radiojd

C’était ce week-end la première édition du Festival « Jazz & Jazz Manouche au Hohlandsbourg », organisé par « Terre Des Musiques Tziganes » au Château du Hohlandsbourg construit en 1279 accueillant la musique des gens du voyage que sont les musiciens manouches comme des baladins du temps passé.

Vendredi, le Festival accueillait Dino Mehrsteinl’organiste manouche allemand Jermaine Landsberger et le guitariste Suédois Andréas Öberg qui l’accompagne sur son dernier disque très groovy « Getting Blazed » enregistré à Los Angeles depuis lequel tous les américains se l'arrachent. Samedi, on a pu entendre Silvia B Paris et Biréli Lagrène, parrain du festival, en trio, et dimanche Di Mauro Swing et Yorgui Loeffler, accompagné de Costel Nitescu.

Samedi 27 juin, c’était donc la chanteuse Silvia B Paris, qui a fait les belles nuits des mercredis du Club Raven cette année, accompagnée de l’équipe des jams de L’Artichaut (qui continuent en juillet): le guitariste américain Rick Hannah (partenaire entre autres d’Anita O’Day, de Chick Corea, Barney Kessel, Joe Pass, Jimmy Smith, Joe Farrel, Stevie Wonder), du pianiste Erwin Siffer (fils de l'humoriste Roger Siffer), de Raphaël Sonntag à la batterie et d’Anne List à la contrebasse (qu’on a pu entendre souvent au Piano Bar avec Pascal Pallamidessi et son propre groupe Jazz-Funk Moglaz), qui l’introduisent par un blues.

Silvia B Paris arrive, magnifique et bronzée dans son armure de robe longue et manches lamées argent, plus « Silver Finger »« Gold Finger » mais en tous cas une héroïne à la James Bond, et commence par « Blues In The Night », interprété par Jimmy Lunceford et son orchestre (le meilleur Big Band pour les parties vocales) en 1941.

Le vibrato est émouvant, et elle fait danser ses doigts vers les musiciens ou a sa ceinture, module les voyelles, les doublant et rallongeant avec swing à la Julie London sur les trilles d’Erwin Siffer, les entrecoupant du refrain « My Mamma Don’t Tell Me ».

Elle continue avec « Honeysucle Rose » de Fats Waller entre ralentissements et accélérations sur la guitare à la Jim Hall accompagnant Ella Fitzgerald à Berlin.

Avec un accent anglo-saxon, Silvia B Paris s’enquiert, « bichonne les musiciens », mais « ils font les timides», et enchaîne sur « Let There Be You », que je ne connaissais pas, avec un accompagnement à la Ahmad Jamal Three Strings, où ce rêve de Roger Rabbitt promet des huîtres et de l’amour…

Elle poursuit avec « Summertime » de George Gerswin, débutant sur une guitare lente à la Ella Fitzgerald & Louis Armstrong dans « Porgy & Bess » sur les basses Bossa et les harmonies de la guitare. Soudain, la rythmique part sur un riff bluesy, la voix s’enfle dans les graves à la manière de la version psychédélique de Janis Joplin sur un changement de rythme obéissant au doigt et à l’œil pour le solo de guitare citant « Lullaby In Birdland » entre des trilles à la Tal Farlow /Berney Kessel/Jimmy Rainey avant le solo de piano et la montée de la batterie sur laquelle reprend la voix, finssant dans le tempo lent initial.

Dans l’intro de « Night & Day » de Cole Porter, Silvia B Paris pointe les musiciens après la cliquetante horloge au « You, You, You » de l’introduction, tombée dans l’oubli après la version de Fred Astaire et Ginger Rodgers dès Billie Holiday, et que Frank Sinatra ne chantait pas, ni dans sa dans sa version « Swingin’ Affair », ni même dans sa version Disco. L’accent de Silvia B Paris rappelle d’ailleurs Sinatra. La version de Silvia B Paris est originale rythmiquement et dans sa prononciation, sa façon d’immiscer les paroles dans le solo Hancockien d’Erwin Siffer (sa principale influence, il a dirigé un temps au Piano Bar un trio PSE inspiré de l’ESP de Miles Davis).

Silvia B Paris enchaîne avec « Black Coffee » () , un blues que j’ai découvert sur FIP par la version de Sarah Vaughan en 1949. Silvia B Paris la chante de façon émouvante entre café et cigarettes, peut-être plus proche de la version de Julie London.

Après avoir fait saluer ses musiciens, Silvia B Paris poursuit avec « I Remember You » de Johnny Merce, sur un tempo plus lent que Chet Baker pour Pacific Jazz, moins pop, plus latine et bossa, très originale avec son solo de piano à la Antonio Carlos Jobim des inferniños dans son économie de moyens, suivi des paroles de plus en plus lentement, mais Rick Hannah « ne veut pas travailler », puis se fend d’un solo à la Jim Hall (l’un des plus grands guitaristes de Jazz au monde) accompagnant Paul Desmond dans « Bossa Antigua », «Manha de Carnaval » ou Lalo Schifrin dans « Bossa Nova Groove » et final sur « Yououououou ».

En fait, Rick Hannah se réservait pour une surprise faite aux « fans de Led Zeppelin » : il esquisse les accords de « Stairway To Heaven » de Led Zeppelin en introduction au « I Love Paris » de Silvia B Paris, très lent, à la Hellen Merrill dans « No Tears No Goodbye », puis soudain plus rapide et fou, plus proche de la reprise de Charlie Parker et Billy Bauer ou Vanessa Paradis (que je n’aurais pas reconnue, sur, autre surprise, le riff de « Heartbreaker » de Led Zeppelin, avec un solo de Raphaël Sonntag à la John Bonham, le batteur surpuissant au son de camion de Led Zeppelin dans « Moby ( ) Dick» . La version la plus Rock et surprenante que j’ai entendue de ce standard.

Silvia B Paris enchaîne avec «What A Difference Day Makes », autre chanson populaire venue du Mexique chantée par Maria Mendez Grever en 1934, traduite en anglais la même année par Adams et Roy en boléro romantique, puis la version de Dinah Washington remporta un Grammy Award Rythm & Blues et finit en disco avec Esther Philips, reprise ici sur un tempo très lent, puis Silvia B Paris sculptant ses mots avec sensualité dans les interstices des solos de guitare, basse et piano.

Elle poursuit avec un blues, « Willow Weep For Me », (popularisé par Billie Holiday), dans une version tragique et dramatique jusqu’à mimer la folie en montrant son crâne comme le « Poinçonneur des lilas » ( ) de Serge Gainsbourg, rêvant de « se faire un dernier p’tit trou », mais qui n’en a pas fini avec la retraitedans une version tardive, puis elle va hurler son Blues comme une louve son blues d’un musicien à l’autre.

Elle vérifie qu’il n’y a «que de l’eau dans les bouteilles des musiciens ». C’est prudent : Billie Holiday et Lester Young, quand ils enregistraient « All Of Me » qui suit, carburaient au «top & bottom », mélange de porto et de gin peut-être frappé (c’est infect, j’ai éssayé). Le début est original, puis très rapide sur un rythme de charleston. Silvia B Paris modernise les standards de l’intérieur par une sorte de talk-over entre les improvisations et chorus des musiciens et les breaks du batteur.

Comme Billie s’étourdissant de bulles dans « You Go To My Head », Silvia B Paris reçoit un verre de champagne, mais réclame des fleurs, puis nous fait clapoter la pluie de « September In The Rain », sur la basse et la guitare, le piano lents à la Jamal ou comme dans la version de Stan Getz et Peggy Lee, avec un solo de contrebasse d’Anne List et un autre d’Erwin Siffer en stop time au piano.

Avant « The Man I Love » (« which one », lequel des trois est-il ?), Sivia B Paris nous montre comment tiennent les partitions d’Erwin Siffer : sous des cailloux en presse-papier, mais DU CHÂTEAU. D’abord lente et à peine murmurée, soudain la batterie rend la reprise très rapide à la Ella Fitzgerald quand il arrive enfin. Le solo de piano est Bop sur la batterie à réaction et les trilles de la guitare , avant un solo de batterie tout en bombes et en ras, guitare, basse et chant…

Silvia B Paris a montré son humour dans ses présentations et son ubiquité rythmique dans ses reprises, elle était LA chanteuse glamour de ce festival.

Jean Daniel BURKHARDT

Triple-retour aux sources ce mercredi 10 juin au Café Des Anges: aux sources Rockabilly/Jump Blues 50ies, Northern Soul 60ies et Funk 70ies avec Keb Darge, Et aux sources de ce lieu, puisque No Stress y inaugura au caveau les soirées Acid Jazz dans les années 90s, où Francky Hutchinson était parfois présent.

Francky Hutchinson, plus Brazil, commence aux premiers jours de la fusion Jazz-Funk Brazil avec quelques titres d’ « Early Days », toujours en activité, avec des voix entre Gilberto Gil et Caetano Veloso et un scat sur les claviers.

No Stress lui succède en ping-pong avec un de ses arrangeurs préférés, Johnny "Hammond" Smith, claviériste et organiste sur l’orgue du même nom et arrangeur et chanteur Jazz Funk aux claviers gélatineux scintillant psyché sur un lit de cordes moelleuses vintage à l’unisson.

Le Space Funk fait hurler ses sirènes au décollage sur des cuivres et claviers stellaires, rencontrant les esprits de voix horrifiques et spatiales vers des « Visions Of Tomorrow » de Science Soul Fever (si j’ai bien lu la pochette) : ils ont une culture Funk/ Soul que je n’ai pas, tous leurs morceaux sont des perles, et je ne peux pas leur demander ce qu’ils viennent de passer après chaque titre! Dans ce domaine, ils sont mes initiateurs et mes maîtres à chacune de leurs soirées! No Stress prend le relais avec une nouveauté au goût d’acid Jazz et de Milton Banana Trio.

Francky enchaîne avec Marius Cultier, pianiste antillais, en trio dans « Disko Machine ».

No Stress continue avec une chanteuse Soul « Make Me Feel Like Long Time Ago », puis Francky enchaîne sur Charles Williams, puis la guitare avec voix haut perchée à la Marvin Gaye du Bluesman Roy Buchanan qui se pendit en cellule de dégrisement, dans « Can’t i Change My Mind », ma chanson préférée, la plus sautillante et bouleversante à la fois, la plus funky()en version plus lente.

Un des anciens Anges historiques du Caveau du Café des Anges est venue en apprenant le retour de No Stress.

Arrive Keb Darge, DJ Ecossais, spécialiste du Rockabilly & Jump Blues 50ies, Northern Soul 60ies (Soul froide anglaise) et Funk 70ies. Il commence par un Twist Jazzy Funky Soulfull Swinging London à la manière de la musique d’Herbie Hancock pour « Blow Up » de Mihelangelo Antonioni, où Jane Birkin fit ses débuts au cinéma.

Les saxos et percussions attaquent, suivis de Joseph Henry, proto-James Brown ou bon imitateur Ecossais qui était aussi mégalo que lui avec ce « Who’s The King ( You Know That’s Me) », qu'il a fait découvrir par s compilation "Kings Of Funk".

Avec sa passion pour les raretés, Keb Darge exhume des pionniers ou des suiveurs méconnus de ceux qui ont fait une grande carrière, les fait revivre. Ce qui ne l’empêche pas d’enchaîner sur l’original James Brown dans son « Papa’s Got A Brand New Bag », après un classique instru funky connu ici par le remix des Inuits que passent les Badass Funkstarz: « Hammon Groove ».

Keb Darge aborde les années 70s par un air de Disco comme celui par lequel il remporta en 1979 une compétition de Disco à 22 ans. En tous cas, ça danse, le public hurle et sceame à sa crème comme James Brown dans les années 70s et lui-même danse encore parfois en des dance contests sauvages.

Keb Darge sait aussi varier les plaisirs sur ces 30 ans 50ies-70ies, et est l’un des seuls DJs Funk à passer aussi du Rockabilly et du Jump Blues découverts au Cabaret de Madame Jo-Jos ( à Londres, tous les samedis) , qu’il préfère ces dernières années au Funk et à la Soul, qu’il joue depuis tant d’années, ce qui en fait le seul DJ déségrégé passant de la musique Black & White sans distinction. Pour lui « tant que le son est bon...».

J’ajouterai d’un point de vue plus historique que le Rock’N’Roll fut volé aux Noirs par les Blancs comme le Jazz, que l’on a retrouvé des partitions de Boogie Woogie noires de 1880.

D’ailleurs le premier Rock de la soirée sera « Let’s Boogie All Night » des Hot Rocks allemands, à la contrebasse obsédante, puis «I Got The Boogie", un Jump Blues par un Shouter à la Big Joe Turner qui chantait « Shake, Rattle & Roll » bien avant Elvis, digne des « Chicken Shack Boogie » (Boogie des boîtes poulaillers) d’Amos Milburn.

Suit le torrentiel Jump Blues «Kiiiing Kooong » de Big T Tyler aux terrassant piano et saxo, que vous pourrez retrouver dans la complilation « Lost & Found Rockabilly & Jump Blues » de Keb Darge et Cut Chemist, son chauffeur de taxi .

Le titre suivant me fait penser aux Rock’N’Roll de Boris Vian (mort il y a 50 ans) pour Henri Salvador comme « Rock-hoquet », aboyant, hoquetant, avec son saxophone hurlant et son final Be Bop, comme le Rockabilly suivant taxiphonant ses riffs obsessionnels jusqu’au solo.

Suit Louis Prima italien de New Orleans, un des rares Jazzmen (trompettiste et chanteur) à avoir pu, comme chanteur, garder son public après la vague du Rock’N’Roll en s’y adaptant, avec son « Just A Gigolo/ I Ain’t Got Nobody » (deux standards séparés à l’origine), et finit « King Of Swingers » en ourang-outang dans le Livre De La Jungle de Walt Disney dont Louis Armstrong faisait l’ours Baloo.

Wynonie Harris, noir et plus violent, ne parvint jamais à revenir dans les années 50s, mais chanta « Good Rockin’ Tonight » avant les blancs, dès 1948.

Et Elvis Presley? Elvis était alors encore un fan tremblant de Rubberlegs Williams (à qui il piqua son jeu de jambes en caoutchouc, mendiant des autographes à Roy Brown , compositeur de « Good Rockin’ Tonight » qui lui écrivit ses tubes sans jamais un enregistrement ou royaltie de la part du Colonel Parker et mourut dans la misère. Une pensée pour ces héros noirs oubliés du Rock'N'Roll et Rythm'N'Blues.

Ce qui manque peut-être à Keb Darge, c’est cette conscience historique, raciale, mais il n’en a cure, comme le public, d’ailleurs, dans leur hédonisme du son, de la joie, de l'insouciance. Je les comprends.

Tiens le voilà, Elvis Presley, hoquetant son Rock’N’Roll, aboyant son « Hound Dog ». Non c’est en fait un de ces bons imitateurs Rockabilly récents, le mexicain Omar Romero & The Stringpoppers dans «My Baby Don’t Breathe ».

Suit un Rockabilly à la Jerry Lee Lewis mais avec une guitare Country , puis une autre découverte récente de Keb Darge : une version de « Fever », qu’Elvis reprit après son service, mais par d'autres pseudo-Mexicains à somberos, les Londoniens Carlos & The Bandidos, en Rockabilly , embarqué sur les riffs de « Brand New Cadillac » du Rocker anglais Vince Taylor repris par les Clash dans « London Calling » ( sous le nom de Joe Struumer & The Mescaleros.

Sans les anglais Beatles () Stones, Who ou Kinks, le Rock’n4roll serait mort de la répression américaine contre ses pionniers à la fin des années 50s.

Pour leur défense, Elvis Presley et Johnny Halliday )après lui ont compris que le Funk était le Rock’N’Roll noir et Elvis engagea des choristes noires (dont la mère de Whitney Houston) et des cuivres, enregistrant même un album dans les studios Stax, et Johnny finit sa carrière avec un musicien de Ray Charles.

No Stress revient avec du Reggae Funky de Third World : No That We Found Love”

Keb Darge est aussi un pionnier de la « Northern Soul et du Deep Funk » (Funk Soul froid dont il fut un des initiateurs en Angleterre), avant Gerald Jazzman et DJ Gruyère, et passe les originaux de «Beggin’» par Frankie Vallie & The 4 Seasons qu’on connaît par Madcon, et plus tard l’original de « Tainted Love » par Gloria Jones en 1964, plus connu par Soft Cell.

Dans une autre série de Rockabilly, Keb Darge passe « Stamped » des Scarlets, un Rock Psyché Garage Surf Music qui inspira le premier tube des Cramps « Bikini Girls With Machine Guns».

En Funk, No stress répliqua par « Move On up » de Curtis Mayfield.

Keb Darge nous renvoie à Memphis et aux années 50 avec « Luther Played The Boogie » de [Johhny Cashpour Luther Perkins, puis à une autre origine du Rock, le « Boom Boom » de John Lee Hooker, qui inspira « La Grange » des Texans ZZ Top.

Bref, je me suis rendu compte que j’avais toujours eu honte d’écouter du Jazz devant mes amis qui écoutaient du Blues/Rock blanc 60ies/70ies, et d’avoir écouté du Rock dans les soirées Funk, alors que c’est la même musique par des blancs ou des noirs. C’est la plus belle leçon de Keb Darge, l’un des rares DJs Rock’&’Soul.

Jean Daniel BURKHARDT

Pour sa seconde soirée, le Contretemps s’associait au festival de théâtre « Premières » pour animer sa dernière soirée au Maillon Wacken.

Pablo Valentino, qui a ravi et fait monter au plafond et miauler de bonheur le « Chat Perché » tout l’hiver de ses soirées Chat Groove les jeudis et Chat House les vendredis, n’a pas encore sorti son double Hip Hop « Kid Sw!ng » auteur de « Basquiat » et du LP « 6th Grange Street » à venir en juillet sur son label FACES RECORDS, du placard, mais une avalanche de cuivres et de rythmes Brazil pour faire danser et tournoyer cheveux aux vents comme un cyclone, un ouragan son amie la Fourmi Toupie Derviche Funky aux yeux verts, ouvrait le bal.

Suivit leViennois Dorian Concept, qui a troqué très jeune sa Nintendo contre un clavier synthétiseur pour produire cette étrange musique électronique improvisée, modifiée mais belle. Gilles Peterson le compare déjà au pionnier de ces claviers, Jo Zawinul. Il vient de sortir « When Planets Explode »

Il est accompagné de Cid Rimon aux baguettes sur batterie électronique. Il est parfois indianisant et planant comme sur les soufflets d’un harmonium portatif, ou par sa vélocité la musique Japonaise de koto, puis trouve sur son MicroKorg la folie des « Toccata & Fugue » de Jean-Sébastien Bach jammant avec la distorsion sonore d’un Van Halen des claviers, mais aussi les bruits de la jungle naturels et d’autres plus aériens, incarnant sous ses doigts la canopée de sa structure et l’oiseau qui s’en envole à tire d’aile.

Le jeu de Dorian Concept est, me dit-t-on, très visuel, entre clusts, scratchs et bouton de Nintendo de son enfance sur la Drum’n’Bass de son batteur. C’est vrai que par moments on pense à Jo Zawinul dans les aigus, et par ce côté très improvisé, jouant acoustique sur des instruments électriques. Il est entre le naturel et le modifié, joue plus électrique qu’acoustique, venu non du piano mais de la Nintendo.

Soudain nous illumine un sample de voix Soul à la Gnarls Barkley sur les bonds mouvants de l’electro et la basse broken, les claviers qui semblent scratcher. Au moins s’amuse-t-il comme un petit fou avec une folie rare dans le Jazz actuel.

Parfois il crée un monde aquatique par des aigus et des ralentis à la Edgar Froese sur les percussions rebondissantes de la batterie électronique.

Sur une sorte de dub, il déploie de grandes orgues aux échos cotonneux, évanescents, stellaires. Son univers bascule entre mouvements de planètes et d’étoiles dans le calme de l’univers sidéral et de soudaines explosions où elles explosent, s’entrechoquent, se confondent. Les gracieuses comédiennes du Festival Premières agrémentent le set de mouvements harmonieux, robotiques ou ailés selon le rythme.

Arrive Nikki Lucas,, DJ Londonienne mais qu’on pourrait dire à sa musique du monde entier elle est cosmopolite dans le Rechauffement Planétaire positif de ses rythmes. Elle a commencé au sein du Lucky Cloud Posse, qui organisait les venues du légendaire David Mancuso. Aujourd’hui elle a son propre Radio Show « Future Fusion ».

Elle commence par les percussions entraînantes de la Batucada Brésilienne modernisée par le Samba Reggae à la Olodum, qui évolue en Hip Hop Brazil « reprezenta », d’une voix qui devient rythmique sur les beats des autoroutes mondiales.

Elle passe ensuite en Afrique avec un Soukouss Africain festif de Kenge Kenge porté par des balafons en hommage à Barack Obama. Un des comédiens, qui viennent de toute l’Europe et d’ailleurs, Africain, fait la danse du bâton. La sélection World de Nikki Lucas ravit toutes ces nationalités qui dansent.

Toujours en Afrique, mais plus funky, après l’Afro Beat (mélange de funk, jazz, rock et de musiques traditionnels Africains créée par le Nigérian Fèla Kuti), elle est aussi au courant du « Future Afrobeat » modernisé d’une clavé cubaine doublée d’une cymbale broken de l’Afrozen Orchestra avec le chanteur Chancellor Dedianga sorti en mars dernier sur la label Strasbourgeois Soultronik de Tal Stef, l’un des organisateurs du festival. C’est dire quand même l’ubiquité de cette globe trotteuse et les possibilités de connexions entre le local et le mondial.

Sur l’écran , OPTIK HARTMAN, Vjay de Karlsruhe montre des lunes éclatant comme des bulles de savon autour d’un homme monté dans un arbre. Le saxo crie jusqu’à la transe. Une nuit bleue tombe sur la savane, dont les lunes deviennent des sphères étoilées stroboscopiques ou des flocons de neige sur un magma de bulles rouges. Les cuivres Afrobeat passent sur des claviers dub dans des Ombres sur fond vert, puis à un dub Oriental à la « Asian Dub Foundation » (maîtres Pakistano-anglais du genre) en moins violent, plus lent et planant. Envoûté, un derviche en pull rouge acrylique danse la techntonik en pantalon blanc et se contorsionne

. A la voix de Lee Scratch Perry, le père Jamaïcain du Dub, avec un trombone (Don Drummond des Skatalites? Non, il est mort trop jeune), son style me rappelle un peu les dub de Gainsbourg avec Sly Dunbar & Robbie Shakespeare par ses petites diodes rythmiques sur la batterie ou le « Kingston Kill The Sun » de Bernard Lavilliers. Quand le Reggae n’était pas encore Ragga, et le Dub la seule musique électroniquement improvisée…

Des cadrans rouges se muent en scratches, en fleurs mauves qui s’ouvrent et se ferment à l’infini en éponges marines sur le rythme Banghra Indien de Bollywood qui se mue en Raï de Khaled à ses débuts accompagné d’un simple synthétiseur, Nikki Lucas par les harmoniums Pakistanais, sur lesquels danse Un danseur est au centre d’une floraison de pétales violonistes.

Après un passage dans l’Afrique du « Magic System », le flot se durcit en Ragga à la Bone T Killa sur des serpents spermatozoïdes en fleurs qui roulent en fleurs puis se rejoignent.

Autres tropiques, les cuivres de la Salsa s’enchaînent sur le «Diamonds are a girl’s best friends » de Marilyn Monroe en robe rose fuschia » dans « Les Hommes Préfèrent Les Blondes ». Nikki Lucas revient en Afrique avec les Talking Heads, puis avec «Pata Pata » de Myriam Makeba reprise par une voix aigue et enfantine.

Plus tard elle passera du Funk sur un Tango’Rero (dont la partenaire semble la cape avec sa robe volante, et finira par en Disco avec « Everybody Dance » modernisé de diodes, laissant le public subjugué par ce mix Sound System Mondial.

Enfin, la soirées se termina avec un ping pong musical entre Tal Stef et Pablo Valentino, entre Disco, Brazil, Cuba, Reggae rapide/lent, Sol 70ies... On se serait cru revenu dix ans en arrière au Café Des Anges, où ils mixaient tous deux.

Le premier grand DJ du Café Des Anges, NoStress, fondateur des soirées Acid Jazz des années 90s, y fera son grand retour ce soir mercredi 10 juin, dans la soirée « Back In The Dayz », avec un autre retour aux sources, celui du Funk vers ses racines Rockabilly/ Rythm’N’Blues/ Jump Blues avec l’Ecossais Keb Darge, danseur de disco victorieux en 1979 à 22 ans, puis doyen des DJs Northern Soul qui vient de sortir « Kings Of Funk ».

Jean Daniel BURKHARDT

Comme tous les ans, le Sixième festival Electrogroove Contretemps propose dans les salles Strasbourgeoises des concerts, des soirées et des évènements artistiques.

L’allumage se fera par un « Warm-Up » au Rafiot le Vendredi 5 juin à 22 h : Vous pourrez y entendre les DJ Pilooski, membre du Dirty Sound System qui a remixé « Beggin’» de Madcon; Dusty, l’un des trois DJs de l’excellent groupe de Hip Hop «Jazz Liberatorz » de Meaux dont le premier opus « Clin D’œil » magnifiquement Soul et Jazzy à la Jazzmatazz a fait sensation en 2007; et pour les locaux KM3 (Deephop) qui joue avec le groupe Hip-Hop House « Rouge A Lèvres » vu l’an passé; et pour finir Deejay Remsey Lef alias Frankie Numi, qui après avoir été l’un des meilleurs DJ Hip Hop locaux avec les BUMS, vient de sortir son premier LP « Never endind, always building in Jazz, Soul, Funk » avec des MC américains sur le label Sleep Disorders.

Samedi 6 juin, le Festival Contretemps rencontrera au Maillon Wacken le Festival Premières : Au programme, la Londonienne Nikki Lucas ex du Lucky Sound Posse, célèbre pour son radio show Future Vision entre Banghra, Africa, Raï et Batucada; l’Allemand Dorian Concept de Stuttgart qui vient de sortir « When Planets Explode »; et pour les locaux Pablo Valentino (Faces Records) et Tal Stef ( Soultronik ), le tout sur la VJDEO d’Optik Hartmann venu de Karlsruhe.

Vous serez invité gratuitement à cette soirée pour l’achat d’un pass de 30 euros qui vous ouvrira toutes les soirées du festival, la solution la plus économique.

Pour le dimanche 7 juin, les « Pelouses Sonores » se tiendront gratuitement sur l’herbe de L’Orangerie. Et là encore, outre le selector Reggae Daddy Roudy (Dancehall Vibes) et le très Funky Groovehunter G Phil, le festival a mis le paquet sur le Live avec des reprises de Funk par le MMEW de Wasselone dirigé par Bernard Struber et le groupe « Greenstuff » avec Pascal Beck et des jazzmen locaux, enfin Dub In V.O vous portera jusqu’à la transe verte.

Le mardi 9 juin, c’est du Cinéma Star que le Festival prendra possession, avec dès 20 h en avant-première le film « Soul Power » de Jeffrey Levy-Hinte (filmé au festival soul de Kinshasa en 1974 le soir du match de Mohammed Ali sur George Foreman), puis une déambulation avec un Ciné Concert de « Radio Mentale », « The Party » de Blake Edwards préludant à une soirée mousse ou « Wild Style » sur le Hip Hop selon les salles, suivi de « Next A Primer On Urban Painting » de Pablo Aravena sur le graffiti, les clips du « Big Up Jazzmix » de Mezzo, des films Super Huit Pornos avec une Bande Son Live de Dr Donuts en guise pop corn, enfin une Soirée Mousse, DJ in The Bocal,clips et courts-mètrages et des Animations par Corrine dans des couloirs scénarisés par Maëlle Bernard, élève aux Arts Décoratifs de Strasbourg.

Le Mercredi 10 juin, au Café Des Anges, la soirée « Back In The Dayz » remontera aux sources : celles du Rockabilly et du Jump Blues et Rythm’N’Blues avec l’Ecossais Keb Darge, mais aussi celles du lieu avec le retour très attendu du DJ No Stress, fondateur de Radio RBS, qui créa les soirées « Acid Jazz » en son Caveau dans les années 90s, et Franky Hutchinson d’Annecy.

Le jeudi 11 juin, c’est à une « Afrobeat Explosion » que vous invite La Salamandre avec le groupe Fanga de Montpellier en Live, adoubés par le batteur de Fèla Kuti Tony Allen et le DJ hamid Vincent de Mulhouse.

La soirée se poursuivra avec une session « Real House » au Living Room avec les DJ Simbad de Londres,

Karizma de Baltimore et Dave Hydede Strasbourg.

Vendredi 12 juin, au Molodoï, rentrez dans le « Computer World » des DJ électro du monde entier: Âme (Innervision) de Karlsruhe;

Fulgeance, remixeur au funk destructuré de Sayag Jazz Machine et pour Jazzmin Records d’M-Swift ;

le DJ et chanteur Arroop Roy de Tokyo|http://www.myspace.com/arooproy];

et pour les locaux Caterva (Sens Inverse),

Juliano et Ben G de Right On FM, et Fat Butcher Visual de Londres et VJ Ease en VJDEO rien que pour vos yeux!

Enfin, Samedi 13 juin, toujours au Molodoï, « Pass Le Beat » remettra une touche de groove et de hip-hop dans un relais fourni, avec l’univers passionnant Jazzy Groovy de DJ Cam;

la chanteuse explosive Suèdoise/Brésilienne de Londres Yarah Bravo découverte dans ses featurings avec DJ Vadim

et les reprises reggae/soul des Dynamics en Live;

et plus localement DJ Link (Nu Tropic, Jazzmin Records) (http://www.myspace.com/jazzminrecords ), le plus Brazil/Latino des DJ Strasbourgeois, et DanYDan, rédacteur en chef de "drum-bass.net" aux platines ainsi que Fat Butcher pour régaler vos pupilles.

L’Art pictural et urbain sera aussi au rendez-vous avec des Expositions : Dripping Flow Painting à Avila à partir du 4 juin, et le 6 juin à L’Espace Insight, au RzoStore, un parcours urbain PERFFUSION, un Street Golf Contest et une Jam Roller Session au Skatepark Rotonde et des Apéros Groovys en terrasses.

Jean Daniel BURKHARDT

JEU-CONCOURS : "drum-bass.net" vous propose de gagner des invitations pour la soirée du 13 juin (DJ Cam, Yarah Bravo & the Dynamics en Live, DJ Link et DanYDan pour les locaux).

Pour entendre les artistes du Festival, mes émissions "Jazzology" du jeudi 4 juin à 21 h, "Terres Tribales" du lundi 8 juin à 11 h et "Jazzology" du jeudi 11 juin à 21 h sur "Radio Judaïca (102.9 FM à Strasbourg ou "www.judaicastrasbourg.com" partout ailleurs) seront consacrées au CD promo du Festival et à ma propre sélection des artistes du festival!

Pour son dernier concert de la saison, La Salle Des Fêtes de Schiltigheim invitait le 19 mai dernier le Quintet de plus de dix ans d’âge du contrebassiste Dave Holland, soixante-deux ans dont quarante ans de carrière depuis sa découverte par Miles Davis dans u Club Londonien, avec Chris Potter (l’un des plus grands saxophonistes américains de la jeune génération) au saxophone ténor, Robin Eubanks au trombone, Steve Nelson au vibraphone et marimba et son nouveau batteur Nate Smith à la batterie depuis « Critical Mass ».

La veille, ils ont pu profiter à la faveur d’un « day off » de Strasbourg et de ses bières Fischer sur une terrasse de La Petite France.

Ils entrent en scène avec « Step To It » avec la demi-contrebasse (pique et haut) groove du leader sur le batterie broken à deux temps de Nate Smith soutenant les unissons sax/trombone d’effets équivalents des souffleurs de la coulisse et des clés, allongés de lames de vibraphone qui évolue vers le latin à la Tito Puente, que Kevin Eubanks soutient à la cowbell.

Chris Potter prend un solo à la fois lyrique et Bop dans ses stop-times constants le faisant évoluer par paliers. Il n’est pas un de ces saxophonistes à la colonne d’air et dorsale raide (comme Ellery Eskellyn, qu’il surpasse en constance et en swing), mais fléchit les genoux, tout son corps suivant son solo de bas en haut avec le pavillon de l’instrument sur la batterie de Nate Smith ( (également batteur du dernier groupe de funk Chris Potter depuis leur disque « Underground » en 2006). Son style est physiquement d’obédience Hawkinsienne, si l’on en croit les descriptions d’Hugues Panassié dans « dix Ans de Jazz ».

Il a d’ailleurs montré avec son disque « Gratitude » qu’il pouvait s’inspirer sans les copier de tous les grands saxophonistes de Lester Young et Coleman Hawkins ( ) à Charlie Parker, à Ornette Coleman, John Coltrane, Eddie Harris Wayne Shorter, voire de Michael Brecker.

On retrouve dans le solo d’Holland son grroove sur la drum’n’bass de Nate Smith pendant le solo de vibraphone de Steve Nelson. Dave Holland s’est toujours inspiré des jeunes musiciens qu’il a engagés, comme Steve Coleman. Le mordant des cuivres conclut en riffs le retour du thème.

Le concert continue avec « How’s Never », dédié à Rio de Janeiro, qui commence par des touches rapides de Steve Nelson au marimba sur la batterie de Nate Smith, suivi des cuivres aux échanges alternés, puis du trombone de Kevin Eubanks puis du saxophone puissant mais déstructuré dans sa montée Coltranienne jusqu’au cri sur la basse groove et la batterie broken.

Suit « Heaven Fun », plus swinguant, groovant , bop sur un tempo plus rapide, aux riffs de cuivres très entraînants, au solo de Kevin Eubanks au trombone très new Orleans, trouvant dans le seul souffle et la coulisse des effets étouffés sans sourdine.

Dave Holland reste seul pour une intro de basse puissante, vibrante, en solo, à la Charles Mingus dont il joua la musique en quintet avec Steve Coleman dans les années 80s. Le solo évolue lentement, avec une tension dramatique constante vers l’explosion comme dans « Haïtian fight Song » de Mingus avec un suspense et un groove constant.

Steve Nelson revient avec une sonorité de balafon (ancêtre Africain du vibraphone et du marimba), un côté gong de gamelan asiatique, suivi des cuivres à la joie débordante du trombone prenant au vol la ligne du saxophone sur la montée de la batterie broken.

Les deux souffleurs sont à la fois proches d’une ligne mélodique, soutenant son rythme de leurs riffs à tour de rôle et totalement libres dans leur expression. Le Jazz c’est cette confrontation respectueuse à la contrainte d’autrui en restant soi-même, et vice versa, échappée individuelle et jeu collectif.

Suit « The Winding Way » débutant par un solo de basse oriental à la Renaud Garcia-Fons, citant « A Love Supreme de John Coltrane.

Chris Potter y coule un solo de ténor oriental avec le trombone en fond sonore, se rejoignant entre les accords orientaux sur les percussions à graines de Nate Smith.

Kevin Eubanks prend à son tour son solo sur le saxophone en fond sonore, si moelleux qu’on pense à Johnny Hodges dans « Isfahan » de Duke Ellington. Le second chorus de saxophone rappelle un autre grand saxophoniste amoureux de l’Orient : Charles Lloyd, puis s’en détache par des phrases de plus en plus libres vers une montée effrénée entre les gouttes distillées par le vibraphone.

Ils continuent avec « Lucky Seven », l’un des titres les plus enjoués, latin et groovy de leur disque « Critical Mass », servi par des riffs entêtants sur un tapis de lames groove du vibraphone sur une batterie d’une force et d’une modernité funky Bollywood à la « Blue Pepper » d’Ellington dont on a longtemps pas cru le Jazz capable au demeurant.

Après un solo de trombone torrentiel de Kevin Eubanks, Chris Potter semble forer le sol dans les genoux avec la puissance de son solo puis s’en envoler.

Après le solo de vibraphone, pris par cette belle énergie, le vieux lion barbu devenu blanc Dave Holland semble retrouver le sourire béat et solaire de sa jeunesse chevelue, quand il accompagnait son découvreur Miles Davis à la basse électrique à l’Isle Of Wight ou dans « Bitches Brew ».

Aujourd’hui c’est lui qui se refait généreusement une jeunesse avec ces jeunes loups sur la Drum’N’Bass de Nate Smith. Le Jazz a toujours évolué dans ce va-et-vient générationnel entre expérience des anciens où passe la tradition orale et ouverture des plus jeunes où continue de vivre sa musique ici et maintenant.

A l’inverse, Chris Potter, s’il mène maintenant sa propre carrière, continue de jouer avec le quintet de Dave Holland ou le trio de Paul Motian. C’est aussi grâce à cette humilité qu’il est aussi bon. Dans leur retour au thème, sax et trombone jouent au chat et à la souris à s’attraper pour mieux se rattraper d’extrême justesse, se céder le passage, se laisser passer l’un l’autre en une course sans fin du chien après sa queue.

Chacun y met du sien, différents mais avec une énergie semblable dans leurs effets : le crié du saxophone et le bari éléphantesque du trombone coulissant, la frappe de la batterie et le slapping de la basse, le tintinnabulement du vibraphone courant gaiement de l’un à l’autre, à chacun tour à tour la fois liant et élément perturbateur, rythmique et mélodique…

.

Enfin, en bis, le Quintet a joué « Easy Did It », autre thème festif dédié à la Cité de New Orleans, berceau du Jazz, avec une basse en effet un rien bayou quand on y pense, une batterie de fanfare et des échanges des souffleurs en mélopée collective à l’ancienne du trombone « tailgate » dans les basses et du saxophone en place de clarinette. Ils semblent jouer chacun pour soi et pourtant se retrouvent toujours.

Leur liberté n’est pas si loin du free jazz, comme certains des premiers Jelly Roll Morton avec Natty Dominique et ses Kings Of Jazz, poussant l’improvisation collective aux dernières extrémités de l’harmonie, rapprocherait cette origine du Jazz et l’harmolodie d’Ornette Coleman, comme semblait vouloir le dire Paul Issenmann, cornettiste du meilleur groupe de Dixie Land local, Les Célestins.

Bref, Dave Holland et son quintet ont présenté un Jazz actuel, ouvert à tous les vents historiques du Jazz mais pas que, et à ceux des musiques du monde (leçon apprise du M’Base de Steve Coleman).

Jean Daniel BURKHARDT

Mariana Aydar est une chanteuse Brésilienne de Saõ Paulo fille de Mario Manga, musicien de Premê, groupe d’avant-garde des années 80s et de la productrice Bia Aydar. A moins de 30 ans, elle est la chanteuse Brésilienne la plus intéressante du moment, et vient de sortir le 4 mai dernier son deuxième album « Peixes, Passaros , Pessoas » après « Kavita 1 » en 2007, qu’elle présentait hier en concert à la Salle Du Cercle de Bischeim.

Elle est vêtue d’une robe-tunique rouge rosée biffée de dièses japonisantes imprimées en noir et accompagnée d’un jeune groupe, claviériste chevelu coiffé à la Jeanne D'Arc accordéoniste sur les titres les plus traditionnels, d’un bassiste et d’un guitariste électriques barbus, d’un percussionniste noir et d’un métis à la batterie, Duani, producteur du disque et « son amour ».

Le concert commence par « Sem Ceremonia », l’une des chansons pop et rapides du dernier disque, avec des fusées de guitares à la "See Emily Play" de Pink Floyd et de grands orages magnétiques envoyés par les claviers, doucement rythmée par la voix de Mariana Aydar balançant entre tempo rapide et ralenti avec un accent de jeunesse à la Mayra Andrade, Capverdienne entendue dans cette salle.

Extraite de son dernier album, on apprendra que « Palavras Não Falam » est la première chanson qu’elle ait écrite elle-même, avec un clavier Reggae et Soulfull soutenant la voix sans les efficaces cuivres de l’album, mais avec une agilité vocale m’évoquant Elis Regina sur les scintillements des claviers, et des percussions vocales rythmiques enfantines sur les sifflements des guitaristes en fond sonore.

Finalement c’était bien son amie la Capverdienne Mayra Andrade qui l'accompagne sur le titre « Beleza » de l’album, alors que je croyais à une ressemblance générationnelle. Cette chanson offre une belle montée vocale sur « Sensual, Fenomenal, Ritual d’Exaltaçaõ » colorée de motifs pop kitsch répété du synthétiseur, soutenant les soupirs solaires qui m’émurent aux larmes à ma première écoute dont les échos se prolongent jusqu’au final.

Suit un Samba, genre qu’elle dit les aimer beaucoup. C’est en effet l’amour de la samba comme « partie de l’essence brésilienne » qui a fait retourner Mariana Aydar au Brésil en 2006 «pour créer quelque chose qui partage cette expressivité.».

Elle chanta tout d’abord « Manhã Azul » , une samba-choro accompagnée par le guitariste au cavaquinho, une de ces sambas mélancoliques à la « Manhã De Carnaval » de Luiz Bonfa () dans « Ofeo Negro » de Michel Camus, d’après la pièce de Vinicius de Moraès sur la musique d’Antonio Carlos Jobim.

C'est une samba d’un de ces matins bleus de Saudade, cette nostalgie que les marins Portugais découvreurs du Brésil amenèrent avec le Fado où cette morgue se confond avec la douceur de vivre dans le bleu de l’aube lavée de pluie. Dans ce répertoire émouvant, Mariana Aydar fait penser à Elis Regina par sa justesse et la profondeur de l’émotion et l’allongement de certaines syllabes. Elle aimerait que nous comprenions les paroles. Nous aussi.

«Florindo » est une autre Samba accompagnée d’une flûte qui ouvre son nouveau disque, remplacée ici par l’accordéon du claviériste. L’âme brésilienne s’est toujours interrogée sur le pourquoi de la souffrance, de cette mélancolie, de la fuite du temps et de la perte des illusions mais a toujours su aussi rendre cette douce tristesse dansante sur un rythme de samba, comme si les larmes ne pouvaient empêcher les pieds de danser, trouvant par là-même le remède à la peine.

Suit un autre rythme Brésilien, le Xote, plus rapide, « Tà ?» interroge le nerf de la guerre et les mensonges des palabres, avec l’insolence et l’absurdité d’Elis Regina dans « Quaraquaqua (Vou Deitar E Roular) » dans son côté revendicatif.

L’arrangement est original, modernisé par un clavier minimaliste évoquant à la fois la désuétude d’un orgue joué de Barbarie par le bassiste et la modernité electro dans ses prolongements de claviers doublés par le percussionniste. Le talent de Mariana Aydar est de moderniser la musique Brésilienne sans en perdre l’essence.

Sur un tempo encore plus rapide et pop, « Pras Bandas De Là » de Duani évoque l’elasticité des allers-retours dans les voyages sur un arrangement pop. On pense à « Calcahnar De Aquilles » d’Elis Regina, quand elle cassait sa voix pour aller au bout des phrases sur un arrangement funky. Là encore, le clavier colore l’arrangement d’un océan kitsch acidulé avec les guitares.

Quelques roulements de batterie martiaux en breakbeat annoncent le titre éponyme du dernier disque « Peixes, Passaros, Pessoas » (http://www.youtube.com/watch?v=eI417D0Zg_A ) ( (Poissons, passagers et personnes) (http://www.youtube.com/watch?v=8XdFiqoLeqE ) , la plus inquiétante, la plus violente et aux arrangements les plus modernes, a la guitare quasiment Rock voire Hard dans son solo, qui finit en cri suraigu, chanté cambrée vers l’arrière, comme celui d’Elis Regina au –dessus des flûtes de « Zazueira » (http://www.youtube.com/watch?v=PTJBkmmUYyI ).

On comprend mieux à ses explications en anglais : « le texte est très fort : Nous vivons comme des poissons, passons comme des poissons dans la mer, et mourons comme des poissons étouffés dans un cri. »

Elle reprend ensuite un classique Vinicius De Moraès et Baden Powell, « Consolação », modernisée par un tempo drum’n’bass et de guitares funky avant le solo de percussions. Elle semble s’arrêter, est applaudie et reprend de plus belle.

Suit « O Samba Me Persegue », samba qu’elle a chantée sur l’album avec Zé Do Caroço sur l’album, avec une belle énergie de samba collective, et quelques pas de danse, comme Elis se renvoyant Sambas et Bossas avec Jair Rodrigues dans leur « Pot-pourri Do Morro ». Toutes deux sont de dignes descendantes de la Samba de rue, que Mariana a pratiquée avec Daniela Mercury au Carnaval de Bahia, et auraient pu défiler avec Carmen Miranda sur le rythme des mains du public et la batteria de Duani., même si Mariana Aydar et ses arrangements sont plus de la génération des Trio Electricos, du Rock et du Funk.

Dans le bis prolongé, il y eut encore « beaucoup de Sambas » et une reprise en français d’ »Un Deux Trois » de Camille dont elle partage la folie vocale de tout remettre en cause avec un naturel presquu'ethnique et une déconcertante modernité, pris sur un tempo medium puis accéléré en Rock.

Pour terminer un « Forro » avec Duani au tambourin, rythme du Nordeste. Les chanteuses de « Som Brasil » et danseuses de l’Association de Batucada « Orkhêstra » offrirent sur le bord de la scène le spectacle de leur jeu de jambes foudroyant.

Enfin, Mariana Aydar, qui nous avait fait penser à Elis Regina toute la durée de ce concert, offrit en dernier bis une reprise d’un de ses premiers succès, quand elle était elle aussi, en 1965, comme elle aujourd’hui, une jeune chanteuse qui monte, en interprétant « Menino Das Laranjas », qui n'avait certes pas les trois visages Jazz, Tango puis Blues à voix cassé final de la version d'Elis.

Bref, Mariana Aydar a montré à la fois son ancrage dans les traditions des musiques Brésiliennes et son indubitable modernité.

Jean Daniel BURKHARDT

Bob Dylan est le plus grand auteur-compositeur américain vivant et en activité de Folk, Blues, Protest-Song et Talking Blues dès 1962 (pour son second album The Freewheeling Bob Dylan, armé seulement de sa voix nasillarde, de sa guitare et de son harmonica), puis de Rock poétique (« Subterrean Homesick Blues », « Highway 61 Revisited » et « Blonde on Blonde ») et de chansons d’amour («She Belongs To Me », « I Want You») jusqu’à son accident de moto qui le fit se calmer et enregistrer des disques de Country (« John Wesley Harding », « Nashville Skyline ») puis plus Rock (« Planet Waves », « Before The Flood »), revint avec toutes les émotions qu’on aimait chez lui, ce mélange de tendresse et de colère dans « Blood On The Tracks » en 1975, puis sortit « Desire », devint chrétien (1979-1981), joua pour le G7 à Lyon en 1996 et continue de sortir des disques gentiment Country Blues Rock avec ses amis, se laissa pousser la moustache en 2001 pour « Love and Theft », sortit « Modern Times » et « Together Through Life » aux influences plus Country Bayou Cajun.

Rien que pour ce qu’il a fait jusqu’en 1968 ou 1975 il serait déjà le plus grand. Je suis né trop tard pour l’avoir suivi d’année en année mais il m’accompagne depuis une quinzaine d’années, m’a fait rêver et rire et il était au Zénith hier soir.

Première bonne surprise à l’entrée, en retard aux mots de : « …and I hope that you’ll die… » Il chante encore « Masters Of War », la meilleure protest-song de « The Freewheeling Bob Dylan » accusant les « Maîtres de la Guerre » en costumes cravates dans leurs bureaux et leur promettant de chanter sur leur tombe jusqu’à ce qu’il soit sort qu’ils soient morts!

L’a-t-il chantée quand il joua pour le G7 à Lyon en 1996 ? Je pensais à l’époque que les « Masters Of War » étaient le G7 et ça m’a beaucoup déçu d’entendre qu’il s’y produisait, mais je lui aurais pardonné s’il avait osé. Peut-être n'a-t-il accepté que pour la leur chanter en face?

Au moins la chante-t-il encore, ou j’avais tellement envie de le croire que j’ai eu une hallucination auditive.

Des gradins où je me trouve, on aperçoit sur scène quelques musiciens en chapeaux noirs, « men in black » en chemises blanches et cravates. Bob Dylan se permet une chemise rouge, un liséré mexicain rouge au pantalon, le visage élimé par les ans comme celui d’un loup et la voix toujours tranchante comme un rasoir (il n’a cessé de muer pendant sa carrière), est aux claviers, ne prendra la guitare que pour un titre, et joue toujours de l’harmonica dans son style inimitable, citant dans le final du second titre, extrait de « Modern Times », «It’s all over now, baby blue», extrait de « Bringing All Back Home » dans laquelle il abandonnait une fille, après avoir sur le même disque produit deux chansons d’amour magnifiques comme « She Belongs To Me » et « Love Minus Zero ».

Ses derniers Blues-rocks comme “Rollin’ And Tumblin’” (extrait de son avant-dernier album “Modern Times », hommage au film « Les Temps Modernes » de Charlie Chaplin) rappellent les quelques fameux qu’il a écrits pour « Blonde On Blonde » en 1966, narcotique comme “Leopard-skin pill- box -hat” qu’il a encore très bien joué sur scène en 2007,, ] amer sur ceux qui sont restés des Folkies comme “Absolutely Sweet Mary”, porté par un riff d’orgue roboratif « Swinging London » ou « Obvously 5 Believers » qui en valait bien deux ou trois concentrés.

Certes, on reconnaît aisément les riffs de « Sweet Home Chicago » du bluesman Robert Johnson qui vendit son âme au diable à un « Crossroad » et le «Mannish Boy » Muddy Waters qui inspirèrent la mode du Blues anglais des Yardbirds avec lesquels débutèrent Eric Clapton, Jeff Beck et Jimmy Page, qui, lors de sa tournée en Angleterre, lui donnèrent l’envie de faire du Blues Rock électrique avec leur version accélérée de son «I’m A Man».

Je crois reconnaître aussi la version en son «If you’re looking for troubles… » d’Elvis Presley, première idole de Dylan, lors de son retour télévisé en perfecto de cuir avec des cuivres. Notre Johnny national l’adaptera dans «La Bagarre ».

Bref, du Blues, du vrai, du viril, du noir, qui montre aussi que Dylan a passé quelques années dans le Rock et en a expérimenté les origines sur la route à ses débuts comme ses pionniers noirs en allant visiter son idole Folk Woody Guthrie, dédicataire de l’une de ses premières chansons () à l’hôpital de New York, après avoir lu son autobiographie « Bound For Glory » et participa à une séance de Big Joe Williams…

Dans les notes de « Freewheeling Bob Dylan », il déclarait à propos de «Down The Highway » qu’il la tenait de lui et « Bob Dylan’s Blues », un Blues de sa composition, que pour beaucoup de musiciens blancs, le Blues était l’expression de la souffrance noire à acquérir, alors que pour les pionniers noirs, c’était justement le dépassement, l’exorcisme de la souffrance et de conditions de vie difficiles, ce qui montre sa lucidité sociale et raciale. L’accent particulier est toujours là, traînant, le timbre nasillard, dont il usait sur scène pour avoir l’air d’avoir plus encore roulé sa bosse dans les clubs Folks avant le solo d’harmonica.

La voix est plus cassée, mais hurle encore avec les loups. Je préfère ces emprunts au Blues collectif passé dans le domaine public de la poussière des routes à celle des scènes qu’il a mérité par sa carrière à celui qu’il fit dans « Love & Theft » de « Gloomy Sunday » de Billie Holiday en changeant le texte et signant Bob Dylan. Son ingratitude opportuniste fait partie de sa légende : sur son premier album « Bob Dylan », il avait enregistré et signé «House Of The Rising Sun», ballade populaire de New Orleans déjà interprétée par Guthrie (http://www.youtube.com/watch?v=POQJUv_ebZo ) et le bluesman noir Leadbelly (http://www.youtube.com/watch?v=y5tOpyipNJs&feature=related ) que le chanteur Folk Phil Ochs, qui l’hébergeait et assurait sa subsistance, réservait à son come-back, et qui eut le succès que l’on sait par la version anglaise des Animals d’Eric Burdon, puis française sous le titre « Les Portes Du Pénitencier» par Johnny Halliday.

Dans les thèmes, on peut rêver de ses anciennes chansons à l’écoute des nouvelles : des histoires de femmes emprisonnées par leurs parents dont la mère renvoie les invitations, leur père arguant de leur fatigue d’avoir perdu « tous leurs soldats en batailles ou en vain » aux fenêtres desquelles il chante sa sérénade comme dans «Queen Jane Approximately» sur “Highway 61”, son album le plus Rock, avec le Bluesman électrique Michael Bloomfield.

Même dans le cynisme, le sarcasme de Dylan, il y a encore de la compassion pour l’autre, l’espoir de le voir évoluer, presque, quand il s’agit de femmes, de la tendresse… Les femmes lui ont toujours inspirée ses plus belles chansons d’amour, depuis « Girl Of the North Country », apprise d’un chanteur Texan et dédiée à Echo, sa petite amie laissée à Dulluth, sa ville natale. Mais si elles essaient de l’enfermer, il s’enfuit d’un « Don’t Think Twice, It’s All Right », alors qu'il venait de s'installer à New York dans Greenwich Village avec sa petite amie Suze Rotolo, jolie étudiante qui le politisa et qu'on voit avec lui sur la pochette de "Freewheeling Bob Dylan" avec lui .

Cette tendresse protectrice à leur envoyer ses meilleurs souvenirs et même ses excuses nostalgiques par personne interposée, on la retrouverait jusque sur « Blood On The Tracks » dans « If You See Her Say Hello », pour une inconnue qui « devait être à Tanger », ayant suivi les Rolling Stones pour prendre « un Thé au Saharah » avec Paul Bowles sur la route de Katmandou. Dylan devait déclarer à une journaliste enthousiaste qu’il « ne voit vraiment pas comment on peut aimer expérimenter des sentiments tels que ceux exprimés dans « Blood on The Tracks » ». peut-être voulait-il dire que l’origine de cette beauté, de cette émotion retrouvée, était sa souffrance lors de son divorce avec Sara Gowns, la perte de leurs enfants, qui ne sont pas enviables…

Dans sa nouvelle chanson “Levee’s Gonna Break” (http://www.youtube.com/watch?v=B-dgmpMfD3g ), on peut retrouver un peu « Blood On The Tracks », un côté « Meet Me In The Morning » avec le Band. En fait on peut toujours se faire son PROPRE concert, sa propre PLAYLIST favorite des anciennes chansons sur les nouvelles. Dylan n’est pas un juke-box de plus de trente ans…On a quand même l’impression d’entendre Dire Straits, qu’on aime infiniment moins que Dylan, même si le guitariste est bon, entre Mike Bloomfield et Robbie Robertson du Band.

Derrière moi, une fille réclame « Hurricane », protest-song écrite par Dylan pour son album « Desire » fin 1975 pour la libération du boxeur noir emprisonné Hurricane Carter dont l’autobiographie l’avait touché, qui fut libéré peu après.

Sur le même disque, « Joey »offrait les derniers hommages à Joey Gallo, un Maffioso notoire, assassiné dans la rue, qui détestait le Rock, ce qui est plus discutable, et lui fut reproché.

Faudra-t-il le traiter de Judas pour mériter le « How Does It Feel ? » de « Like A Rolling Stone » comme les Folkies qui le huèrent à Newport en 1965 ()? En 1968, lorsque partout s’allumèrent des Révolutions qu’il prêchait depuis six ans, avec ses chansons en toile de fond, Dylan se relevait d’un accident de moto dans son ranch de Woodstock, qui au moins calma sa vie de fêtes, scènes, mauvais sommeil, alcool et pilules pour tenir inspirant les images de « Blonde On Blonde ».

Les jeunes avaient mis des années pour agir, étaient en retard, lui en avance. Lui faisait de la Country avec « John Wesley Harding » , si l’on excepte la distance ironique d’ «All Along The Watchtower » dans « John Wesley Harding » regardant de sa tour d’ivoire Princes et Fous évoluer avec une indifférence à la « De La Nature » de Lucrèce et «Ballad Of Frankie Lee & Judas Priest » à la rythmique intéressante.

Sommes-nous coupable de n’avoir pas su le suivre plus loin que 1976 ? Même si cette fille au moi-même ne le connaissions pas alors, nés trop tard pour avoir suivi sa carrière aux différents âges de nos vies respectives. Cela fait tout de même quinze ans que ses chansons de 1962-1976 m’accompagnent. Avec elles, j’ai rêvé, ri, espéré, été ému comme à l’époque, jusqu’à en oublier souvent la mienne à force de préférer celle des années 60/70s.

Il faut dire que sa période chrétienne (1979-1981) ne donnait pas envie de le suivre, lui qui avait écrit en 1964 « With God On Our Side», dénonciation de l’Amérique puritaine justifiant par Dieu le massacre des indiens, les guerres contre l’Allemagne, vite pardonnée, certes, mais bientôt la Guerre Froide contre les Russes, mais laissait au public le soin de juger « si Judas Iscariote avait Dieu de son côté »!

De cette période, on a cru reconnaître « Slow Train Coming », qui n’est pas la pire, avec « Knock Knock Knocking On Heavens’Door ». On peut préférer l'émotion de la quête et de la conversion les doutes du pêcheur aux certitudes du croyant. Ces chansons comme "You Gotta Serve Somebody" prenaient toute leur dimension avec les choeurs du Greatful Dead sur scène.

J’apprécie néanmoins la voix de prêcheur maléfique qu’il en a gardé…

Evidemment, lui chante ses meilleures chansons depuis 30/40 ans, à un public qui a de moins en moins vécu partagé avec lui l’époque de folie et d’insouciance qui les inspirait. Il a eu tout le temps de s’en lasser, et a bien dû continuer de sortir des disques pour sa maison de disques, et pour survivre, évoluer toujours et encore.

Quelquefois, certains accords de guitare Folk d’une nouvelle chanson comme «Thunder On The Mountain » rappellent ceux de la « Ballad of Hollis Brown », sur un pauvre fermier qui tua femme et enfants poussé par la misère, mais se terminant sur une note moins sombre « Il y a sept personnes mortes dans une ferme de Dakota du Sud/ Quelque part au loin, il y a sept personnes qui naissent » comme certains mots qui reviennent qu’on retrouve, montrant l’engagement antimilitariste de Dylan quand les « fast bullet fly », que ce soit au Viet-Nam ou aujourd’hui en Irak, je suppose.

« Tweedle-Dee & Tweedle-Dum » extrait de « Love & Theft », si l’on ne regarde pas sa moustache à la Gable en Rhet Butler, n’est pas si loin musicalement de « Highway 61 Revisited » pour les cascades guitaristiques, et le batteur frappe même méchamment sur ses fûts.

Finalement, la place la plus enviable de ce Zénith est debout sautillant dans la nasse dansante des premiers rangs debout mais il faudrait se frayer un chemin à la machette à travers la foule compacte, pas sur ces gradins d’où l’on ne voit pas grand-chose! J’aurais pu lui glisser ma lettre de remerciement de 20 pages! Ce n’est plus de la musique mais du parcage cher payé!

Soudain un tempo lent, entre Rock et Reggae ( il en a enregistré un, « Jokerman », au sortir de sa période chrétienne) condamnant les menteurs de tous poils.

Mais… Mon Dieu ! NOÔON! Il nous massacre «Highway 61 Revisited », sa chanson la plus rapide, la plus Rock où Dieu, Caïn, Abel et Compagnie encombraient l’Autoroute 61! Il ne tient plus le tempo, et ces fins de refrains en « Highway Sixty-OooÔne » sont vraiment agaçants, comme s’il essayait de remplacer le kazoo-sirène de police en WIIIIZ de l’original, mais si le gyrophare avait usé ses piles fatiguées en quarante ans.

L’autoroute s’est étendue, allongée jusqu’au Mexique. L’écologie ne s’est pas améliorée non plus, et cette décharge / embouteillage de pourritures physiques et morales doit crouler sous les immondices! Dieu ne menace plus Abel : « La prochaine fois que tu me verras arriver, tu ferais mieux de courir!» sur sa Harley Davidson et ne fait même plus peur : il est trop vieux et prend la diligence!

Et son solo de clavier rajoute à l’insatisfaction. Il est meilleur guitariste, que diable !

Il y a crime de lèse-majesté, mais comme c’est Bob le roi et créateur de Bob…

Surtout que Dylan a montré jusque là qu’il PEUT encore jouer fort, vite et Rock, sur ses nouvelles chansons, alors pourquoi ralentir celle-ci qu’on aime davantage! Pour s’en/nous en dégoûter peut-être, aller de l’avant et ne plus jouer ces vieilles lunes comme il y a quarante ans, comme Miles Davis massacrant les standards au Plugged Nickel pour s’en défaire et passer au Rock? Manu Chao réarrange aussi "Malavida" de sa Mano Negra, mais avec des beats plus lourds, plus forts à défaut de cuivres, pas en ralentissant le tempo!

« …Ah !!!» crie quelqu’un, le traitant de Judas? Cette fois, j’approuverais!

Soudain, un dais d’étoiles blanches de pacotilles revêt la scène de ses lueurs, comme sur la pochette de « Before The Flood » , tournée de « Planet Waves » avec le Band, en 1974. On y avait justement dit qu’il chantait de façon ironique, méprisante envers le public, amère, mais par là même Rock en se moquant de lui, et content de malmener ses vieilles chansons par cette énergie acide. D’ailleurs ce n’étaient pas que des étoiles blanches mais la chaleur fauve des lueurs de briquets dans la nuit comme autant de wigwams, de feux de camp et de joie en son honneur. Justement il l’avait de manière encore rageuse quoique Country - Rock et traînante, « Highway 61 » ().

Là, pas un briquet n’allume sa flamme quand il nous chante « Just Like A Woman », l’une de ses plus touchantes chansons d’amour de « Blonde On Blonde », sur « Queen Mary » qui fait tout comme une femme mais qui «casse comme une petite fille », qu’il avait chantée sur « Before The Flood » de manière émouvante. Mais ici, dans cette version trop lente et hachée, le tempo est absurdement dédoublé, comme si Dylan marquait le pas, mâchant ses mots, semblant volontairement en retard sur l’orchestre , parlant en talk-over plus que chantant sur de la Country trop sage, à la traîne avec son orgue poussif.

Ralentir les Rocks, dédoubler le tempo des ballades déjà lentes, Bob Dylan ne ménage pas notre nostalgie de ses disques, ces chansons qui ont fait sa légende, pour lesquelles on l’a tant aimé.

Mais peut-on lui demander de rejouer ces vieux titres « comme sur les disques », qui ont plus de quarante ans, donc dans son cas de les chanter de la même manière depuis quatre décennies, ce qui doit être lassant, le dégoûter de ses propres chansons. Mais qu’il respecte au moins notre nostalgie en ne les massacrant pas!

Finalement, Dylan avait déjà proposé, sur « Planet Waves », en 1974, avec le Band, deux versions de « Forever Young » : une lente /medium sur une guitare mexicanisante au tempo parfait, l’autre trop rapide, plus courte, comme une blague, un clin d’oeil ou un essai en Rock, un lifting express en quelque sorte, plutôt amusant, reprise en remix rap pour une boisson gazeuse. La question n’est pas de ne pas toucher à ce qu’aimait, mais de ne pas en dégoûter le public, de le lui faire aimer autrement.

Je préfère finalement l’entendre jouer ses nouvelles chansons COMME les anciennes à l’entendre massacrer mes souvenirs nostalgiques de ses chansons qui m’ont fait tant l’aimer.

Voilà enfin « Like A Rolling Stone », chanson cruelle et cynique sur les Folkies et ceux qui n’ont pas su suivre le vent qui tourne de son virage Rock, puis, le temps lui donnant raison, se retrouvent « Comme une pierre qui roule, un parfait inconnu sans direction », sortie en single entre « Bringing All Back Home » et « Highway 61 Revisited », pour laquelle il avait appelé Mike Bloomfield qui s’acheta sa première fender neuve.

Mais là encore, elle est ralentie, croonée, puis s’enraye au refrain, prolonge la fin des phrases avec ce débit qu’il a perdu. Aujourd’hui ne serait-ce pas à nous de la lui chanter ?

Ou peut-être suis-je trop loin de lui sur ce gradin en ce Zénith, et le son met du temps à parcourir l’espace et des centaines d’oreilles jusqu’à nous?

On comprend mieux le texte à ce tempo-là, qui laisse le temps de le saisir, mais je préférais en grappiller quelques mots à la diable que je chantais avec lui en fin de vers sur le tempo slow Rock original, porté par l’excitation et la cruauté de la charge.

Et si son débit avait mué, comme sa voix plusieurs fois dans sa carrière?

Fera-t-il un rappel ou nous la jouera-t-il à la Brel, refusant cette compromission au public ? Ça se remue sur scène dans les lueurs bleues du light show qui certes ne fera jamais oublier ceux psychédéliques des années 70s au Fillmore East, mais l’époque n’y est plus non plus et Dieu sait que je le regrette.

Voilà «All Along ( ) The Watchtower », peut-être la première chanson où il prenait de la distance envers ses engagements, préfigurant sa période chrétienne, jouée sous le regard tracé blanc sur fond noir d’un œil de Dieu Cyclopéen, entouré de flammes et de griffes en triskells formant une couronne de diadème au-dessus de lui. Le problème c’est que ce genre de motifs sont tellement passés dans la mode des survêtements avec le graf qu’ils sont dénaturés. Et puis aussi que son Dieu nous IMPOSE quelque chose, contrairement aux seules couleurs de jadis colorant les danseurs et musiciens.

Sommes-nous des Caïns pour nous culpabiliser de la sorte ?

Suit la chanson Country « Beyond The Horizon» la plus gaie de « Modern Times », on pense à la manière insouciante de « Peggy Day », mais on peut lui préfèrer sur ce « Nashville Skyline », son album le plus Country enregistré à la capitale du genre « Lay, Lady Lay » ( ) comme chanson d’amour ou les remords de culpabilité d’« I Threw It All Away » ou même la reprise avec Johnny Cash de sa « Girl Of The North Country » aux envolées finales magnifiques.

Un album certes pas très Rock, mais émouvant, et qui si l’on passe sur la gêne d’entendre de la Country, ouvrit sa popularité au grand public américain, aux routiers et aux cow-boys, même si aux Eatats-Unis, cet électorat était souvent de droite, raciste et réactionnaire, donc opposé aux idées de Dylan à ses débuts…

Sous l’œil unique du Serpent à Plumes sourcillant d’éclairs, il enchaîne avec une autre chanson récente énonçant ses griefs contre une femme à la manière mais sans les cuivres en fanfare de « Most Likely You’ll Go Your Way And I’ll Go Mine » dans « Blonde On Blonde » qu’il a remixée / reprise avec humour avec de nouveaux cuivres en 2007 en se mettant en scène hier et aujourd’hui avec des images de sa carrière dans le clip.

Il a toute sa vie alterné caresses et coups de griffe, et c’est pour cela qu’il nous émeut et nous fait rire à la fois, qu’on l’aime autant, même aujourd’hui, envers et contre tout, tous et même souvent contre lui-même… Lui -même s'est décrit un jour comme un "trapéziste".

Il l’a dit lui-même, nous ne sommes que des pions dans leur jeu, depuis « A Pawn In Their Game », dénonçant non seulement les assassins de Kennedy et Martin Luther King, les soldats et les policiers, mais le jeu politique dont ils n’étaient que des pions, preuve d’une grande lucidité politique.

Qui est le pion, aujourd’hui ? Lui, celui de sa trop longue carrière, de sa maison de disque, ou nous de nos souvenirs, de nos irrémédiables nostalgies auxquelles nous le voudrions fidèle malgré le temps qui passe?

A la fin du concert, la zone commerciale du Zénith était un cirque Barnum absurde et cher payé de produits dérivés : T-shirts cyclopéens, photos et posters de toutes époques, programmes et affiches du concert, plus que ses disques même récents, d’ailleurs., ou ses propres peintures, plus difficiles à trouver.

Au bas de « Highway 61 Revisited », passée l’autoroute et ses embouteillages accumulés en décharge, on aborde « Desolation Row », cirque où se produisaient Casanova, Cendrillon, Robin Des Bois et le Bon Samaritain, mythes occidentaux ( ), mais si ridiculisés, happés par la réalité américaine d’ambulances et de drogues que le cirque ressemble aux neuf cercles de l’ Enfer…

Tout y était déjà, vous dis-je, lui l’a toujours su, nous étions bien bêtes de croire trouver un message qu’il ne voulut jamais nous délivrer! "Ne Suivez pas les leaders et regarde le parcmètre" (Subterranean Homesick Blues)

Reste le plaisir doux-amer de l’avoir vu en personne même de très loin, la nostalgie de voir que le temps a passé, même pour moi, alors j’imagine pour lui et ceux de sa génération… Ça valait bien mon article le plus long pour ses quarante ans de carrière…

Jean Daniel BURKHARDT

Ce dimanche 12 avril, le Hi-Fly Orchestra , groupe acoustique Jazz-Funk-Latino de Munich était invité en concert par G-Phil qui nous régale depuis quelques mois de ses soirées à entrée gratuite COLORS au Rafiot tous les premiers jeudis du mois (prochaine avec DOMU en guest le jeudi 7 mai jusqu’à 7 h du matin, car veille de fête )., avec une sélection d’instrus Funk, Groove & Latin de DJ No Stress en apéritif digne du Swinging London.

Le Hi-Fly Orchestra se compose de deux cuivres : Florian Riedl (sax, flute), fondateur du groupe en 2005 et Johannes Herrlich (trombone), Christian Gall au fender rhodes, Jerker Kluge à la basse, Hajo von Hadln à la batterie, et Norbert Küpper aux percussions latines.

Dès l’entrée de « Mrs. Shing-A-Ling »extrait de leur dernier album «Mambo Atomico », les deux cuivres sont funkys sur la rondeur groovy du fender rhodes et le tempo latin de la batterie et des percussions. Le solo de saxophone se place dans la lignée de Wayne Shorter période Blue Note funky (on pense à « Cantaloupe Island » d’Herbie Hancock repris en Hip Hop par US 3 avec des traits d’improvisation à la Charlie Parker révélant un grand improvisateur Jazz, ce qui est rare dans le groove, plus voué aux effets rythmiques.

Le trombone aussi se montre langoureux sur cette samba groovy, alors que le saxo assure la cowell et la contrebasse jazze avec le fender rhodes. On voit déjà le bon son d’ensemble et le groove collectif jusqu’aux derniers riffs.

Ils poursuivent avec de bons riffs à l’unisson du saxo avec le trombone et les percussions brésiliennes le soutenant d’une baguette, tandis que le trombone rappelle celui très funky du suédois Nils « Red Horn » Landgren et son Funk Unit, riffe à lui tout seul en stop-time, puis avec le saxophone qui prend son solo sur le fender rhodes au son pur Swinging London et même faire les voix féminines à la Brazil 66 de Sergio Mendes dans ses touches avant les riffs finaux.

C’est incroyable qu’il existe encore des groupes aussi bons, capables de hausser l’arrangement acoustique à cette irrésistible énergie par la seule force du groove.

Le troisième titre est plus rythmé par les claquements de mains du public déjà conquis avec les musiciens. Le saxophone est plus cool sur le fender rhodes soulfull dans ses rebonds d’une note à l’autre. Le solo de saxophone finit en cri free suivi d’un riff à l’ancienne préludant au solo de trombone. Ce sont de grands Jazzmen, capables de passer du lyrique au roboratif, force rythmique et d’improvisation.

Ils reviennent de Bruxelles par Paris et continuent avec le titre éponyme de leur dernier album « Mambo Atomico », au bons cuivres Mambo, le piano bien au fond des touches sur la basse funky et les percussions. Les musiciens funky sont des rythmiciens, rarement aussi de grands improvisateurs de Jazz comme ce saxophoniste. Mais le groupe lui en laisse aussi l’espace en maintenant la ferveur du soutien funky de la danse.

Le trombone aussi est un bon improvisateur sur la cowbell du saxophone sur les breaks de la rythmique, percussions et batterie se complétant dans leurs effets et improvisant ensemble.

Suit une « Samba » ( ) en ballade où le saxophone prend une flûte très lente, jouant seul une mélodie bouleversante avec le trombone flottant en fond sonore, puis plus rythmé par l’entrée de la rythmique en gardant cette mélodie. C’est aussi à la fois beau lyriquement et groovy rythmiquement que du Lalo Schifrin dans « Bossa Nova Groove » avec Léo Wright à la flûte, ce rythme samba léger et ce piano fou qui accélère le rythme irrésistiblement jusqu’à la fin, et le miracle de nous faire passer de la mélancolie à la joie délirante de la fin très rapide.

Suit leur « Hi Fly Stomp » au piano bien Boogie-Woogie groovy et aux cuivres taxiphonant des riffs comme dans une poursuite d’un vieux film polar en noir et blanc sur un rythme latin de la clave, entremêlant en chase leurs improvisations Bop avec dextérité sur les cymbales de la batterie et ses breaks sur un tempo très rapide.

C’est fou de déployer toute cette énergie en cette ère électronique par des moyens 100% Live et acoustiques, et de voir que ça peut encore faire danser les gens en mettant du nouveau vin groove dans les vieilles bouteilles du Jazz…

Suit « Samboogaloo », mélange de Samba dans la rythmique et de Boogaloo (Rythm’N’Blues Latin du Barrio) dans les unissons des cuivres, et le fender rhodes fait rouler ses vagues noires et blanches sur la clave, l’ensemble et son jeu collectif restant d’une irrésistible efficacité pour la danse.

Suit leur version très personnelle du « Crosstown Traffic » de Jimi Hendrix avec plus de cuivres et le public chantant à l’unisson, le trombone puis le saxo improvisant sur le thème entre deux riffs et quelques chases jusqu’aux cris. On ne dira jamais assez combien les compositions d’Hendrix gagnent à être reprises par autre chose que des seules guitares.

En bis, « Gettin’ Down », un autre thème rappelant le « Cantaloupe Island » d’Herbie Hancock repris par US 3 en Hip Hop, dont leur reprise montre qu’elle n’avait pas besoin de ça.

Sur le second Bis, plus latin, on croit entendre Chucho Valdès au fender rhodes entouré des premiers cuivres historiques d’Irakere, Arturo Sandoval et Paquito D’Rivera.

Bref, je ne savais qu’il existait encore un groupe aussi agréable et puissant, Jazz, Funky et Latin, capable de partager une joie musicale que je pensais disparue de la scène actuelle!

La soirée se termina avec un mix Funky de Tobias Kirmayer.

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir dimanche 5 avril, le trio de Brad Mehldau se produisait à la Salle des Fêtes de Schiltigheim. Né en 1970, le pianiste Brad Mehldau a commencé par le piano classique, puis le Rock et le Jazz dans le Connecticut, avant de remporter le prix de la Berklee School Of Music, et de suivre l’enseignement de Fred Hersch et Kenny Werner pour la composition. On le découvre au début des années 90s avec Joshua Redman sur le disque « Moodswings », puis sur son propre nom avec son trio constitué de Larry Grenadier à la contrebasse et de l’espagnol Jorge Rossy, remplacé en 2005 par Jeff Ballard, batteur de Chick Corea rencontré comme sideman avec Joshua Redman et Kurt Rosenwinkel, avec lequel il a enregistré à ce jour « Day Is Done », puis un double - Live au Village Vanguard. Brad Mehldau remporte partout un succès de Rock-Star, et reprend d’ailleurs parfois des morceaux pop de Radiohead ou même « Wonderwall » d’Oasis, voire « Black Hole Sun » de Soundgarden.

Le début est lent, avec la contrebasse en contrepoint à la Scott La Faro (référence obligée à Bill Evans qui inspira contre elle à Mehldau des pages entières de liner notes à ses débuts, la considérant comme une référence plus raciale que musicale appliquée à un trio de jazzmen blancs. Il faut dire qu’en terme de déficit d’image, la raie et les lunettes d’un Bill Evans ne sont pas très enviables, mais ne doivent pas faire oublier sa musique, sa barbe d’homme des bois et ses habitudes narcotiques sur ses vieux jours …) et la batterie constamment sur la charley, tom et cymbale. Puis les phrases de Mehldau évoluent à la Keith Jarrett à Köln.

Grenadier est le pilier, Ballard le moteur du trio, Mehldau en trace les lignes, les contours des phrases de l’un à l’autre. Il est clair que Ballard ajoute, comme dans la formation « Elastic » de Joshua Redman du groove, du drive, une énergie dépassant le Jazz stricto sensu, tout en pouvant aussi en suivre les codes, si on le compare à Jorge Rossy, plus Jazz.

Suit un titre plus rythmé, plus Bop, la contrebasse plus en avant, montrant une grande complicité avec Ballard, plus ethnique, qui joue, en percussionniste, des toms à mains nues, et d’un petit tambourin à clochettes sur tréteau ajouté à sa batterie, ce qui donne une couleur caraïbe, orientale à l’ensemble. C’est une ouverture pour le Jazz que d’être Jazz mais pas que.

Le tempo se fait Brésilien.

Avec ce nouveau trio, Brad Mehldau a d’ailleurs composé quelques bonnes ballades bossa sur ce modèle, comme « Turtle Town » pour « Day is Done » ou « Secret Beach » pour le Live au Village Vanguard. Plage secrète, privée, intime, qui nous invite à la chercher en nous-même, à plonger dans ces émotions pures et les nôtres, en apnée ou à la recherche de petits riffs d’ »A Love Supreme » de Coltrane qui y sont immergés, et nous portent à la douce rêverie d’une sérénité hors du monde troublé du week-end de l’OTAN qui s’est terminé la veille.

« No Politics, tonight » prévient Brad Mehldau.

Le trio se cherche pour le plaisir de ne PAS se trouver, ou de se trouver ailleurs, autrement, où on ne l’attendrait pas, comme les vagues et la marée, les instruments passent du premier au second, au troisième plan.

Finalement c’était « Samba De Grande Amor » de Chico Buarque, dont le trio avait déjà accéléré/ralenti infiniment le « O Que Sera ».

Suit un blues rapide, à la Thélonious Monk des meilleurs jours, sans la bizarrerie ou l’obscurité qui était parfois la sienne, la difficulté de certaines de ses compositions, juste amusant et bonhomme, clair et limpide, avec des accélérations parfois à la manière de son ami Bud Powell en moins tourmenté, un Bud Powell qui aurait échappé à l’expression physique du mot Be-Bop à 18 ans («bruits de la matraque d’un flic raciste sur la tête d’un noir », dixit Dizzy Gillespie, ou d'un manifestant altermondialiste pacfique, s'ils savaient qui était Bud Powell). Le trio modernise agréablement ces formes anciennes, un peu à la manière de celui de Jason Moran, par des éléments portés à une intensité groove, rock voire drum’n’bass par Jeff Ballard.

Un autre Blues plus à l’ancienne, plus enlevé me fait penser au « Vieux Piano d’la page » chanté par Charles Trénet qui s’éveille le week-end pour faire danser la jeunesse qui le regrettera toujours, et il le sait, ce brigand, les faisant de la joie à la nostalgie. Ah si le monde avait continué ainsi éternellement, avec des trios à la Nat King Cole, l’innocence harmonique et les phrases allègres d’un Ahmad Jamal, sans rap, sans techno. N’aurait-elle pas été plus heureuse, cette jeunesse? passerJe l’ignore, je suis déjà né trop tard. Le problème aussi, cher Monsieur Charles, c’est qu’ils n’étaient pas pour tout le monde, le piano, la plage et leur insouciance…

Mais justement, le génie de Brad Mehldau c’est de nous montrer qu’un trio de Jazz aujourd’hui peut être actuel en restant Jazz, jouer de la pop, du Jazz façon electro ou des standards, bref être, aussi, encore, de son temps…

Justement, dans le titre suivant, à la manière de « Day Is Done » , ou « Knives Out », le trio se fait presque electro, avec Jeff Ballard en drum’n’bass, à la fois mécanique, presque robotique, machinale dans sa constance et organique, humaine car toujours à l’affût de l’improvisation une contrebasse aux lignes claires et limpides, bien fichée entre lui et le piano, avec un son de groupe à la E.S.T., trio du défunt pianiste suédois Esbjörn Svensson mort d’un accident de plongée dans la baie de Stockholm l’été dernier, ceci tout en gardant un son acoustique, sans leurs violences finales Rock d’EST parfois. Pour ceux qui aimaient cela, la formule a été reprise avec fender rhodes et samples par le trio EOL des frères Girard qui vient de sortir un Live au Canada. Chez Brad Mehldau, on retrouve ces réitérations, ce talent dramatique des histoires sans paroles, des précipités de Jean-Sébastien Bach dans les variations Goldberg, et une modernité à la Satie.

Alors, plus Jazz du tout, Brad Mehldau? Et les standards alors, me direz-vous ? Brad Mehldau nous en réservait un fameux, qu’on lui connaissait moins que ceux de Guershwin, « Isn’t this a Lovely Day ? », immortalisé par Ella Fitzgerald et Louis Armstrong, le genre de chansons qui vous donnent envie de vous promener main dans la main un jour de printemps ou d’en faire un beau jour de tous les jours même en automne quand la pluie tombe et nous prend par surprise… Une personne s’en souvenait après le concert.

Brad Mehldau l’a jouée intro et thème telle quelle pendant quelques minutes, débonnaire et romantique, mais c’était un peu trop simple pour ce fan de philosophie de jouer JUSTE un standard tel quel, même merveilleusement. Un peu trop convenu. Il fallait qu’il relève la chose d’un doux sadisme musical qui est sa part obscure…

On a bientôt vu poindre à l’horizon de ce joli jour de pluie la nuit d’une autre phrase «We won’t say goodnight until the last minute », extraite de «For All We Know », chantée par Billie Holiday avec les violons de l’orchestre de Ray Ellis et ses chœurs dans « Lady In Satin », la moins désespérée de son dernier disque en forme de chant du cygne avec le filet de voix d’une voix brisée interprétant «le hit-parade du club des suicidés. Toutes les chansons n’étaient pas mélancoliques, cela dit : pour apporter de la diversité, ils en avaient retenu certaines de carrément lugubres », lui fait dire Alain Gerber ( le plus grand écrivain du Jazz vivant, on ne le dira jamais assez, surtout maintenant qu’on ne peut plus l’entendre sur France Culture ou dans « Le Jazz est un roman » sur France Musique !)dans son roman « Lady Day, histoire d’amours ». Elle enregistra encore un « Last Recordings » posthume, plus swing, comme si elle avait eu le temps de vieillir, enregistrant même quelques chansons qu’elle n’avait jamais chantées, mais sans ce tragique, cette urgence, comme déjà au-delà de toute souffrance, de toute fatalité, passée de l’autre côté…

C’était encore un peu trop gai encore, il y faisait encore trop jour dans ce crépuscule de satin mauve, Brad Mehldau continua ce « Lovely Day » et cette nuit sans « goodbye » en solo, à la Chopin, en Nocturne à la Debussy, sublime, mais il nous avait quand même fait passer du sourire aux larmes. Pour me venger un peu, je dirais que c'est dans cette attitude d'autisme parallèle au clavier que Mehldau fait le plus penser à Bell Evans...

Mais tout cela n’est qu’un jeu, une pose de l’artiste, un masque du saltimbanque qui rit ou pleure à loisir, comme l’expliquait la dernière Diva du Jazz Helen Merrill dans la pochette de son disque « No Tears, No Goodbyes » avec Gordon Beck, reprenant la phrase de Flaubert «Madame Bovary, c’est moi ». Un jazzman est multiple comme toutes les émotions qu’il nous inspire.

Mais faire changer le public de sentiment, pour cet art du sentiment instantané, furtif, mélancolie et joie toujours mêlés, c’est l’apanage, le privilège des plus grands musiciens depuis Ziriab, créateur des « noubas » arabo-andalouses au IXème siècle et ce Calife de Cordoue qui promettait une bourse d’or assurant une vie de musique sans souci financier au musicien capable de capter son sentiment et de l’en faire changer… Pour ce seul moment miraculeux, Brad Mehldau aurait mérité cette récompense…

Après trois bis, dont un Hard-Bop sur « Airegin » composé par Sonny Rollins pour l’indépendance du Nigeria, avec solo de batterie -moteur d’avion s’envolant de Jeff Ballard, et un dernier faussement triste mais finalement gai par cette politesse du désespoir de ne pas nous laisser sur la seule tristesse qu’il partage Billie Holiday, le trio quitta la scène, nous laissant à la fois, successivement ou individuellement émus enchantés, ravis, surpris ou indécis… Il y en aura eu pour tous ses goûts, du classique au Jazz, au Blues au Brazil, au presque electro, par un trio piano basse batterie classique mais actuel… Allez voir Brad Mehldau : ce ne sera jamais pareil.

Jean Daniel BURKHARDT