : le groupe electro Jazz « Third Shot» et le DJ ONRA, au Café Des Anges, ancien Club de Jazz où se produisit m’a-t-on dit Chet Baker, où je vis mes premières Jam-Sessions à « Jammez le mardi» et Ange le jour des Anges, puis haut-lieu de la Salsa autour du piano devenu vestiaire (il y pire comme mort pour un piano) en haut et du Funk Strasbourgeois au caveau où se donnèrent des soirées «acid-jazz», mon paradis musical des années 90s, hélas vendu il y a quelques à des commerciaux qui triplèrent le bar ne laissant à la danse qu’un couloir et n’amenèrent de positif que Miss Audrey, reine du mojito, la serveuse puis jetèrent l’éponge, et repris récemment avec plus de bonheur, mais l’accoustique et l’architecture du lieu pour la visibilité des artistes ont soufferts de tous ses travaux, quoique redevenu esthétiquement somptueux avec ces colonnes et le plancher en damier qui fit tant danser les salseras les plus talentueuses de la ville. Au moins on-t-ils exhumé les vestiges de deux anges de Botticelli devant le bar (toute la décoration en était couverte à la grande époque), et Grégory Ott a repris les Jam-Sessions, dorénavant un lundi sur deux. Mais rien ne sera plus jamais pareil avant la réouverture du caveau et même... ça fait quand même sentimentalement toujours plaisir d’y revenir.

Mais en guise de DJ apéritif, on pouvait entendre tout d’abord le DJ P-Jay dans une intéressante sélection colorée Funk, Soul, Disco passant également par le Jazz Rock Brazil de Return To Forever ou Sergio Mendès.

Le groupe «Third Shot» tire son nom de sa formation, le premier élément étant la voix Soul et Jazz de la chanteuse Lisa Spada, élevée aux disques d’Aretha Franklin, Ray Charles, Sam Cooke ou Mavis Staples, le second le contrebassiste Gaël Maffre, forgé par l’écoute du Jazz de Count Basie, Ella Fitzgerald ou Stan Getz, ouvert aux effets électroniques et compositeur des thèmes pour créer une troisième dimension electro-jazz autour d’elle depuis 2003, avec le pianiste Christophe Mondot, le trompettiste Vincent Echard et les choristes Nelly Stanislas et Camille Richard, tous absents de cette formation réduite au trio acoustique avec le guitariste Laurent Avenard, originaire de Strasbourg mais depuis Parisien . Ils viennent de sortir un album, « The Way You Smile When You Leave ».

Dans “Rapture”, la finesse du son de la contrebasse évoque la kora doublé des résonances d’un piano à pouces entourant à merveille la voix soul dramatique de Lisa Spada, un peu à la manière des délicieuses chanteuses acidulées de Massive Attack, cheveux plus courts que sur les photos et ses textes poétiques répétés en écho par un sampler.

La seconde chanson est «Fairy Tale», choisie pour la compilation de Contretemps, mais dans une version plus samba avec guitare. La chanson est un conte de fées moderne à l’heure de la Télévision, des ordinateurs et du virtuel, où on peut imaginer le prince charmant arriver sous la forme d’un e-mail pour délivrer du dragon la princesse enfermée dans sa tour. L’intermède électro est remplacé par une improvisation de la voix de Lisa Spada sur la contrebasse de Gaël Maffre.

Suit une chanson Soul gaie « Searching» avec un scat de Lisa Spada en « doodapdey » prolongé de vocalises en «oooh» poussées jusqu’au cri, puis suivies d’une danse sur les arpèges de la guitare et du retour du scat. De sa voix émane joie et soul sur ce groove soul acoustique, naturel, roots, ce qui n’empêche pas la guitare d’envoyer une note en sagaie de ses cordes vers le scat.

Lisa Spada s’inquiète tout de même du fait que le son n’est « pas assez fort » ou le public trop bruyant. On monte le son sur la basse: « Step back», chante-t-elle avec soul sur la guitare Bossa et la basse groove descendante. Dans les aigus, Lisa Spada a parfois des accents de folie à la Björk, mais avec une assise soul Jazz. « Hé Hé Hé », un écho s’élève, et enfin le public tape des mains, participe.

« On ne s’attendait pas à avoir autant de monde », a l’air de s’excuser Lisa Spada, avant d’entamer une reprise de « Good Bye Pork-pie Hat » de Charles Mingus, écrite à la mort de Lester Young en pensant à son chapeau de dame patronnesse anglais dont il avait coupé les rubans. Elle chante les paroles écrites par Joni Mitchell sur ce thème instrumental, pour son album « Mingus » en 1979. Lisa Spada rajoute sa soul à ce thème jazz sur la la basse obstibée à la mingus et la guitare hispanisante à la Paco De Lucia ou Al Di Meola, sans aucun effet électronique. Mais cette Lisa Spada est une vraie Soul Sister, capable de chanter du cool jazz au funk d’aretha Franklin et de le pousser jusqu’au cri, puis de revenir au calme ou de partir en scat « doumdoumdoum ».

N’empêche que les bruits du public posent le problème du Jazz en club, qui pour moi a toujours fait partir du « fantasme», des ambiances enfumées mythiques, mais parfois ne permet pas d’entendre les artistes, quand la musique trop calme n’est pas de nature à arrêter les conversations, les verres entrechoqués et autre bruits extérieurs du public. Les plus ombrageux comme Chet Baker ou Thélonious Monk y ont remédié par l’inverse, jouant si doucement que le dernier consommateur soit dérangé par le manque de cet agréable bruit de fond. Alors le Jazz est-il condamné à n’être plus qu’une musique qu’on «écoute», dédiée aux assis et aux salles de concert où l’on entend pas une mouche voler comme la musique classique, ce qui le coupe des jeunes, de la danse, de l’énergie, du public jeune qui a envie d’autre chose et des combats de son temps, ne se défendant plus mais se calfeutrant dans sa cage dorée et ses velours pour un public choisi, trié, bien sous tout rapport? Ne serait-ce pas sa mort? Après s’être tant battu pour devenir respectable, écouté, justement, il l’est trop, sans passion ni polémique, cantonné au Jazz cool qui ne «dérange pas l’oreille» et les conversations en club, bruit de fond sentimental et romantique de la chanteuse-canari dans sa cage certes propice à la séduction nocturne mais dont ce n’est pas l’objet ni la mission.

Alain Gerber a écrit dans une de ses « Chroniques de Jazz » pour supplier que le Jazz, quitte à mourir, meure du moins assassiné dans une rue sombre, où il est né et a longtemps vécu, lutté pour sa survie et pas de vieillesse dans l’ennui d’un lit confortable.

N’empêche que la délicieuse Lisa Spada doit bien se faire entendre et que le charme indéniable de sa voix parfois fluette entre les chansons ne suffit pas pour stopper toute conversation extérieure. D’où peut-être l’aspect « entertainment » (amuseurs, divertissement) clownesque que concédèrent certains interprètes passés dont Louis Armstrong et son rire tonitruant, Dizzy Gillespie et ses pitreties qui ne sont pas ce que le Jazz a fait de plusdistingué mais firent plus en terme de publicité, d'image et de capital sympathie auprès du public qu’une ballade, ou permettait du moins qu’on écoute celle qui suit avec un sourire de bienveillance amusée et indulgente, voire même ému. Aujourd’hui, on peut espérer que le Jazz acoustique faible en décibels n’aura pas à céder au bruitisme électrifié, même en club, pour se faire entendre et trouver un public attentif, mais la question se pose de trouver de nouvelles conditions d’écoute, de nouveaux lieux pour lui, un nouveau public, et le vide culturel actuel ne semble pas s’en soucier. Des flics sonores iraient bien sûr contre tous les principes de liberté défendus par le Jazz. Il semble qu’à Paris ou ailleurs, le public vienne plus pour la musique et donc stoppe pour elles ses conversations, si l’on en croit les captations live en club à l’OPA du My Space du groupe, ce qui ne fut pas le cas ce soir-là Aux Anges. Le plus drôle ou presque rassurant est que les plus enthousiastes en applaudissements et cris bruyants entre deux chansons, qui eux font partie du plaisir du Jazz que n’a pas la musique classique ou tout à la fin du concert, étaient les mêmes qui continuaient leurs conversations. Peut-être écoutaient-ils d’une oreille distraite, ou appréciaient en parlant, ou assez sincèrement pour vouloir remercier de la sorte.

Après quelques dernières vocalises en « ooooh », la chanson se termine par une clave électro. « On change complètement notre liste », explique Lisa Spada, dont la fragilité touchante, timide et délicieuse ne suffit peut-être pas non plus à forcer le public au silence que son chant mériterait. Suit un début de guitare cool sur des percussions à peine électroniques. «SE2». Les chansons, quoique douces, semblent estivales, avec des textes poétiques qu’on aimerait entendre dans un environnement sonore plus approprié, mais le Jazz est coincé entre un respect d’élite silencieuse et une passion délirante et bruyante, entre ballades et thèmes plus dansants, rythmiques, les deux aspects du Jazz, entre émotion sentimentale (standards, cool jazz, ballades) et ferveur (swing, be-bop, hard-bop, free-jazz), qui bien entendu se complètent lors d’une prestation, se succédant d’un thème à l’autre, ou dans le même.

Lisa Spada remercie le public «d’avoir été si attentif » (faut le dire vite, elle est vraiment trop adorable) « et nombreux » (au moins ça a marché au niveau des entrées, et le bruit était aussi proportionnel au public). Dans cette dernière chanson «Sweet Miracle», on croit entendre des gongs discrets et autres gamelans électroniques annonçant le mix d’ONRA, de retour de son pays d’origine, le Viêt-Nam.

En seconde partie, ONRA, beatmaker Parisien de 26 ans ayant déjà sorti trois disques en un peu plus d’un an : «Tribute », en compagnie de Quetzal, album de smoking Hip Hop instrumental rêveur et Jazzy en hommage à la Soul, aussi coloré d’influences diverses et délicieuses que les plumes de l’oiseau mexicain du même nom (moitié ailée du serpent à plumes, Quetzalcoatl, fondateur de l’aztèque Tenoctitlan, actuelle Mexico), puis « The Big Payback, » plutôt Nu Soul/electro avant-gardiste, en collaboration par internet avec le pianiste américain Byron The Aquarius, et enfin, fin 2007, son premier album sous son nom, «Chinoiseries », dans un style « Asianploitation » utilisant des samples de disques ramenés de son premier séjour au Viêt-Nam, pays de ses origines.

Il commence d’ailleurs son set par son côté Hip Hop Soul aux tempos latinos, comme "Gotta Have It", extrait de son album « Tribute » avec Quetzal au rythme original avec un piano décalé latin, des voix soul, un MC un peu Jamaïcain et des scratches, éléments disparates allant magnifiquement ensemble, fait à la fois rêver l’esprit, voyager la tête dans les étoiles, ravir l'âme de ses voix et danser les pieds : les buts pour moi de la musique, ou de celle qui m’intéresse. Je crois ensuite entendre après quelques ralentis une originale rythmique de bouteilles entrechoquées. Puis on entend «Second Chances» une superbe «Sound Sculpture» de Théo Parrish, plus electro avec la chanteuse Soul Monica Blaire dont la voix au phrasé sublime coule en écho comme du miel d'émotion dans nos oreilles. Suit un titre Hip Hop plus dur mais dansant sur un flûte roots 60ies Blaxploitation «Fuck The Police» de J Dilla alias Jay Dee et cris collectifs aussi festifs que révoltés, puis « Rock The Party » de Mc Lyte avec Missy Elliott sur un beat lent et funky.

Nous passons dans le sas électronique de nappes électro suivant Flying Lotus dans une «Massage Situation», puis entrons au Viêt-Nam pour quelques «Chinoiseries» avec «The Anthem» : des percussions, des cordes, des cuivres et une chanteuse asiatiques balancés sur un rythme Hip Hop à deux temps, traitement très original. Un cordophone Viêt-Namien [(il existe au Viêt-Nam des plusieurs luths en forme de lune ou apparenté au «pipa » chinois et deux types de cithares au Viet-Nam : la cithare Dan Bau à 1 corde et la cithare Dan Trahn qui en compte 16) égrène ses cordes sur les lames d’un vibraphone, ou gamelan à lattes de bambou, puis la voix d’une cantatrice Viêt-Namienne, peut-être d’opéra entrecoupée de beats electro lourds qui la modernisent sur un tempo lent qui lui donne un côté soul.|http://www.youtube.com/watch?v=EGxy1IXTG68&feature=related|fr] Puis arrive une rythmique joyeuse et entraînante 60s style plage twist à la Beach Boys asiatiques, un peu dans le style du titre d’ONRA « My Girl By Siah» sur des nappes de synthé légères avec des fonds de voix Viêt-Namiennes noyées dans le fond.

Une basse mouvante disco fait du charme à une voix soul « Dreaming » ou « Darling » qui reste libre de sa soul sur le beat. Un beat élastique passe d’un pied sur l’autre sur deux temps avec des voix soul en écho’lectro du clavier. Puis un piano flotte dans les graines électroniques de voix sur une basse groove montante, sous les nappes lunaires d’un dub space.

On retrouve la rythmique syncopée R’N’B Hip Hop mais aux clochettes asiatiques et aux résonances vocales africaines magnifiquement lointaines avec « The Healer » d’Erikah Baduh, qui semble lui aussi Viêt-Namien par une heureuse contamination. La réussite est de l’avoir fait entendre différemment à ceux qui connaissaient ce titre, dont je ne fais partie. Dans l'Espagne Arabo-Andalouse, à l'époque de Zyriab, le summum de l'art musical était de comprendre l'état d'esprit ou l'émotion du prince et de parvenir à lui en faire changer, et était récompensé par assez d'or pour vivre une vie de musique sans soucis matériels. Cette contamination du RNB par la musique Viêt-Namienne et vice versa peut rappeler, aujourd'hui, ce talent.

Surprise, un autre rythme à quatre temps où je crois reconnaître le kayanm réunionais (percussion rectangulaire et plate faite d’un cadre en bois, de tiges de canne à sucre et de graines de safran) sous des vocaux electro-soul. Les ordinateurs chantent sur le beat.

Et si le plus grand talent d’un DJ aujourd’hui était de nous faire découvrir des ailleurs musicaux inexplorés, de les mélanger dans ses samples avec ce que nous connaissons pour nous le faire entendre différemment, de les rendre dansants par ses beats dans ses mixs, au point de ne plus savoir si nous écoutons du Hip Hop Viêt-Namiennisé ou de la musique Viêt-Namienne Hip-Hopisée, de remettre des percussions tribales dans les musiques urbaines et de faire chanter les machines? Dans ce cas, ONRA est porteur d’espoirs pour la musique électronique et au-delà, parce qu’il arrive à y mettre des cultures méconnues et à la rendre de la sorte universelle et humaine.

La soirée se termina avec Steven J, des Steppah Huntah, qui nous fit découvrir un single «Samba» de la chanteuse Jazz Soul Brazil Marya Valetta, qu’il accompagne. Ce Future Sound Of Paris est aussi une lucarne ouverte sur le monde.

Jean Daniel BURKHARDT

Marya Valetta est une chanteuse Jazz/Soul Slovaque originaire de Bratislava qui vit à Strasbourg. Sur son lien « My Space » , on peut entendre sa voix sur des ambiances Groove/Jazz-Rock avec une touche de rythmes Brésiliens qui fait penser à «Return To Forever», groupe de Chick Coréa (claviers), Airto Moreira (percussions) et Flora Purim (chant) en 1972.

Depuis son arrivée à Strasbourg, elle a collaboré, dans un contexte « nu-jazz », au second album du groupe « Nu Tropic » et à la compilation «Tokyo House Lovers ». Sa rencontre avec le groupe Steppah Huntah (dans sa forme électro : la russe Olass T, qui fait des mouvements de Qi Gong traditionnels puis danse avant le concert aux claviers, le bassiste Steven J ici aux breaks laptop d’un Mac et effets, et Fabrice Lauer au saxophone soprano, flûte et effets sampler), dont les compos dépassent déjà Strasbourg en étant jouées par Gilles Peterson, lui a permis de se concentrer sur un projet d’album présenté en exclusivité pour la première fois sur scène à La Grotte le 11 avril dernier.

Comme le « My Space », le concert commence par la superbe ballade « Jessica », succès Jazz/Soul Funky de Roy Porter de 1974 sur lequel je dansais au Café Des Anges sans savoir qu’il était déjà le batteur que j’écoutais dans la séance d’ « Ornithology » et ce bouleversant "Lover Man" de Charlie Parker à Los Angeles en 1947, avant que le DJ résident El Gilson ne me le fasse remarquer… Ici, beats, fender rhodes et flûte entourent la voix de Marya d’un son complet illuminé de violons, avant le solo de fender rhodes réverbéré d’échos puis celui de la flûte avec effets et un second chorus scat/groove de la chanteuse dans la forêt groove urbaine où crient de loin de leur canopée les oiseaux du Brésil.

La seconde reprise est plus surprenante encore, car absente du My Space, «Speak Low » de Kurt Weill, la seule chanson latino enregistrée par Billie Holiday avec quelques percussions, reprise ici en New Brazil très rapide, carrément groove et festif, dépassant complètement le tragique de l’original (qui était dans le style final de Billie mais que la chanson ne justifiait pas forcément). Marya chante avec la classe d’une Shirley Bassey dans le générique de «Goldfinger» (James Bond avec Sean Connery), les beats brasil accompagnent le solo de fender rhodes, avant un solo de saxophone soprano Jazz-Rock entre Michael Brecker et Wayne Shorter sur les rythmes samba des claviers, une basse groove et des percus Brazil. Le scat, après la strophe « grande chanteuse» Jazz/Soul confirmée, est presque enfantin d’aisance et de folie, et la distance entre ces deux tendances montre la palette de Marya entre le sérieux de l’émotion lyrique et la folie de l’enfance retrouvée du scat.

Fabrice Lauer présente le groupe et le répertoire, composé de reprises et de compositions de Marya et Steppah. Suit une batucada folle dépassant l’humainement possible des percussions, introduisant un « Milestones » de Miles Davis repris en «vocalese» (improvisation de paroles sur la mélodie d’un instrumental Jazz inauguré par King Pleasure sur « Parker’s Mood », puis Eddie Jefferson et Dave Lambert, John Hendricks & Annie Ross, et les Double Six en France) sur un texte de Mark Murphy, autre spécialiste du genre, puis en scat, avant un solo d’Olass T au piano sans effet aucun, ce qui est rare. Leur version dépasse complètement la structure des versions fugue/chase de la trompette de Miles courant après le saxophone de John Coltrane à la période Hard-Bop du premier quintette du trompettiste dans les années 50s.

Suit «Little Sun Flower », de Léon Thomas, chanteur scat et vocalese dans l’aïgu qui illumina "The Creator Has A Master PLan" sur le disque "Karma" du saxophoniste Pharoah Sanders et dédicaça ce « petit tournesol » aux enfants d’Afrique, du Soleil et de la Lune, si j’en crois l’introduction parlée, après les percussions en clave cubaines programmées, et saxophone en écho. Puis le chant se développe sur une rythmique soudain Brazil sous des tempêtes de percussions à graines, s’envolant sur la base de la clave et mêlant ces deux continents musicaux essentiels rarement réunis. Un solo de claviers très smooth égrène les pétales comme le soleil ses heures sur ses fleurs : graines poussées en Afrique que le vent de l’histoire et le destin malheureux des peuples souffla pour qu’elles germent dans les Caraïbes à Cuba et au Brésil. Suit un solo de flûte oriental/afro ethnique sur la clave, puis soudain crié dans les aïgus à la Hermèto Paschoal, sorcier fou Brésilien barbu. Un scat cool étire la mélodie sur la batucada pour les pères, les mères et jusqu’à la mer de la «Little Sun Flower», se faisant New Brazil par ses danses vocales rapides à la manière inaugurée par les groupes «Brazil 66 » et « Brazil 77» du claviériste Brésilien Sergio Mendes dans le rapport pop et jazz-rock entre les voix et les rythmes, qu'on retrouve également chez Marcos Valle en 1968 dans sa version à couper le souffle de "Crickets Sing Ana Maria". Le clavier groovy, de samba part soudain à son tour en salsa, le saxo se mêlant à la transe comme une autre voix citant dans son solo deux mesures d’ «A Tisket-A Tasket » (premier succès adolescent d’Ella Fitzgerald chez Chick Webb dans les années 40s). Dans ce contexte, Marya Valetta se révèle une vraie petite libellule annonçant le printemps, nous envoyant ses bonnes vibrations en brassées de fleurs pour conjurer la pluie du dehors, avec la participation du public qui frappe des mains au rythme de la clave Cubaine.

Mais Marya Valetta est aussi compositrice de ses propres chansons comme « Without Your Love », aux percussions plus électro dans leurs beats, sur une basse disco et un clavier adoucissant/liant l’ensemble avant son solo très rapide qui soudain part en salsa sur les beats. Puis Marya part dans un scat, trouvant des violences nordiques dans les aigues à la Björk.

Suit une compo de Steppah Huntah dont Marya a écrit les paroles, introduite au saxophone sur des beats aquatiques au feeling playa Brazil 77 léger mais complexe où se ballade la voix de Marya me rappelle l’interprète inconnue d’un titre d’une compilation « Jazztrospection 2» que m’avait faite le DJ Funk Brazil local Tal Stef chantant «I’ll see later on for sure» à la manière exotique d’Anita O’ Day sur «An occasionnal Man» sur le vibraphone de Cal Tjader.La chanson semble parler en effet de marcher sur la plage en bord de mer. Le saxophone imite une cuica pendant son solo sur un rythme samba groove, invitant le public à de grands signes de sémaphores marins avec leurs bras de gauche à droite pendant le solo de piano un peu à la Antonio Carlos Jobim par son minimalisme mais poussant quand même au fond de chaque touche à la Keith Jarrett (une des influences d’Olass T) avant le final du soprano.

Les origines slovaques de Marya Valetta sont le prétexte de «Slovaquian Beans» (haricots slovaques), mais là encore cuisinés à la sauce rythmique syncopée clave/batucada groovant sur des beats un peu plus industriels. Marya s’y fait petite fée slovaque nous entraîne à cheval sur les étincelles de son scat dans les forêts et les montagnes de Slovaquie, aux trousses d’un solo de saxophone soprano balkanique à la Julien Lourau dans le quartet de Bojan Z, puis tournoyant comme Alex, fourmi aux yeux verts dansant en ouragan des soirées funk « Cosession» et «Faces».

Suit une autre composition de Mark Murphy, «Why And How», qu’on retrouvera sur le My Space, au début plus lourd et syncopé, avec des cuivres aux riffs funky en fond dont émergent un fender rhodes cristallin et la voix, puis un solo de saxophone cette fois plutôt Jazz classique soutenu par le clavier et des beats samba, auquel se mêle le scat.

Marya a écrit les paroles de la composition suivante de Steppah Huntah, plus électro-Jazz, très soul et rythmée brazil, où sa voix vole joliment sur une mélodie à la Jamiroquai.

Pour le Bis, «On vous a quand même préparé quelque chose» dit Olass T : « Julia», un dernier titre electro Jazz entremêlé avec une voix soul acidulée du genre de celles qui illuminent les premiers albums de « Massive Attack ».

Après cette prometteuse première, souhaitons bonne chance à Marya pour son album et bonne continuation à Steppah Huntah, et pour nous le plaisir de les revoir bientôt sur nos scènes…

Jean Daniel BURKHARDT

Le dimanche 17 juin, sous un temps nuageux, mais qui n'a fini par tourner à l'averse orageuse annoncée vers 16 h qu'après 20 heures, le Festival Contretemps se metttait au vert en investissant le Jardin Des Deux Rives de Strasbourg pour les "Pelouses électroniques" proposant gratuitement d'intéressants groupes et DJs locaux.

Tout d'abord Selekta Sens, DJ Reggae Dub que les amateurs de soirées Sound-Systems connaissent déjà, montra pour l'occasion par sa sélection de disques Jamaïcains que le reggae pouvait aussi "groover" sur fond de dub jungle, ce qui donna une autre vision de ces musiques qu'on connaît davantage plutôt pour leurs propriétés relaxantes ou propices à la rêverie.

On put ensuite découvrir deux DJ de Mulhouse, Shady Wide (Shad à l'origine, ainsi surnommé par ses amis pour les sons spatiaux qu'il qualifie de "Wide" dont il émaille ses mixes) et Vax'1, parfois croisés lors de soirées électroniques. Shady Wide commence en référence au "Swing" du Jazz des années 30s par une version remixée du célèbre "Rockin'In Rythm" de l'orchestre de Duke Ellington (air sur lequel le facétieux Duke avait pris l'habitude de présenter au public "leur pianiste", et profitant des éclats de rire pour rejoindre le piano déserté qui les avait provoqués, puisqu'il était pianiste et chef d'orchestre), mais lui appliquant un traitement moins ringard et plus intéressant que le "C'C'C'om'on ev'rybody" en boucle de "Twist Again" du remix pour boîtes de nuit d'"In The Mood" de Glenn Miller en prélude à un medley de vieux Rock'N'Rolls que son rythme Boogie Woogie et ses crescendos de cuivres empruntés à l'orchestre Count Basie, véritable créateur noir du "riff" appliqué aux unissons de la section de saxophones annonçaient, faisant oublier que le pauvre Glenn Miller n'arriva jamais à La Libération, son avion ayant disparu en mer, par un faux lapin " Jive Bunny", mais qui ne valait donc pas la vieille voix de DJ (au sens primitif d'animateur radio présentant des musiques enregistrées live dans les clubs) américain ou de film rétro appliquée ici par Shady Wide et plus raccord pour ma nostalgie de ces années, dont ce remix fut la seule trace tout au long du festival. Suivit un morceau Funk Soul intéressant par l'union des cordes de guitares rétro à la Shadows et d'un instrument à cordes africain. Dans le premier son "Wide" de Shaddy, dans les graves, une vache semble apprécier la musique en accompagnant d'un meuglement repris en boucle (faire groover une vache, faut le faire: c'est lourd une vache et normalement ça préfère voir passer les trains sans que rien ne puisse la tirer de l'inertie de sa torpeur ruminante!) un riff de James Brown qui se révèle un bon solo de saxophone ralenti de Macéo Parker ou autres "Funky People" (disques de James Brown et ses musiciens sans tubes et en petit comité où l'on peut davantage apprécier les solistes d'exception qu'ils étaient et James Brown à l'orgue Hammond dans d'excitants instrumentaux ou derrière des chansons interprétées par Lyn Collins. Le solo de Macéo Parker dans "You Can Have Watergate But Gimme Some Bucks And I'll Be Straight" : "Vous pouvez avoir le watergate, mais donnez-moi du fric et je me tiendrai à carreau", enregistré au lendemain du scandale du Watergate qui mit fin au mandat de Richard Nixon avait déjà été samplé anonymement par De La Soul pour "Ring Ring Ring" et les Stereo MCs pour leur apporter quelque chose dont leur musique manquait mais que tout le monde y adorait sans le reconnaître), avant un solo de Fender Rhodes. De là à la jungle urbaine chère à la Blaxploitation (films de série B mettant en scène des noirs comme le premier "Shaft", policier noir servi par une musique mythique d'Isaac Hayes, le "Black Moses", ou la future actrice du "Jackie Brown" de Quentin Tarantino) il n'y a qu'un pas, mais ici il nous mène aussi en Afrique ou dans les Caraïbes par l'adjonction de percussions, dont d'ailleurs le percussionniste Nilaja jouait déjà dans l'un des premiers groupes de hip hop avant l'âge, les poètes de rue des "Last Poets": Abiodun Oyewole, Omar Ben Hassan et Alafa Dudin, plus connu aujourd'hui sous le nom de Jalal Nurridin, tels que les découvrit à la Télévision locale puis dans leur quartier à ses risques et périls s'ils n'avaient pas été là le producteur de leur premier disque, le contrebassiste de free jazz Alan Silva, en ce temps ou les balbutiements du hip hop se faisaient dans des groupes live à la parole vivante et improvisée à partir de la réalité de ces quartiers.    

Vax'1 succède à Shaddy Wide aux platines avec une guitare à la John Mc Laughlin dans les disques Jazz Rock Funky Fusion de Miles Davis comme "Jack Johnson", improvisé avec Sonny Sharrock (guitariste électrique free et gros consommateur de médiators-bouts de plastique accèdant aux cordes pincés entre les doigts- car il les broyait, les brisait de ses attaques violentes contre les cordes, s'en enfonçant des poignées dans la bouche sur scène) pour la musique d'un film dédié à ce grand boxeur noir américain des années 20s ou "On The Corner" (disque plus indigeste annonçant la drum'n'bass mais dont l'idée était, entre deux solos de sitar de Collin Walcott, de faire groover la musique classique très contemporaine et sérielle de Karl-Heinz Stockhausen), mais ce doit être un instru Funk, je suis loin de connaître toute cette musique. Un voix funky exhorte sans succès le public allongé dans l'herbe à se mouvoir en dansant: "Get Up On Your Feet And Start To Môôôôôve", mais sur un Beat Rock 60ies à la "Louie Louie", probablement repris par le funk comme beaucoup de chansons de rockeurs blancs, quand l'original n'était pas noir et plus méconnu, repris par les blancs avec davantage de succès.

Shady Wide revient aux platines, enchaînant sur un bon Beat bien Groovy, avec des cuivres et une voix noire si authentique qu'on ne saurait dire si elle appartient à un héros du Funk ou de la Soul ou à un des innombrables Bluesmen itinérant qui les précédèrent dans des conditions difficiles de racisme et de ségrégation au début du siècle dernier, se faisant parfois casser leur guitare pour tout paiement par des fermiers blancs après avoir animé un bal pour leurs ouvriers agricoles, comme le raconte Big Bill Bronzy.

Vax'1 revient avec un vibraphone au rythme latin (le vibraphoniste blanc Cal Tjader s'intéressait beaucoup aux musiques afro-cubaines et engagea même le percussionniste cubain Mongo Santamaria aux congas, mais je suis sûr que le vibraphoniste noir Roy Ayers, souvent samplé et remixé anonymement, doit être également l'auteur de quelques perles "latin soul" du genre) fait danser une bonne section de cuivres datant de la période "jungle" (années 20/30s, où les trombones et cuivres à sourdine rappelaient les forêts d'une Afrique fantasmée à la jungle urbaine) de Duke Ellington comme dans "Black Beauty", à moins que ce ne soit les cuivres plus tardifs de Latin Jazz ou de la Salsa, harmonieusement marriés à des percussions batucada Brazil qu'ils n'ont pu historiquement ou géographiquement connaître ou rencontrer, d'où le miracle. Comme souvent, le plus intéressant dans les musiques électroniques et le mix, c'est cette possibilité de rencontres improbables ou impossibles pour des raisons temporelles, géographiques ou culturelles. Le tempo latin se fait "cosmic funk" (au sens du disque "Zodiacs" de Cannonball Adderley), où continuent de voleter des cuivres mambo, un vieux saxo et une trompette solistes, sous les acclamations de "Youououou" stellaires, où explose soudain le Big Bang de roulements de batterie ou de percus latines.

Shady Wide à nouveau aux platines avec un gimmick vocal "Feel Free!" introduisant un intro cosmic funk avant des cuivres swing et retour à la jungle urbaine avec des sirèèènes de police "wide" évoluant dans un Groove urbain aux claviers intéressants, samplés dans deux solos, accoustique puis électrique qui se succèdent en boucle comme une valse folle du passé avec le présent et vice versa. "We Are Bright Lights in Big Cities, Bright Lights in Big Cities We Are..." annonce une voix de preacher noir comme ceux qui galvanisaient les foules de Gospel et de Negro Spirituals dans les églises et celles qu'on entend présentant Art Blakey ou Cannonball Adderley dans des concerts au Birdland sur des disques Blue Note: la même énergie, la même émotion du sacré au profane, de l'église à la musique. Comme un rappel de l'histoire de ce terme, deux voix noires (un homme et une femme) bien cassées qui pourraient être aussi bien des vieux Bluesmen vieux comme le monde que des chanteurs Funk Soul finissent le set par des "Funky Funkyy" en duo: "Funky" signifiait, pour les racistes blancs du Sud, des Etats Unis, l'odeur supposée nauséabonde des noirs, mélange de sexe, de sueur et de musique blues ou jazz, et fut repris à leur compte par des musiciens de Hard Bop noir comme le pianiste Horace Silver (auteur d'un "Opus De Funk") et le batteur Art Blakey dans les années 50s pour un Jazz revenant au rythmes churchys du Gospel et du Negro Spirital dans les églises, avant de devenir le style musical "Funk" créé dans les années 60s par James Brown qui osait enfin dire "Say It Loud: I'm Black And I'm Proud!". Et là on mesure l'étendue du voyage couvrant toute cette histoire grâce à ces deux DJ.

Suivit un groupe de Hip Hop live et sans platines, "Last Minutes", également de Mulhouse, au leader noir charismatique MC Tah'Reek, aux textes sensibles évitant les écueils de la révolte gratuite pour des revendications légitimes ("J'veux finir ma vie au soleil"), avec une bonne chanteuse soul de charme, jazzy, scat ou classique parodique dans le morceau présentant tous les musiciens, un clavier 70ies dont le chanteur-rappeur qualifia le style de "Westcoast" (c'est vrai que j'avais déjà l'impression d'avoir entendu ces sons-là chez Stevie Wonder ou derrière Marvin Gaye, ou plus récemment en fond sonores de clips de Snoop Doggy Dog), sur une section rythmique bien réactive basse batterie (en particulier dans un duo avec le leader) à la "Smokin'Suckaz With Logic",un des rares groupes à avoir tenté le rap live sans aucune platine dans les années 90s, mais qui ont l'air bien oubliés aujourd'hui.

Puis Zero Klub, groupe electro jazz local à la Erik Truffaz qui m'était inconnu, mais réunissant des jazzmen locaux émériteset tout-terrain (Serge Haessler à la trompette à la Miles Davis et aux sons incroyables apparemment sans effets comme Truffaz dans les plages les plus rock et violentes de "The Walk Of The Giant Turtle" et Guilain Muller, membre fondateur du "Vibraphone Spécial Project", "VSP Orchestra" au vibraphone "ambient" et "space" montrant qu'un vibra peut aussi faire cet effet que des effets électroniques) avec deux DJs aux beats et interludes extraits de dialogues de films vraiment intéressants. Un MC américain de Woodstock (mais qui heureusement ne nous apporté ni la pluie ni la boue du célèbre festival lors du mythique "Summer Of Love") apporta la mélodicité savoureuse de son accent à celle de ses textes haranguant le public pouqu'il danse, mais seuls deux gamins étaient assez décomplexés pour le faire ou n'avaient pas encore cette peur adulte du ridicule qui précède mentalement les rhumatismes. Enfin, en interlude, le même joueur de Beat Box montra qu'il pouvait avec sa simple bouche amplifiée d'un micro étonner tout autant par ses effets sonores qu'un DJ comme s'il avait en lui des samples de voix et sons intérieurs innombrables.

Enfin, Shuya Okino de Tokyo Jazz Massive, DJ Japonais qui s'était produit la veille à "L'Open" d'Hautepierre dans le cadre du festival, en surprise, nous gratifia d'un set de rythmes Brésiliens et cubains mêlés sous des claviers 70ies où flottaient des voix soul. Une étudiante japonaise qui chantait de bossa nova m'avait dit un jour qu'au japon le jazz et la bossa sont beaucoup plus pratiqués dans les clubs qu'en France. Son set fut interrompu par l'orage d'une pluie battante dispersant les auditeurs et les organisateurs de cette belle après-midi qu'elle aurait pu interrompre bien plus tôt, à en croire la météo et les nuages.

Jean Daniel BURKHARDT

Le Jeudi 7 septembre, dans une soirée "Berlin Soul Explosion" le Festival Electrogroove Contretemps invitait la DJ "Sweetieyep", "note féminine de la Radio Right On FM à Metz et sur www.righton.fm.com", pour une sélection Soul Funk Hip Hop en introduction à la chanteuse nu soul allemande Clara Hill. Cet étrange surnom viendrait, d'après l'intéressée, du fait qu'elle est plutôt gentille et douce (sweetie) mais qu'il ne faut pas l'embêter, et qu'au téléphone, elle préfère répondre "yep!" plutôt qu'"allô". Suivit la chanteuse nu soul allemande de Berlin Clara Hill et son groupe, qui a sorti en 2006 son second album "All I Can Provide", issu de collaborations musicales avec des producteurs comme King Britt, Vikter Duplaix ou Jazzanova dans des émotions variées allant de ballades Jazzy plus ou moins trafiquées électroniquement (j'ai un faible pour pour "Wake Up", avec Slope avec le seul soutien d'une guitare, où sa voix est le mieux mise en dans avec toute sa profondeur) et chansons engagées aux ambiances plus sombres, voire violentes servies par des beats futuristes ("comme "Hard To Say", avec le même Slope) organisées sous une forme évoquant une sorte de journal intime sentimental de ses émotions entre joie d'être amoureuse, déception sentimentale, dépendance affective de l'autre à sens unique, souffrance de la solitude en cas d'absence ou soudain regain d'espoir: une belle palettes d'émotions féminines. Mais ici, c'était avec un groupe live qu'elle se produisit, accompagnée par un fender rhodes atmosphérique, une basse funky et une batterie entre finesse et violence. Passée la première sensation de froideur germanique, on a pu apprécier ses efforts pour dinamiser un public respectueux mais un peu tiède au début du concerts en dansant de son long corps longiligne sur la scène et par les diverses émotions de son chant selon ses chansons, ou se tapissant dans l'ombre recroquevillée sur elle-même. On ne peut nier le charme certain de sa présence scènique et d'un certain mystère au charme hypnotique entre pudeur rentrée et soudaine extériorisation de ses sentiments. Musicalement, le plus surprenant pour moi était peut-être pour moi un instrument posé sur le fender rhodes, que j'étais peut-être le seul à ne pas connaître, étant peu au fait des dernières innovation techniques en terme d'innovations électro-accoustiques: cela ressemblait d'en haut un peu à une cymbale ronde ou soucoupe volante dans une sorte de boîte, et Miss Clara Hill ou son clavièriste en tiraient des sons de chocs spatiaux dignes de la "Guerre des Etoiles" et de ses combats entre vaisseaux à coups de rayons lasers, ou plus percussifs au niveau du bouton central. On pouvait en tirer des sonorités variées selon le point de contact et leur durée. J'eus l'impression que même le simple rapprochement d'une main de cet instrument le faisait réagir par des sons évoquant des ondes atmosphériques comme le ferait un thérémin, instrument russe à base d'ondes selon le rapprochement/éloignement des mains ou de tout objet environnant. Cet instrument ayant piqué ma curiosité, je suis ouvert à toute proposition pour en apprendre plus sur lui ou sur son nom sous forme de commentaire... Jean Daniel BURKHARDT

Vendredi soir, on a pu assister au lancement du 4 ème Festival Electro Groove CONTRETEMPS à Strasbourg. En guise d'apéritif, le vernissage d'une exposition chez Avila Coiffeur, de peintures et sculptures aux supports originaux et peu coûteux par le collectif "PLASTIQMIX" de Lyon sur... de vieux disques vinyls plantés aux murs par des clous. Les collectionneurs de disques de Jazz se souviendront peut-être que dans les années 30s à 50s, des "picture discs" étaient commercialisés, aujourd'hui rares et chers: une face peinte permettait à un artiste de s'exprimer dans un style à la Mucha, ou un message publicitaire, l'autre restait enregistrée. cependant la qualité sonore et la conserrvation de ces "picture discs" reste à désirer: on a pu entendre réédités en CDs ceux du pianiste français Henri Renaud avec des craquements dignes des 78 tours pour la firme "Saturne". Donc de beaux objets très esthétiques pour l'oeil, mais loin de répondre vraiment à l'oeuvre d'art totale alliant le plaisir tant visuel que sonore . De plus le sujet de la peinture a souvent peu de rapport avec le musicien enregistré au verso. Dans les années 60s, des pictures discs représentant les figures du mouvement Yé Yé sont aujourd'hui des pièces de collections. Dans les musiques actuelles, les DJs sont certainement les plus créatifs des utilisateurs de disques vinyls et ouvrir un festival d'Electro Groove à Strasbourg (Contretemps du 1er au 21 juin) allait donc de soi. L'exposition présente des oeuvres esthétiquement plus ou moins intéressantes selon les artistes, d'inspiration picturale allant de Botticelli (La Vénus sortant des eaux) ou quelque Vierge naïve aux yeux clos arborant l'étiquette du 45 tours: Bob Marley & The Wailers!, à un saxophoniste (Charlie Parker, John Coltrane, Archie Shepp ou Rahsaan Roland Kirk?), à Féla Kuti , aux motifs 70ies pour un oeil digne d'avoir connu l'âge d'or d'Haight Ashbury Streets à San Francisco, portant en bordure la mention manuscrite "liberté et amour", ou mignon, comme ce bebé entouré de phrases enfantines au typex (moi mon papy il a un i'pod tout gros mais il faut le remonter tout le temps et mettre des bandes, et encore même là ça marche pas toujours) décrivant un magnétophone à bandes, au Graf, au message musical, politique ou personnel en 33 t envoyable par la poste ("Je Te Plak", pourquoi pas, une amie de mes amis travaille à Berlin dans une entreprise spécialisée dans les Lettres de ruptures personnalisées et sur commande, évolution "trash" du service à la personne!). On pouvait y regretter parfois que dans ce recyclage, le disque devienne inutilisable. D'un autre côté peindriez-vous votre disque préféré? Quelques exceptions cependant dans les sculptures en relief: "La Boom", oeuvre de Beneditto Bufalino, vous permettra d'écouter le 45 tours du film avec Sophie Marceau tout en voyant la sculpture, une mini boule à facettes, se refléter sur les murs de la pièce! Trip kitschissime garanti, je n'ai pas essayé!

Et si l'oeuvre d'art totale était symboliquement ce "Trakabs" anonyme: sur le 33 t est sculpté un arbre noueux en miniature, organique, aux branches duquel pendent sa généalogie technologique? le centre d'une bande magnétique, une antique cassette audio de couleur rouge vif comme seules les années 70s en osaient (un support dont la disparition inévitable me rend nostalgique et inconsolable), un CD, un mini ampli en guise de bafflette, la molette d'une souris pour le MP3 et un MD qui a remplacé la disquette.

Toutes ses oeuvres "PLASTIQMIX" de l'atelier Mastiq sont la propriété de leurs auteurs, mais peuvent être consultées en tapant "PLASTIQMIX", et vues et même achetées à Avila Coifures, 69 rue des Grandes Arcades à Strasbourg, jusqu'à la fin du mois.

J'ai évolué sur la question ces derniers temps en partant de loin. Avant de voir DJ Olive et Jeff Lieb un soir à l'Elastic un soir, je n'étais très sincèrement pas loin de penser que la musique électronique était L'ENNEMIE dans ma lutte pour les musiques vivantes, les ayant remplacé dans l'esprit du public en leur volant leurs moyens publicitaires et promotionnels. Pour moi il y a deux aspects très différents du Deejaying à ne pas confondre: d'une part, mettre des morceaux de musique soit à la demande du public soit dans un certain style, soit selon son envie pour faire danser les gens, sans trop les modifier. Ce serait l'aspect culturel, pas très éloigné du travail du Disc Jockey à l'origine dans les radios, et du mien dans mes émissions, avec la danse en moins et les explications culturelles que j'essaye toujours de donner en plus pour moi. Les Badass Funkstarz en sont un bon exemple pour le Funk Soul Break'N'Beat, ce dernier aspect rythmique remettant parfois les morceaux au goût du jour, ou d'autres modifications mineures de tempos, d'échos, ou effets dubs. Ils pourraient aussi faire des rencontres inattendues en mixant entre les deux platines: des chants esquimaux avec de la salsa, pour deux cultures très éloignées et ne s'étant jamais rencontrées.

Et si les Dj étaient en quelque sorte les mémoires musicales vivantes comme dans un roman d'anticipation de Ray Bradbury adapté par Truffaut "Farenheit 451", où, dans une société futuriste où les livres sont brûlés à cette température, les "rebelles" apprennent des livres par coeur pour pouvoir les répéter, les réciter ensuite à d'autres, bref les faire vivre à travers eux. Les DJ pourraient assumer ce rôle musicalement, dans notre monde où toute la musique tend à être amnésique et inculte, commerciale, sirupeuse et formatée en série selon les modes à durée de vie limitée au kleenex jetable, suivant la mondialisation américaine qui veut faire en sorte qu'il n'y ait plus au monde que du Rock qui a perdu sa justification peace & love depuis 20 ans dans le bruit et le fracas d'une violence gratuite hard je ne sais quoi ou dans la morbidité new wave et l'égoïsme généralisé, le rap devenu une musique de haine et individualiste quand les MC ont pris le pouvoir sur les funky DJs, et la techno abrutissante pour minettes décérébrées des discothèques et macchos en goguette en polos Lacoste, ceci se retrouvant quels que soient les pays ou les cultures, au mépris des identités et des exceptions culturelles qui sont des richesses pour le monde, contre cette universalisation par le même. D'autre part, il y a les DJ technos qui parlent de "créer de nouveaux sons" à base de scratchs,de boom boom et badaboum lourds, avec un aspect plus ou moins "musique-machine" et déshumanisé, et des éléments plus ou moins "ambients" . Pour moi la musique doit faire danser les pieds rythmiquement et rêver la tête mélodiquement dans les nuages. Mais disons que cet aspect reste pour moi très abstrait, que je m'y raccroche à la moindre voix, au moindre son d'un véritable instrument, aux éléments "humains", car je refuse catégoriquement ce monde industriel et robotisé auquel pour moi la tendance dure de la techno semble vouloir nous habituer en douceur jusqu'à ce que nous ayons oublié le passé et sa saveur, ce que je n'accepterai jamais. Finalement l'aspect rythmique devrait accepter de rester justement une base rythmique, sur laquelle pourraient se greffer des éléments plus mélodiques. Un DJ de la région intéressant rythmiquement serait pour moi Juliano, qui travaille assez ses rythmes comme le fait tout percussionniste.

Mais ma pensée continue à évoluer au fur et à mesure de mes écoutes et de mes rencontres, de mes expériences. Ce qui m'intéresse, c'est de suivre ces lignes musicales qui vont des origines des cultures musicales traditionnelles à leurs formes contemporaines fussent-elles électroniques, montrer qu'il y a encore le passé dans le présent et déjà l'avenir dans le passé, pour que rien ne se perde.

Jean Daniel