radiojd

La libération des noirs américains par l’obtention des Droits Civiques et donc de leur musique donna lieu à la fureur du Free Jazz, mais aussi dans les années 70s, à un courant plus Jazz Soul, Peace & Love, idéaliste de cette tendance libertaire, assumant à fond le côté funky et groovy, la Soul autant que le Jazz, et même les influences Africaines, toutes les facettes de la Great Black Music héritées du Jazz et de ses dérivés. Né à Detroit dans les années 70s, Tribe est un collectif né au lendemain du happening "An Evening With The Devil" alliant Danse, Poésie et Musique par le saxophoniste Wendell Harrison et le tromboniste Phil Ranelin, puis le trompettiste Marcus Belgrave, le pianiste Harold McKinne et le batteur Doug Hammond et fondèrent le label du même nom, mais se séparèrent en 1976.

Mais c’était compter sans Carl Craig, l’un des fondateurs de la Techno de Detroit, qui reforme le collectif en 2007 et produit en 2009 leur nouvel album, « Rebirth » (RENAISSANCE).

A Detroit, un génération sauve l’autre.

Chronique de l'album par mes soins à lire sur "drum_bass.net".

Vous y trouverez également d'autres chroniques de ma plume sur le dernier JimiTenor & Tony Allen, Karimouche, Panama 3, GHANA SPECIAL, etc...

Jean Daniel BURKHARDT

Né en 1966, Diego Imbert a été le contrebassiste de Sylvain et accompagne Biréli Lagrène. On l’a entendu il y a un an avec le projet « African Tribute To Art Blakey » avec le trompettiste Alex Tassel, membre de son quartet ce soir, comprenant aussi l’excellent saxophoniste Israélien David El Malek ) sur la droite et à l’arrière Franck Agulhon à la batterie (découverts dans le Pierre De Bethmann « Lithium » Quintet).

L’album de Diego Imbert «A l’ombre du saule pleureur », écrit pour ce quartet sans instrument mélodique, mais aux riches fonds sonores des deux souffleurs à l’unisson, est une des meilleures surprises de l’année 2009, peut-être son plus beau disque de Jazz, car pour un premier album , il sublime l’improvisation par des compositions sublimes Bop/Cool ou Hard Bop.

Quelques échanges de saxophone et trompette annoncent des coulisses l’arrivée des musiciens, puis entrent Agulhon et Imbert, chemises noires, Alex Tassel au bugle, chemise psychédélique colorée (il en portait déjà une avec Franck Avitabile au Strasbourg Jazz Festival il y a quelques années) et David El Malek, chemise orientale rayée, au saxophone ténor. La contrebasse d’Imbert croquenote « Le Garde Fou » entre les coups de cymbales martiaux drum’n’bass, modernes de Franck Angulhon, élément le plus moderne, à la Tony Williams, puis les magnifiques unissons de Tassel entre Miles et Chet et El Malek, en retrait, s’avançant comme sur la pointe des pieds comme pour ne pas briser le charme, comme Lester Young quand il ne supportait plus que la douceur des mocassins à pas comptés pour traverser la scène ou le monde.

Ce premier titre de l’album reprend les recherches de Jazz modal où Miles Davis et son second quintet (Herbie Hancock piano, Wayne Shorter au saxophone, Ron Carter à la contrebasse et Tony Williams à la batterie) les avait laissées avec « Nefertiti » en quittant le Jazz pour le Rock en 1969 pour la liberté des ballades.

A cette complicité entre les souffleurs, on pense aux couples mythiques trompette/saxophone : Miles Davis/John Coltrane, puis Miles Davis/ Wayne Shorter, Chet Baker/Gerry Mulligan, tant rien ne semble séparer l’alliance de ces deux voix : le bugle légèrement au-dessus, le saxophone venant le soutenir par en-dessous..

El Malek prend son solo sur les lueurs rouges orangées des projecteurs. C’est un des saxophonistes les plus lyriques, poussant le sentiment jusqu’à la spiritualité d’un Coltrane avec la liberté d’un Wayne Shorter dans « Hand Jive» sur Nefertiti de Miles, semblant alors s’ennuyer du Jazz au point de jouer toujours les mêmes notes comme en boucles en laissant toutes les variations au seond quintette. Ici aussi, les variations viennent de l’orchestre, de la rythmique sur laquelle surfe le soliste, de la batterie qui se fait de plus en plus tourmentée à grands renfort de roulements et de breakbeat et le saxophone prend son envol à la Coltrane vers des galaxies voisines d’ «A Love Supreme », mais à la différence de Coltrane que sauvait sa spiritualité nous redescend des étoiles, retombe sur le thème, atterrissant en douceur comme en parachute juste sur l’unisson du bugle, revient au thème et à ses courbes impeccables.

Après applaudissements et sourires, Imbert reprend sur le thème le plus rapide du disque, « 78 tours » (ainsi nommé avec humour en référence aux premiers disque de Jazz qui étaient des 78 tours, ce titre étant sur un rythme 7/8). Sur ce thème plus Bop, presque latin, les souffleurs évoquent certaines passes d’armes plus expérimentales des boppeurs de la Côte Est Charlie Parker et Dizzy Gillespie dans « Hot House » à leurs débuts, ou cherchant, lors de leur dernier enregistrement « à atteindre Leap Frog comme on chercherait à atteindre le soleil » (dixit Alain Gerber), mais sauvant leurs ailes de sa chaleur par la grâce de leur complicité, ou des West Coasters Mulligan/Baker sur « Utter Chaos » (enregistré à plusieurs reprises en prises très courtes) () ou le plus latin « Frénési ».

Le leader Diego Imbert est indubitablement plus présent dans sa musique sur scène qu’on ne l’y entend sur le disque, sa contrebasse étant le mât dans la tempête, le pilier indispensable de cette musique dont il est l’auteur, l’élément le plus stable et dont elle émane, l’axe générateur autour duquel tourne son manège mis en branle par la batterie d’Agulhon, aux formes échafaudées au fur et à mesure par les deux lignes distinctes mais se rejoignant dans leurs unissons, haute et droite de Tassel, sinueuse mais qui vient toujours le soutenir à bon escient dans le retour du thème d’El Malek.

Ils ont « bravé la neige », comme souvent lors de leurs concerts, explique Imbert, pour moi ils sont passés au travers, se sont fondus dans ses flocons, tant sa musique ressemble à ses cristaux par leur finesse où chacun a sa place. Pour un peu c’est la neige qui a été attirée, sachant qu’elle ne pourrait rêver de plus belle bande son pour sa chute.

Suit « Les Dents qui poussent », la plus belle ballade du disque, composée par Imbert alors que son fils « Léo », dédicataire du titre suivant, pleurait en faisant ses dents. Une ballade comme Miles eût aimé en jouer encore avec le second quintet, si son tempérament qui le poussait à avancer toujours ne les eût pas considérées comme de «vrais résidus de poubelle de type My Funny Valentine, ces camelotes d’un autre temps écrites à l’usage des blancs !» (Miles Davis en 1975 cité par Alain Gerber dans « Miles Davis et le Blues du Blanc »). Alors Miles brûla ces vaisseaux d'émotion qu’il adorait encore trop pour s’en défaire avec le second quintet sur la scène du Plugged Nickel ou ailleurs.

Cette ballade de Diego Imbert est sublime, limpide, avec le bugle chaleureux de Tassel à la Chet Baker (qui lui ne renia jamais sa Valentine, jouée ou chantée d’une voix d’age androgyne ou scattée dans l’aïgu, jusqu’à son dernier concert, même s'ilécoutait le technofunk "Tutu" de Miles Davis sur son walkman, comme si la dureté de sa vie passait sur lui comme de l’eau sans l’atteindre ni lui donner envie de répliquer de la même façon, miraculeusement inchangé et toujours aussi sensible et fragile, malgré lui, lui fait dire Alain Gerber à Tadd Dameron, qui rêvait de cette « dureté » de Miles de cette froideur.) sur les balais tournoyants en ballade entre cymbales et toms d’Agulhon.

Le genre de ballade à vous tirer des larmes de tendresse, qui vous remet les oreilles en place, vous les nettoie de toutes les pollutions pseudo/néo Jazz, néo Cool, de l’électricité du Jazz Rock, Funk, Fusion, Electro, que sais-je dont on se contente faute de mieux en se disant que le Jazz est aussi une musique de danse, ou de révolte, de liberté, larmes qui se prolongent sur le solo de saxophone d’El Malek, le plus humain et classique des grands lyriques actuels et sèchent à l’harmonie sublime de leur unisson final. Ça me fait même oublier Dave Douglas et Uri Caine à Jazzdor.

Franck Agulhon poursuit en introduisant seul « Léo » (nom du fils de Diego Imbert aux « dents qui poussent ») de frappes Bop à la Art Blakey où l’on retrouve l’Afrique et ses tambours dans les toms, ses scintillements urbains par éclairs fulgurants dans les cymbales, la contrebasse qui revient comme la mise en marche d’un moteur ronronnant et les deux souffleurs dans le rôle des Jazz Messengers qui débarquent avec les deux souffleurs excellant dans ce style Hard Bop.

El Malek montre son côté Hard Bop, le son bondit, Cannonballe, mais la colonne d’air reste droite comme un i, il s’envole, pousse jusqu’à la transe, au cri, à l’accélération de fusée Coltranienne de « Countdown », mais atterrit sur la basse moderne, jouée sur une seule corde sur les tapotements d’Agulhon, le bugle, se remet à nouveau dans l’orbite du thème, comme une capsule atterrissant en parachute et c’est agréable de ne pas prendre qu’un aller-simple pour l’inconnu. Tassel prend un solo à la Miles dans « Ascenseur pour l’Echaffaud » ou Clifford Brown dans sa réactivité immédiate aux nuances de la batterie qu’il avait avec Max Roach des tempos rapides aux ballades sublimes.

Ce thème montre l’autre plaisir de ce disque, nostalgique lui aussi, qui nous rappelle les magnifiques bandes originales offertes par le Jazz américain aux films noirs, blancs, et polars français dans les années 50s pour ses tempos les plus vifs grâce à une efficace dramaturgie rythmique de ces histoires sans images mais non sans scénario ni suspense où se trame le drame dans la nuit noire et se tapit le crime. Je pense au très oublié mais magnifique « Le Désordre et La Nuit » avec Jean Gabin et Hazel Scott ou au plus connu « Liaisons Dangereuses 1960 » de Roger Vadim, censuré par l’Académie Française comme « adaptation libre ». On y perdait les costumes libertins XVIIIème de Choderlos de Laclos, mais on y gagnait une bande son d’Art Blakey et ses Jazz Messengers Hard Bop, ou latine sur le thème « No Problem », un peu de Monk et de Coltrane et Boris Vian, Jeanne Moreau et un Gérard Philippe de grande classe skiant aux sports d’hiver.

Ce soir les applaudissements après chaque solo et entre les thèmes ne saluent pas les effets de manche et d’épate, de démonstration égotiste improvisée, mais la beauté lyrique de ce répertoire magnifique et simple à comprendre et l’exécution irréprochable, la mise en place et l’écoute mutuelle des musiciens, ce qui se fait de plus en plus rare.

Enfin, « Cartagène » est un titre plus swing à l’ancienne, que Biréli pourrait jouer (à la manière de son original traitement country d’ »After You’ve Gone » sur le dernier album du Gipsy Project « Just The way You Are », mais qu’il n’aurait pas pu composer. Le Jazz a besoin des deux, d’improvisateurs pour jouer et de compositeurs pour renouveler le répertoire.

Merci à Diego Imbert de raviver nos émotions du vrai Jazz avec ce beau disque et longue vie à ce quartet, qui mériterait bien un prix aux prochaines Victoires du Jazz...

Jean Daniel BURKHARDT

Dimanche 22 novembre, le Festival Strasbourg Méditerranée proposait un concert du grand accordéoniste et chanteur aveugle Turc de Rebetiko Muammer Ketencoglu et son ensemble Zeybek. (en Turquie, les Zeybek étaient des bandits d’honneur, aussi appelés Effé réfugiés dans les montagnes d’Anatolie comme Memed Le Mince, héros de Yachar Kemal, dont il reste des danses, qui n’ont rien à voir avec le répertoire de l’orchestre (http://www.youtube.com/watch?v=VO1GfKlk2bo)) à la Cité De La Musique et de la Danse, puis un concert des Papyros’n invitant les Tzigognes de Jean-Claude Chojcan à la Salle Du Cercle de Bischheim.

Le hasard des affinités musicales et de la programmation festivalière fait que, lorsque j’avais invité Monsieur Jean-Claude Chojcan, directeur musical et fondateur des Papyros’N et des Tzygognes dans mon émission « Terres Tribales » en octobre, il avait choisi en plus des extraits de leurs disques comme choix personnel un extrait de la compilation Sevdalinka Sarajevo Love Songs (parue chez Harmonia Mundi /Piranha) Sini jarko sa istoka sunce de…. Muammer Ketencoglu et son ensemble Zeybek, qui m’était alors inconnus, et alors qui nous ignorions tous deux qu’ils seraient programmés la même après-midi à un bout et à l’autre de la ville, ce qui malheureusement empêcha le second d’assister au concert du premier, étant en répétition !

En plus de cette coïncidence théorique, quelle ne fut pas ma surprise encore d’entendre Muammer Ketencoglu commencer son concert par un Chant D’Amour Hongrois enregistré par les Papyros ‘N de Jean-Claude Chojcan dans leur formation la plus cosmopolite (Caroline Stenger violon, Ilona Kobalian flûte, le guitariste manouche Engé Helmstetter et son clarinettiste Fabrice Lauer et le contrebassiste de Jazz Gérald Muller, et le futur accordéoniste de Malétès Yves Bèraud) comme entrée en matière de leur premier disque « Eastern Ballades II (le premier étant un duo de guitares avec Pierre Grunert), comme pour confirmer mes théories ou évoquer les Papyros’N malgré l’absence de leur leader! Les musiques et les répertoires voyagent, et parfois se rejoignent miraculeusement dans un au-delà des frontières (titre du second disque des Papyros’N) qui appartient aux musiciens en ce que Joyce appelait une épiphanie, comme un clind’œil inconscient et musical de Ketencoglu à Chojcan.

Après cette surprise, évidemment le répertoire de Ketencoglu et son ensemble Zeybek est le Rebetiko Grec ou Turc venu des Tavernes d’Izmir, interprété par lui-même comme accordéoniste (avec parfois des traits Tziganes dans le feu de l’improvisation) et chanteur d’une belle voix Turque allongeant les voyelles avec émotion et force, une chanteuse Grecque et une Turque, un darboukiste, un oudiste dans un rôle rythmique et un violoniste, dans une idée de réconciliation festive entre les deux communautés (les Grecs ayant fait partie de l’empire Ottoman Turc) et invita d’ailleurs le public à taper dans les mains et à danser si la place le lui permettait.

Dans ce répertoire qui m’était inconnu, les chansons d’amour Rebetiko mélancoliques succédaient aux airs de danse de mariages grecs et turcs plus gais et rythmés, parfois dans le même titre, comme si par une mise en abyme d’une chanson intégrée dans le canevas d’une autre, rappelant les longues suites de la musique classique de cour Ottomane héritées des noubas (style musical avant de devenir synonyme de fête) arabo-andalouses censées rythmer la vie du palais et correspondre aux différentes heures de la journée. On retrouve encore ces structures dans les musiques d’Azerbaïdjan des populations Turcophones des anciennes Républiques Soviétiques comme Alem Qasimov.

A 17 heures, on pouvait entendre les Papyros’n, Jean Claude Chojcan invitant la relève des Tzygognes (élèves de ce guitariste enseignant (), du nom de nos chères Cigognes et des Tziganes des musiques), invités par l’Association Ballade à un projet ambitieux : l’histoire de l’Alsace à travers les musiques évoquant les populations qui y passèrent/résidèrent : le Mur Païen du Mont St Odile nous vient des Celtes, le chou de la choucroute des Huns d’Attila, Gutemberg inventeur Strasbourgeois de l’imprimerie était un juif espagnol et le compositeur de valses Waldteufel un juif de Bischeim, rappelle l’écran…

Cela me fait penser à une caricature parue dans un journal lorsque j’étais étudiant : un Alsacien en costume traditionnel s’y vantait d’être « d’une famille 100 % alsacienne » en montrant une galerie de portraits d’ancêtres Celtes, Huns, Suèdois, Allemands…

Les Papyros’N sont les plus qualifiés pour ce projet, car la formation de Chojcan mélange depuis toujours les musiques balkaniques, Irlandaises, Tziganes et ont joué à Sarajevo et en Yougoslavie... Papyros'N et Tzigognes ont d'ailleurs adopté chacun à sa manière le style tzigane, en robe, foulard colorés, chapeau pour Chojcan ou ron de Charlot et nez rouge de grippe A pour l'un des deux jumeaux au violon.

Ils commencent par « Nishka Banja », paru sur le disque des « Tzygognes » «Musiques Traditionnelles d’Europe », air de Serbie, du nom d’ une des villes de bains turcs que les Turcs y érigèrent pendant l’occupation Ottomane, sur la bonne contrebasse d’Isabelle et la derbouka, où s’envolent les violons menés par la rousse Romane.

L’Alsace Celtique (de 800 à 50 avant JC), dont reste encore le Mur Païen du mont St Odile et où l’emplacement de la Cathédrale était déjà un lieu de culte, est évoquée par deux airs irlandais interprétés par les Papyros’N sur leur disque Esatern Ballades III : Au-delà Des Frontières, territoire où ils mêlaient la musique Irlandaise à celle des Bulgarie dans Grankino Horo, des Balkans ou Amour de Dieu. Les Papyros’n ont d’ailleurs participe au Summerlied en 2008, où René Eglès tente de faire valoir nos origines Celtes.

Suit un autre mélange Caucasien traité à l’ Irlandaise, Chamil, thème du Caucase dédié à cet imam résistant Caucasien, grand général de l’armée du czar Nicolas Ier, thème encore très connu en Turquie, et repris par les Papyros’N dans le même disque, pour évoquer les Grandes Invasions de nomades dont l’Alsace fut victime après la Paix Romaine du Vème au VIIIème siècle de notre ère, notamment par les Huns qui nous laissèrent le chou bouilli de notre choucroute. Là encore, au-delà des montagnes, on croit sentir dans les violons l’air marin de le la mer d’Irlande chatouiller nos narines, nos oreilles et nos jambes de ses gigues.

La période de prospérité (du IXème au XIIIème siècle) de l’Alsace Germanique et des villes libres (comme Strasbourg) fut évoquée par une chanson en yiddisch chantée par Diane Caussade, D’r Maie, et le commerce international florissant, et les horizons lointains du commerce florissant par « Misirlou » thème de rebétiko Grec de Michalis Patrinos de 1927 passé par la danse arabe, et par le Rock des années 60s avec Dick Dale, remise au goût du jour par Pulp Fiction. Le répertoire Grec est une nouveauté chez les Papyros’N, depuis leur dernier album LAISSEZ PASSER (parce que les douanes et passeports énervent Jean-Claude Chojcan à chacun de ses passages vers la Yougoslavie).

Les Malheurs revinrent au XV-XVIème siècle, avec les guerres Religion, l’Alsace étant Protestante, on envoya des soldats Suédois (évoqués par une Valse Suédoise) pendant la guerre de Trente ans, puis des français pour les déloger...

Jean-Claude Chojcan précise que ces intolérances historiques, ethniques ou religieuses, devraient nous enseigner la tolérance envers toutes les cultures et religions, au moment où l’on parle d’Identité Nationale, quid de l’identité humaine ? Le nom de l’orchestre vient de Papirosen (papier à cigarettes en yiddisch), un tango juif désespéré du ghetto juif de Varsovie, que l’orchestre reprend beaucoup plus gaiement sur Eastern Ballads III «Au –delà des Frontières », mais orthographié avec l’y de Papyrus symbolisant la partition. Cet humanisme rajoute encore à la portée musicale et au mélange musical.

Suit le gai Chant D’Amour des bergers de Roumanie (celui-là même qui ouvrait le premier disque Eastern Ballades II des Papyros’N et par lequel Ketenoglu avait commencé son set) joué un peu à l’Irlandaise dans la reprise accélérée par les violons et flûtes (Adeline Dillenseger, Clara Weill et Adeline), qui fait crier avec les musiciens et taper des mains le public.

En 1648, l’Alsace devint Française par le Traité de Westphalie, puis connaît la Révolution Française en 1789, et Rouget De Lisle chanta sa « Marseillaise », notre futur hymne national, pour la première fois à l’Hôtel De Ville de Strasbourg. En 1792 fut créé le Conservatoire de Paris, puis l’Alsace devint comme la France Napoléonienne, et sa jeunesse subit les recrutements de l’Empereur pour ses campagnes, fournissant aussi à sa gloire 70 généraux qui donnent encore leurs nom à certains lieux de Strasbourg, comme la Place Kleber. Ces recrutements sont évoqués musicalement par des Danses de Recrutement tziganes extraites d’Eastern Ballads III Laissez-Passer, le dernier disque des Papyros’N. La musique de ces danses, les vins et les filles aidaient au recrutement des soldats. Le violon et la clarinette (Alice), lentes puis la contrebasse et l’accordéon (une autre Romane et Camille), d’abord lents, accélèrent soudain le tempo de cette danse pas si gaie à cause du périlleux départ à la guerre, mais qui l’est quand même pour donner envie, sur la guitare de Chojcan. La troisième est marquée du talon et du pied sur la scène par les musiciens. La joie des élèves Tzygognes et des Papyros’N plus âgés à jouer ensemble fait en tous cas plaisir à voir, dans une saine émulation et avec un jeu d’ensemble de qualité où chacun (e) trouve sa place, a sa minute de gloire par un solo.

En 1870, après la bataille de Reichshoffen, l’Alsace redevient Allemande, pour une période de prospérité (malgré l’exil de 50 000 alsaciens), c’est une période de prospérité économique et de richesse architecturale car Strasbourg est la « vitrine » de l4allemagne contre la France, dont reste le Palais Universitaire, entre autres bâtiments. Dans une famille juive de Bischheim, naît Emile Waldteufel, qui va étudier à Paris et finira Directeur de la Musique et de la Danse de Napoléon III et de l’Opéra de Paris et compositeur de plusieurs valses, très prisées de la Reine Victoria. Si beaucoup d’entre elles sont oubliées, Amour et Printemps (Liebe und Frühling), qu’interpréta l’orchestre, reste dans les oreilles modernes par une publicité d’Assurances célèbre où elle évoquait le temps et la vie qui passe, d’abord lente, puis de plus en plus dansante, sur fond de portraits XIXème enrubannés..

La critique de la Première Guerre Mondiale (1914-1918) passe par une chanson plus tardive, mais qui pourrait être d’époque, et fut censurée dans les années 50s lors des guerres Coloniales d’Indochine et d’Algérie : Le Tango des Joyeux Bouchers de Boris Vian, chanté Diane Caussade avec une véritable gouaille parisienne, d’abord lent, puis de plus en plus rapide sur les percussions martiales de Romain Schieber et Alexis par charges amusantes et efficaces et tous en cœur pour le final « Tiens Voilà du boudin ».

L’Alsace redevient Française dans l’entre-deux-guerres, puis sera annexée par Hitler en 1939, Strasbourg évacué. Les Tziganes, comme les Juifs, furent victimes de l’extermination, représentés par un Chant Gitan de ces « nomades oubliés de notre nouvelle Europe » précise Chojcan, à la mode d’Au-delà des Frontières, mais chanté par Clara Weil, flûtiste des Tzygognes (qui n’a pas dû être facile à apprendre, vu la complexité de cette langue très éloignée de la nôtre) avec le saxophone alto déjà Balkanique à la Lourau de Jean-Baptiste Juszsczak sur le fond des autres musiciens.

La fille de Jean-Claude Chojcan monte sur scène avec une amie pour jouer sur une étrange flûte balkanique plate la vapeur dans Le Train de 7 h 43 (thème klezmer que les juifs jouaient dans l’entre-deux guerre en attendant le premier train de la gare de Varsovie, qui a donné le nom d’une fanfare locale : Le train de 7 h 45, à deux minutes près) (http://www.youtube.com/watch?v=0K1HkS5QZHI ), en souvenir des juifs Polonais massacrés, de toute cette joie de vivre du shtetl anéantie dans le ghetto de Varsovie D’abord très lent, le thème s’emballe avec l’arrivée joyeuse du train et le jeu collectif.

L’Alsace redevient Française à la Libération en 1945, et est maintenant une capitale Européenne avec son Parlement européen, mais sommes-nous toujours à la hauteur de cette histoire, de cette tolérance ? Pour évoquer les tracasseries douanières aux frontières, ils terminent par Les P’tits Papiers de Serge Gainsbourg pour Régine, qui ne pensait pas aux Sans-papiers déjà modernisé par Christophe Burger, chanté par Clara Weil avec cette fois une gouaille toute française.

Pour le bis, ils terminent par une « Danse Roumaine ».

Longue vie et carrière aux Papyros’N et Tzygognes. Les groupes de Jean-Claude Chojcan restent, par contrainte d’abord, à personnel très changeant, mais il a fini par y trouver une façon de faire originale et nomade, unique dans la région, entre enseignement et renouvellement permanent pour alimenter les meilleurs groupes de la région (Zakouska, Bal Pygmée, qui seront à La Laiterie le vendredi 18 décembre avec Karpatt).

Jean Daniel BURKHARDT

Pour l'avenir, les concerts des Papyros'N -Concert avec chorale à Bouxwiller(38mn de Strasbourg) dimanche 13 décembre 18h -Concert avec chorale à Dossenheim/Zinsel (41mn de Strasbourg) Samedi 19 décembre à 20h

Et l'année prochaine: -Enregistrement du prochain CD « BalsiKa » Papyros’N- Les Tzygognes et les musiciens de Tuzla 16-17 janvier et 6-8 février au Studio Downtown à Strasbourg ET SURTOUT EN JANVIER, LORS DE LA QUINZAINE "BALADE DANS LES BALKANS " À HAGUENAU FAISANT SUITE À DES ACTIONS PÉDAGOGIQUES DE JEAN-CLAUDE ET DES PAPYROS'N À L'ÉCOLE DE MUSIQUE DE HAGUENAU ET DANS DES ÉCOLES PRIMAIRES DE LA VILLE •Concert Papyros’N-Balsika (grand-orchestra 20musiciens): MUSICIENS D'ALSACE ET DE BOSNIE Vendredi 22 janvier à 20h Salle de la Douane à Haguenau (concert avec entracte) •Heure de musique à la Médiathèque de Haguenau(musiques poèmes des Balkans projections d’images) samedi 23 janvier 15-16h30 •Animation musicale avec les élèves du Conservatoire et les élèves de l’école de musique de Haguenau Dimanche 24 janvier 15h30-17h Musée Historique Chapelle •Animation dans divers lieux de Haguenau Salle du Corbeau(Douane)- Chapelle des Annonciades Samedi 30 janvier de 15h-18h30 (15 musiciens+élèves école musique de Haguenau)

Samedi 21 novembre dernier, le 6ème Festival Strasbourg Méditerranée s’ouvrait à Strasbourg par un concert de l’Electrik GEM à l’Auditorium de la Cité De La Musique et de La Danse.

L’Electrik GEM s’est créé au festival Strasbourg Méditerranée il y a deux ans à partir du Grand Ensemble de la Méditerranée qui réunit des musiciens de plusieurs formations de l’Assoce Pikante qui pimente la scène locale de parfums d’ailleurs: Dimitar Gougov à la gadulka (vièle bulgare) de Boya et des Violons Barbares, Lior Blindermann (oud), Yves Béraud (accordéon) et Etienne Gruel (percussions) de Maliétès, en concert jeudi 26 novembre avec Gastibelza à la Salle de la Bourse et le samedi 28 novembre au Préo d’Oberhausbergen, Grégory Dargent (oud, guitare), Jean-Louis Marchand (clarinettes) et Fabien Guyot (qu'on a connu spécialiste des batteries et casseroles de cuisine au Troc Café) de l’Hijâz Car et de Nicolas Beck.

Pour se donner une dimension plus Rock, Grégory Dargent est passé à la guitare électrique (à laquelle il accompagne Babx), et ils ont ajouté la folie de Jean Lucas (trombone libre) de La Poche a Sons entre autres, le Rock de Vincent Posty (basse électrique) de Zakarya entre autres, Fred Guérin à la batterie et de trois chanteuses Awena Burgess, Christine Clément (Ionah, Polaroïd 4, To Catch A Crab) et Sandrine Monlezun, bref un all-star de joyaux issus de ce qui se fait de mieux dans la région en Musiques Traditionnelles, réuni dans l'écrin et l'éclat électrique d'un projet très original.

Ils présentaient ce soir-là leur projet « Radiopolis », dont le titre éponyme ouvrait et fermait, avec plus d’énergie encore, ce concert, et pour lequel ils ont lancé des souscriptions pour un disque à paraître. Bref, une musique alliant l’authenticité traditionnelle des voix et sonorités acoustiques, mais aussi urbaine et Rock, comme une radio des villes mondiales en hommage à l’Alexandrie cosmopolite, dépassant les clichés sur les Musiques Traditionnelles de manière décoiffante et excitante où chacun trouve sa place et se ressource en un maelstrom d’énergie débridée : sur les cordes pincées de l’oud de Lior Blindermann et frottées de l’archet de Dimitar Gougov et les percussions ethniques d’Etienne Gruel et contemporaines de Fabien Guyot, le trombone de Jean Lucas ajoute son souffle gueulard et sa puissance à la clarinette volubile, Vincent Posty son attitude Rock poussant Grégory Dargent et Fred Guérin et ses roulements au crime, les chanteuses ajoutant leurs voix douces d’abord, puis de plus en plus aïgues et fortes à chaque reprise vocale dans une transe entêtante et irrésistible.

Les musiques traditionnelles ont aussi leur place dans leur répertoire, qu'ils échangent gaiement : des envolées tziganes de cavalerie, un rébetiko grec pur jus (Blues des tavernes grecques, spécialité de Maliétès avec son pendant Grec) chanté par Yves Béraud d’une belle et forte voix, un chant polyphonique Bulgare (dont Dimitar Gougov dirige une chorale) par les chanteuses en bis.

On put ensuite finir la soirée, emporté par la fanfare Fanfaraï () aux chèches multicolores et au soprano free jusqu’à la Salle De La Bourse et danser sur des airs arabes de raï de Khaled, Cheikha Reimitti, Rachid Taha, gnawas, latins, balkaniques ou autres, connus ou non, toujours festifs, aussi bigarrés que leurs costumes et d’une modernité fervente dépassant les genres en les respectant, pour le plus grand plaisir des danseuses du ventre et des danseurs d’ici ou d’ailleurs jusqu’ à près de mi(lle et une)nuit .

Le festival se poursuit jusqu’au 5 décembre dans les salles Strasbourgeoises avec concerts, contes, expositions, débats, et j’en passe.

Jean Daniel BURKHARDT

Sol 12 est un grand orchestre en forme d’hydre à douze têtes, sphinx masculin-féminin respectant la parité (6 hommes / 6 femmes, venus de huit pays différents), dirigé par luc Ex (bassiste de The Ex et 4 Walls) et Veryan Weston (pianiste de 4 Walls), avec Hasse Poulsen à la guitare, Franz Hautzinger à la trompette, Johannes Bauer au trombone, Hannah Marshall au violoncelle et à la voix, Ingrid Laubrock au saxophone et à la voix, Isabelle Duthoit à la clarinette et à la voix, une noire, Mandy Drummond au violon alto et à la voix, Tatiana Koleva au marimba et aux percussions et Tony Buck à la batterie. C’était mardi 10 novembre la Création de ce projet à Pôle Sud.

« Andiamo », lance Luc Ex, qui a troqué sa basse électrique punk pour une guitare basse en bois, mais a gardé son attitude très punk dans son jeu, avec tout le corps porté en avant sur une jambe et de retours en arrière, semblant parfois jouer plus AUTOUR de sa basse que de l’instrument, dans un exercice aussi sportif que musical.

Pour le reste, le traitement musical et le jeu est très contemporain, fait de frottements de cordes (ou d’un archet sur le marimba), de souffles furtifs et rythmiques stoppés dans leur élan ou de jeu de clés, de percussions sauvages qui ne marquent pas le rythme, suivis de loin en loin d’échos de cuivres et autres bruits, d’éclats tonitruants et de silences habités.

Il y eut un magnifique arrangement du « Las Vegas Tango » de Gil Evans par Veryan weston, bien dans la manière des Sketches Of Spain arrangés pour Miles Davis, avec de magnifiques fonds sonores de l’orchestre, montrant qu’ils pouvaient AUSSI jouer de concert.

Mention spéciale pour Isabelle Duthoit, la clarinettiste aux cheveux rouges écrevisse, qui outre un jeu très contemporain (souffles coupés, jeux de clés à vide et autres borborygmes), fit quelques démonstrations vocales intéressantes, un peu à la manière de Phil Miton (chanteur de 4 Walls), mais avec la grâce féminine en plus, un côté oiseau crieur plutôt charmant suivant sa voix d’un bras mobile, la poussant jusqu’au cri ou l’étouffant dans l’aïgu, au rugissement ou au bêlement, une vraie ménagerie intérieure!

Johannes Bauer fit démonstration de ses talents bruitistes et musicaux, de l’un à l’autre, alternativement ou des deux ensemble, à plusieurs reprises. Dans le genre contemporain, c’est sûr que c’est un « maestro », comme l’a dit Frantz Hautzinger.

A un moment précis, on a pu presque retrouver le rythme festif du Jazz… Après, c’est une question de goût, et de savoir si le jeu collectif et généreux est le but ultime de la musique et du Jazz plus ou au moins autant que les bruits individuels juxtaposés…

En seconde partie, on pouvait entendre «To Catch A Crab », duo de Pascal Gully (batterie, percussions, voix) et Christine Clément (voix, synthétiseurs, bugle, guitare et effets électroniques) au Club du TJP, que Jazzdor est content de retrouver après deux années ailleurs. Dès le premier titre « Invisible War », on voit qu’il y a un vrai univers, un talent mélodique, une harmonie entre le clavier, les deux voix et la batterie.

C’était, je l’ignorais, l’anniversaire du Maestro Ennio Morricone ce 10 novembre (81 ans), « Longue vie à lui » lui souhaite Pascal Gully. Peut-être peut-on y voir une influence sur les paysages désolés, cinématographiques (), un côté « Il Etait Une (autre) Fois Ailleurs » de « To Catch a Crab », où parfois affleure un bugle solitaire en plein désert dans « Botanic », une bonne chanson pop tant pour le texte en anglais que pour la mélodie chantée par Christine Clément.

La musique devient plus Rock underground quand Christine Clément martyrise les cordes d’une guitare électrique à plat sur ses genoux, puis l’ambiance se fait séductrice, vénéneuse sur les invitations de Pascal Gully («Come With Us Into a New Shelter ») sur fond de gongs et de batterie obsessionnelle, d’échos de guitare et de clochettes tibétaines de Clément.

Le synthétiseur se fait harmonium sur les clochettes de Gully, comme dans « Drogenfähnder » atteignant une spiritualité universelle lente sur les baguettes ouatées, effilochées de Gully, sur lesquelles Christine clément sait construire un au-delà des langues, un esperanto de l’émotion (« A Star End, La Vida »), du murmure au cri à la Patti Waters. Gully avait déjà joué sur les langues et les poésies avec Da-Go-Bert ( Porquoi ce nom? « trois syllabes, nous sommes quatre », m’expliqua un jour l’intéressé) avec Géraldine Keller (voix, flûtes), François Heyer (trombone) et Jean-Christophe Kaufmann (guitare).

Dans « Liquide », grâce à la sirène Clément, on croit entendre les cordes d’un qanûn absent, ruisseler les eaux d’un piano naturel englouti, un piano d’eau qui goutte près de la bouche d’une écluse électro de Gully. Christine Clément a un usage organique, naturel, presque écologique des moyens électroniques, en quelque sorte…

Gully joue aussi des œufs percussifs dans « Folk » et des cymbales à la baguette, créant des frissons de glaciers, des échos de banquise, des chants d’icebergs, une musique de glace à la Terje Isungset (à Pôle Sud le 5 février), sur laquelle Christine Clément pose un chant diphonique, mongol, hinouit, puis ‘envole à la Lisa Gerrard de Gerrard de Dead Can Dance vers des paysages inouïs. Gully et Clément sont deux chamanes, lui urbain, industriel, Héphaïstos ferraillant dans l’usine forge de sa plaque de tôle (remplacée sur ce proijet par un tar suspendu) aux lueurs rougeoyantes, elle sirène d’on ne sait quelle mer ou pythie sibylline sur un electro-dub acoustique créant un paysage imaginaire Morriconien, paysage désolé sur lequel claironne le flugelhorn de Christine Clément sur les percussions tribales de Gully, entre Miles, Chet et la poésie atmosphérique d’un Molvaer dans cet environnement plus naturel que son laptop, Gully joue aussi d’un grand gong tournoyant.

Sur le « dernier morceau », l’orgue se fait suave et groovy, pop et la voix de clément rappelle Portishead, plus Jazzy, Soul sur la batterie légère et ses ras ethniques. Le clavier scratche Gully, puis se fait Floydien, psychédélique.

Dans le Bis percussif electro, le souffle de Clément retrouve le personnage de la petite fille haletante qui a peur de la nuit noire et de la Machine qu’elle joue dans certains titres de Polaroïd 4 (http://www.myspace.com/christineclement ), son autre groupe avec Christophe Imbs et finit en cri final mongol.

C’est de la pop travaillée à la manière de la musique contemporaine, mais en restant intuitive, laissant la place à l’improvisation, en un mot excitante et audible, qui nous fait aimer la pop et ces moyens contemporains plus que la décevante pop actuelle et l’ennuyeuse musique contemporaine. Un vrai univers fascinant et varié.

PS: pour l'album déjà terminé, "To Catch a Crab" est à la reccerche d'un label, avis aux amateurs

Jean Daniel BURKHARDT

Hier soir, on pouvait assister à une seconde soirée Jazzpassage à Pôle Sud, avec un autre double-plateau franco-allemand et franco-américain : le trio Rooms du pianiste allemand Hans Lüdemann avec Sébastien Boisseau à la contrebasse et Dejan Terzic à la batterie en première française et la Création du nouveau projet « Out Of a joint » du violoniste français Dominique Pifarély avec le contrebassiste Bruno Chevillon, le saxophoniste américain tim Berne et son pianiste Craig Taborn.

Hans Lüdemann est né à Hamburg en 1961 et étudia à Cologne. Le contrebassiste Sébastien Boisseau a réenchanté le début de ce millénaire de ses « Fées et Gestes ». Le batteur Dejan Terzic m’était jusque là inconnu.

Après une introduction iconoclaste au fender rhodes, Hans Lüdemann se lance dans un premier thème dans l’esprit du pianiste aveugle Lennie Tristano et de son troisième courant d’un Be Bop ouvert aux influences baroques de Jean-Sébastian Bach, calme puis plus énergique, en passant parfois par le ragtime d’un film imaginaire, ou rappelant Keith Jarrett dans sa façon de prolonger ses phrases d’un climat à l’autre, avec des tempêtes de clusts violents dans lesquelles Sébastien Boisseau tient le mât, le gouvernail solidement.

Dejan Terzic se montre dans son accompagnement d’abord percussionniste plus que batteur, très fin, jouant de clochettes attachées à un portant ou des cymbales avec des baguettes ouatées et d’un petit xylophone (de l’autre côté de la batterie) ou voilant ses toms d’un linge pour en assourdir le son, puis jouant d’un balais de bois en fagot, mais sut aussi monter en puissance avec Lüdemann.

L’attitude du pianiste pendant ce première titre très long et évolutif rappelait un peu celle de Bill Evans : comme arc-bouté, immergé dans le piano à s'y noyer, le visage parallèle au clavier. Une mèche rebelle lui épargne le déficit d’image de la raie sur le côté de Bill Evans et il ne porte pas de lunettes.

Le second titre, une ballade, fut plus dans la manière de Bill Evans dans la forme, avec une belle mise en place à la fois libre et solide de Sébastien Boisseau très originale dans ses solos et un parfait détachement de ses solos originaux à la manière de son contrebassiste Scott La Faro, et aussi cette façon d’accélérer imperceptiblement le tempo par groupes de notes sans avoir l’air d’y toucher dans « Come Rain Or come Shine » et « Autumn Leaves » dans « Portrait in Jazz ».

Après information, il s’agissait d’un standard de Berthold Brecht et Hans Eisler « Über Den Selbstmord » (Sur le Suicide), écrit pendant la guerre quand ils étaient exilés en Californie.

Les juifs allemands avaient alors aussi leurs raisons d’avoir leur Blues, autant que les afro-américains sinon plus, leur Sehnsucht à l’Européenne, leur Saudade venue du froid.

Enfin, une troisième pièce, ils jouèrent "Blues in Black and White", d’inspiration Africaine, musique que Lüdemann a beaucoup étudiée et jouée avec Ali Keïta au balafon et la chanteuse Dobet Gnahoré dans son Trio Ivoire, et, quoique l’orchestration fût plus jazz, il trouva des nuances de balafon ou de likembé ou sanza (piano à pouces africain) amplifié des Konono n° 1 ou des Kasaï All Stars dans l’intérieur des cordes du piano, Sébastien Boisseau celles d’une kora dans les cordes les plus aigues de sa contrebasse et Dejan Terzic tint le rôle d’un Art Blakey africain et joua de son petit xylophone comme d’un balafon.

En bis, ils terminèrent par une ballade rendue groovy par la basse et la batterie.

En seconde partie, on pouvait entendre la création d’ « Out Of Joint » d’après une phrase d’Hamlet de Shakespeare : («Le temps est hors de ses gonds ») et les titres des morceaux sont dans cet esprit funèbre, dernier projet du violoniste français Dominique Pifarély () avec Bruno Chevillon à la contrebasse et les américains Tim Berne au saxophone alto et son pianiste Craig Taborn.

On a pu découvrir Dominique Pifarély dans les formations de Louis Sclavis, et j’avais apprécié dans « Les Violences De Rameau » leur respect puis leur décrochage violent de la musique du XVIIème siècle en ska.

Tim Berne a un talent certain pour faire durer jusqu’à la transe répétitive ses riffs de saxophone qui évoluent lentement sur la rythmique de Craig Taborn, Marc Ducret (à Jazzdor le mardi 17 novembre avec Samuel Blaser et en Masterclass "Speed Dating" le 18 à Pôle Sud de 15 à 18 h) et Tom Rainey à la batterie, arrivant à créer une mélodie insistante et obsèdante à partir d’un jeu libre et sauvage qu’il structure peu à peu de l’énergie du Rock ou du Funk.Avec Pifarély, il assura dans un contre-chant / contrepoint du violon en des volutes infinies mais toujours justes.

Craig Taborn excella dans les accords complexes puis isolés en un jeu touffu ou se réduisant à une goute d’eau sur les touches, puis partant en des violences insoupçonnées sur le groove au naturel de la basse de Chevillon. Avec le violon, on pouvait parfois penser au Council Of Balance de Steve Coleman, avec qui Taborn a joué sur Lucidarium.

Et finalement, cette seconde partie était aussi bien dans la manière de Lennie Tristano en Quintet avec Lee Konitz et Warne Marsh aux saxophones (dont le style de Berne serait une modernisation car il garde le goût pour la fugue et les chases au plus près des autres musiciens). C’est Tristano qui initia ces structures complexes où chacun était une voix suivant son propre chemin mais inextricablement liée aux autres, soufflant cet air frais passant sur la west Coast pour la dépasser à tue-tête. Gageons que son esprit était un peu parmi nous à travers eux…

Le festival se poursuit ce soir avec le nouveau Phat Jam d’Archie Shepp où officient le rappeur Napoleon Maddox de Iswhat !?! et le batteur Hamid Drake, à 20 h 30 à la MAC de Bischwiller. Un car affrèté par Jazzdor part à 19 h 30 de la Place de La Bourse de Strasbourg et vous y ramènera.

Jean Daniel BURKHARDT

Fermé il y a quelques années par un incendie provoqué par une voiture bélier dans la bibliothèque et le théâtre, le Maillon Hautepierre rouvrait la semaine dernière grâce à l’association Soundsitiv, qui y proposera en janvier une programmation artistique basée sur les échanges entre les arts musicaux, urbains, picturaux et théâtraux. Pour la réouverture, la programmation originale (DJ Flying Fileas alternant avec trois groupes locaux : Soulfight-Gothic Soul, Julie Claden-chanteuse Funk Soul Groove et 7ème Soul-formation Funk Soul à la bonne section de cuivres) illustrait trois modernisations locales de l’esprit Soul.

Tout d’abord, on a pu entendre Soulfight, formation créée en 2007 par: Aalik (voix, basse, guitares, et claviers) et Slybwoy (sampling and sound tweaking , art work) et la chanteuse Mélody dite Lil' Sugar, rejoints par Alex à la basse pour la scène.

Slybwoy et Aalik viennent du monde de l’image, et ont appliqué aux compositions de Soulfight des procédés habituellement visuels de collages de samples.

Dès les premières notes de claviers et les samples vocaux de « Princess Nothing » (interprété lors d’une prestation aux Nancy Jazz Pulsations), on entend avec une guitare Coldwave à la A Forest de The Cure, une de leurs influences new Wave (c’est quand même presque Halloween). La chanson parle d’une petite princesse idiote. En effet, Mélody la sublime du Lil Sugar (petit sucre) de l’émotion de sa voix veloutée et mélancolique.

«I’ll Rise » est plus proche d’une autre influence du groupe, « Massive Attack », qui inventa le terme de « Gothic Soul » avec sa rythmique trip-hop et sa montée de claviers sur la basse funky. Aalik prend le rôle de Tricky asthmatique sans ventoline dans « Pumpkin » dans son vocal Hip Hop, etandis que Melody/Lil Sugar chante de manière aussi émouvante et sensuelle qu’Allysson Goldfrapp, une de ces chanteuses qui illuminent les deux premiers albums de Massive Attack et m’y font fondre, ou Portishead dans « Glory Box ». Mais la chanson parle d’une rupture amoureuse dont l’homme promet qu’il se relèvera.

A un autre moment, Slybwoy introduit un sample de voitures dans le martélement dramatique du clavier sur la rythmique breakbeat d’une mélodie lente, envoûtante, vénéneusement persistante dont Lil Sugar est la sirène portée par les vagues sonores.

Slybwoy introduit encore une ambiance de sanglots et souffles étouffés installent une ambiance sur des cris lointains, tandis qu’Aalik prend sa guitare, accompagnés de pas sonores dubbés, solitaires et fuyants, puis de plus en plus lourds comme les éléphants d’Hannibal ou ceux d’une armée dans des vagues de brumes fumigènes.

La basse lourde et la guitare commencent « Tears On The Ground », autre émouvant duo de Lil Sugar et Aalik, sur le terrorisme, où deux terroristes sont prêts à agir, le garçon dit qu’il est temps, mais la fille pense aux futures victimes et prend peur, renonce, avec une belle voix ethnique en fond. Leurs chansons sont dramatiques dans leurs progressions comme des films sonores, racontent des histoires de notre monde troublé.

Les lumières scéniques envoient des feux d’artifices rougeoyants autour d’eux sur une voix féminine samplée qui glisse, comme lisse. Mélody s’envole les bras étendus, puis sa voix puissante, profonde et orientale à la Dead Can Dance. Comme sa chanteuse Lisa Gerrard, Lil Sugar trouve pour "The Island" (critique de la télévisision comme une île déserte et autistique) au fond de sa voix la ferveur de musiques traditionnelles ou de spritualités apatrides car issus d’un folklore imaginaire qui leur est propre, se dédoublant, croisant le chemin des folklores existants, mais touchant universellement par leur émotion, accédant à un au-delà tribal urbain des langues et des traditions connues …

Lil Sugar chante ensuite « My (Little) Secret », autre chanson à secret où l’héroïne cache un crime qu’elle aurait commis sur la guitare wah wah, avec une voix à la Björk.dans sa fragilité Nordique. Slybwoy et Aalik ont écrit le scénario du futur clip de cette chanson, dont voici quelques photos, qui sera bientôt réalisé, et nous en apprendra plus sur ledit secret.

Ils terminent par un sample en référence au Cinéma (David Cronenberg et Lost Highway de David Lynch, qui leur inspira « Ghost Highway » font aussi partie de leurs influences pour les ambiances sonores). Ils terminent par la musique de la scène finale de « Shining » de Stanley Kubrick, avec Jack Nicholson, musique à la fois Jazz nostalgique, européen par Ray Noble, avec un crooner sirupeux (« Midnight with the stars and you »), mais rendu inquiétant par le traitement sonore fantomatique et nébuleux et les réminiscences du film.

Bref, Soulfight a prouvé qu’il avait un véritable univers fascinant à la fois séduisant et inquiétant, toujours émouvant.

En seconde partie, on pouvait entendre Julie Claden, qui vient de sortir son album « Behind The Line », avec la guitare funky de Kevin Weiss, accompagnée de Pilou Würtz à la basse électrique, et à la voix plus Soul.

Grande et très belle, ses jambes immenses de libellule perchées sur des hauts talons, elle a un jeu de scène gracieux aux mouvements de bras amples comme les ailes d’un oiseau.

Toutes ses chansons, aux textes en français, composées avec le pianiste de l’album Emmanuel Hoff et Gérard Raufast, parlent de la quête de soi, spirituelle et musicale, et du courage de s’assumer ensuite comme ce que l’on est sans concession.

Elle commence « Behind The Line » ( titre éponyme de l'album interprété sur l’album avec la bonne attaque variée de Franck Wolf au saxophone et Serge Haessler comme section de cuivres à la Prince efficace et Grégory Ott sur la version acoustique et les chœurs des « Clac-Hoff »), sur laquelle elle s’envole sur la rythmique en français après le refrain en anglais sur sa renaissance grâce à cet album.

Plus Bluesy, « Chacun Sa Place » parle aux autres avec compassion et tolérance, s’ouvre aux autres, les invitant à dépasser comme elle la fatalité malgré la dureté et la violence du monde, à prendre le contrôle de leur vie, parce que « chacun a une place, sa place ». « Ça ‘s passe » parle aussi de cette prise risque pour devenir soi-même, malgré la frilosité des autres qui disent de ne pas y aller.

Plus calme et émouvante, « Mémoire » remonte au plus profond de ses souvenirs, de son histoire, jusqu’à la Shoah, puis « L’Empreinte De Cette Terre », plus ethnique et orientale, avec des voix orientales envoûtantes entre Real World et Dead Can Dance dans les violons arabisants, parle de son voyage initiatique au Maroc, aussi spirituel que géographique, jusqu’à l’illumination de la découverte du désert et de l’Atlas, avec un beau texte et une belle progression dramatique. Finalement, si ce n’est plus du Funk, c’est une façon aussi de l’orientaliser, de le faire voyager en d’autres contrées, de lui offrir d’autres paysages, moins urbains grâce à cet excellent arrangement. La Soul l’âme s’ouvre à ces ailleurs, à l’Orient, et à la propre histoire de Julie Claden.

Finalement, Julie Claden a investi le Funk et la Soul de ses mots, de ses expériences, les a fait siens par cette quête de soi jusqu’à s’assumer totalement, de « Troque Ton Groove » scandant «Secouée, Obsédée» repris avec le public, sa passion de cette musique jusqu’à « J’me casse la gueule pour y arriver », à « L’Expérience » d’être elle-même envers et contre tout et tous et d’inviter les autres à faire de même dans « Chacun Sa Place », puis à s’élever enfin contre toutes critiques dans « Je Transgresse », s’assumer comme elle-même avec courage et splendeur. Cela donne à son album, et à sa prestation qui le fait partager, l’aspect d’un concept album ou «album d’apprentissage » comme on dit de certains romans, dans le partage avec les musiciens et le public.

Elle a tracé dans le Funk et la Soul son propre chemin, faisant sienne cette musique née dans la revendication des droits civiques noirs et depuis non pas obsolète mais obtenue aux Etats-Unis, l’a intégré en elle-même pour raconter par chansons-flashs sa propre histoire jusqu’à l’acceptation d’elle-même, du collectif à l’individuel, au collectif, puisqu’elle les invite à faire de même.

Si elle n’est ni noire ni Aretha Franklin, au moins a-t-elle habité cette musique, puis l’a habillée de ses propres mots, faite sienne, ce qu’aucune chanteuse Funk ou Soul n’eût pu faire à sa place, n’étant pas elle, et inversement. Finalement, Julie Claden touche par son univers, son courage et son énergie sur scène et ses textes simples mais forts et sincères.

En troisième et dernière partie, on pouvait entendre le groupe Soul Funk 7ème Soul (parce qu’ils sont 7 et vous mènent au 7ème ciel de la Soul), qui a déjà joué au Parlement Européen et au Palais de la Musique et des congrès, tout à fait fidèle musicalement aux grands noms de cette musique tant dans la rythmique de Lionel MEYER (Guitariste) François KOEHLER (Bassiste) et Vivien RAUCH (Batteur) que dans la mise en place impeccable entre Rythm’N’Blues et JB’s de la section de cuivres (le plus difficile dans le funk, car elle remonte au Jazz, et même aux parades de la nouvelle Orléans comme la garante de l’authenticité de la Black Music) de Luc HENRY (Saxophoniste) Melanie DECQ (Tromboniste) et Alexandre SCHMITT (Trompettiste) , et aux textes en français composés par le chanteur Raphaël Bloch au total look Blues Brother (costume et chapeau noir, cravate noire et chemise blanche, lunettes de soleil). On sent que la Soul Music et le Funk, c’est sa vie, jusque dans un rapport spirituel à la musique, comme peut l’être le Rastafarisme pour certains fans de Reggae.

Ils commencent par « Se réinventer », aux bons cuivres bien en place, sur le dépassement d’une rupture amoureuse, citant même l’ivresse Baudelairienne « de vie, de poésie, de vertu » pour oublier. La Soul Musique est la musique de l’Âme (Soul en anglais) humaine, de ses chagrins profanes et sentimentaux, adaptée du collectif noir à l’individuel universel), avec une belle introduction et un solo de trompette d’Alexandre Schmitt (ancien élève de Serge Haessler en trompette classique). Les textes de Raphaël Bloch parlent à l’âme humaine de ses soucis universels avec simplicité et force, et cette Soul dans la voix qui rendaient Otis Redding et Marvin Gaye irrésistibles. Simplement parce que Raphaël vit et traduit à la manière de cette Soul Music.

« Chacun sa Reine » à la basse bien slappée et à la guitare funky, tous cuivres dehors, fut écrite par le cousin de Raphaël Bloch, et on y trouve cette phrase d’une poésie assez surréaliste : « Elle a mis du sel dans ma vie de girafe » ! On a pu entendre aussi un bon solo de saxophone sur la guitare wah wah.

Ils jouèrent ensuite « Rencontre », sur une rencontre d’un chanteur Soul avec une chanteuse qui se voient d’abord sur scène, avec un bon solo de guitare.

Mais il leur arrive aussi de mêler la Soul à d’autres musiques plus latines comme la Bossa nova sur la clavé Brazil de la batterie sur « Toutes Ces Habitudes » qui appelle au courage de casser sa routine pour suivre sa propre voie vers sa passion, comme le fait Raphael Bloch, à ne pas se contenter d’êtres des parodies, des clones. Le mélange en tous cas est réussi et irrésistible, à la Banda Black Rio (le meilleur groupe de Funk Brésilien à mon sens) dans la section de cuivres un peu en arrière presque Ethio-Jazz ou fanfares dans cet habile décalage faisant sonner les mots du chant avant un bon break à l’ancienne et un bon solo de trompette. Ça groove bien souplement sur cette Soul Funky et légèrement Tropicale.

« Jeu de Maux » parle aussi d’une relation entre deux personnes pas toujours simple. La Soul est, comme le Blues, le dépassement de la souffrance par la catharsis musicale, mettre des mots sur les bleus de l’âme pour les rendre plus supportables, ou au moins les partager avec le public, en faire de l’art, avec un beau solo de trombone lent de Mélanie Decq (que tout le monde appelle Miel, aussi venue du classique après un passage par le ska festif).

Raphaël Bloch est avant tout un « Fan De Soul », d’Otis Redding, qui respecte jusqu’aux origines de cette musique dans l’intro comme un chœur de Gospel de « voix noires » passé dans le Jazz et le Do-Wop, puis dans la Soul, et qui évolue ensuite en Funk sur la guitare, refait tout le parcours ce ces musiques noires, « fan de soul et de Funk », de ce Soul Power de James Brown, montre qu’il en connaît aussi l’origine. Ils ont amené aussi un nouveau titre (en tous cas qui n’est pas sur leur disque ou My Space), critique des rencontres sur internet avec Miel et Alex bien en place sur les riffs de guitares et au texte gentiment ironique. Les paroles de Raphaël Bloch sont aussi un avertissement pour nous et notre monde, montrent ce que le monde perd avec son âme, sa Soul naturelle, dont il est l’un des meilleurs représentants localement. «Double Jeu » (http://www.dailymotion.com/video/x9b8nn_7eme-soul-en-concert-au-parlement-e_music ) est une bonne synthèse, sur une guitare digne du Blufunk de Keziah Jones dans « Rythm Is Love » (http://www.youtube.com/watch?v=8kKZxbgBL68 ) puisqu’il y adapte dans un texte à double-sens le vocabulaire amoureux à la musique, à son désir et à son manque dans le silence où il sent encore « l’essence de sa présence » , comme les mystique orientaux parlaient de Dieu comme l’Adoré. Bernard Lavilliers a aussi écrit une belle bossa nova sur ce thème : « La Musique ». Enfin, ils terminèrent par un bis avec un scat de Raphaël Bloch.

Bref, cette soirée a montré que le Funk étaient bien présents dans la scène locale, mais plus que copiés en vain de leurs pionniers, ils avaient évolué vers la New Wave avec Soulfight, accompagné le parcours de Julie Claden jusqu’à l’Orient, et étaient toujours vivaces chez 7ème Soul, modernisés par des textes simples et universels qui parlent à l’âme, ce qui est l’essentiel…

Jean Daniel BURKHARDT

Pour cette dernière soirée des Nuits Européennes 2009, on put entendre, lors d’une grande soirée festive, le groupe Russe de St Petersrbourg La Minor le « Nouveau Roi de la clarinette Klezmer » Yom, et la fanfare Macédonienne le Koçani Orkestar.

La Minor est un groupe de Chansons des Rue, Cabaret et Chanson de Rues Jazy de St-Petersbourg, ville de Russie avec laquelle « Les Nuits Européennes ont tissé au fil des années un partenariat privilégié, y envoyant se produire le groupe Strasbourgeois signé par le label Tzadik de John Zorn Zakarya avant le festival et amenant La Minor à Strasbourg.

Le chanteur Slava Shalygin a tout le charisme russe, entre mélancolie slave et invitation festive digne des boyards. Le saxophoniste Igor Boystov le suit tant pour vous fendre l’âme par une ballade que pour vous faire danser Jazz sur un standard New Orleans Russisé, ou partir en ska à la Madness, tandis que Sanja Ezhov à l’accordéon chromatique biélorusse (appelé bayan) est le garant du désespoir des marins russes, alors que Vassily Telegin offre un soutien solide à la contrebasse, que Voya Uspensky (guitare et banjo) ajoute une touche de jazz manouche façon balalaïka et et que Zhejna Bobrov à la batterie est à l’aise tant en rythmique qu’en solos.

Comparé à Billy’s Band, invité pétersbourgeois des deux précédents festivals, imitateurs de Tom Waits à la Russe, je dirais que La Minor se rapproche plus de l’idée qu’on peut se faire à la base d’un groupe de cabaret Russe dans nos fantasmes. La touche qui sort de la seule Russie avec des velléités de passage à l’Ouest chez eux serait plutôt la furie du Jazz à l’ancienne qui les emporte de St Petersbourg à New Orleans, York ou Kingston via Chicago … Une bonne mise en bouche, festive et alléchante pour la suite…

En deuxième partie, on pouvait entendre Yom, qui s’est autoproclamé « Le Nouveau Roi De La Clarinette Klezmer », en hommage au premier Roi de la Clarinette Klezmer, NaftuleBrandwein (1889-1963), né en Ukraine, il en gardait des influences Grecques, Turques et Tziganes, et devint aux Etats –Unis la première star de la musique klezmer au temps du 78 tours. L’homme se produisait dans les années 20s avec autour du cou des néons rouges rappelant son nom, et jouait parfois pour le syndicat du Crime!

Mais en ces temps d’ersatz et de contrefaçons musicales si souvent décevants une fois ouvert l’emballage prometteur, son titre n’est pas usurpé, d’abord parce que l’album de Yom «New King Of Klezmer Clarinet » joue, à une composition personnelle près, celles de Brandwein, ensuite parce qu’il les joue dans le respect de leur style original tant au disque que sur scène, accompagné d’une formation de jeunes musiciens équivalente avec Denis Cuniot (piano), plutôt classique ou jazz, et les frères Giffart, Alexandre au tapan (grosse caisse de fanfare balkanique) surpuissant et fidèle au style Balkanique, citant « Mesecina » de Goran Bregoviç et Benoît au tuba et trombone hurlant dans les aigus, dans l’énergie mais toujours dans la musicalité. Pour la mégalomanie du personnage, il se montre sur le disque sur un trône habillé de rouge, couronne sur la tête et lunettes de soleil, brandissant sa clarinette et sceptre sur les genoux, mais se produit vêtu d’une tunique noire à l’ancienne.

Mais le JEU, lui ne trompe pas, Yom n’a pas volé sa couronne, et ne l’a pas obtenue par filiation lointaine, si respectueuse fût-elle, mais la défend bec et ongle sur scène. C’est bien le plus grand clarinettiste Klezmer que j’aie jamais vu jouer, des aigus perçants aux descentes vertigineuses, des notes tenues sur la longueur jusqu’au cri strident, ultime, mais toujours musical aux arrêts brusques ménageant la surprise.

Il se montra plus sensible dans un duo mélancolique avec le pianiste, proche à un autre moment du Louis Sclavis de « Clarinettes » dans les basses d’un de ses solos puis repartit sur des rythmes plus fous encore.

Certes David Krakauer, à sa place l’année passée, a modernisé le klezmer par l’énergie du rock et les interventions de Socalled le langage du Hip Hop, mais il n’a plus cette fougue conquérante, ayant déjà fait ses preuves, et rien ne vaudra jamais l’émotion d’un retour aux sources, aux origines de ces musiques par ces jeunes musiciens vraiment fidèles à son esprit, et l’émotion de voir le public aussi jeune qu’eux réagir à cette musique comme à un mariage juif universel, dansant, tournoyant, sautant en l’air, se prenant dans les bras, et l’ami Laurent Danzo en la plaza poussant son cri de mégaphone amplifié de ces mains comme une corne de brume….

Bref, Yom et son groupe montrèrent que l’on pouvait allier respect de la tradition et du répertoire, folie du jeu avec un impact public maximum. Et ça rassure!

Enfin, la fin de soirée fut assurée par le Koçani Orkestar, fanfare Macédonenne de Koçani (), et la première à avoir rencontré le succès international grâce au « Temps Des Gitans » d’Emir Kusturica en 1997 avec « Kustino Oro », puis sortit « L’Orient Est Rouge », produit par le même producteur que le Taraf Des Haïdouks () Stéphane Karo et Michel Winter.

Mais en 1999, le trompettiste leader Naat Veliov (http://www.youtube.com/watch?v=kvNc4xoQzW8 ) vendit leur nouvel album « Gipsy Mambo » au label turc Dunya sans consulter les autres, d’où la rupture car ils refusent de jouer avec une boîte à rythme.

La scission des plus jeunes du Koçani Orkestar a donc abouti, étonnement, à un retour au style traditionnel avec l’arrivée du chanteur Ajnur Azivov, auquel ses cheveux longs donnent l’air d’un Indien d’Amérique du Sud (certains « cueilleurs », aux temps préhistoriques, ancêtres des turco-mongols, passèrent le détroit de Behring et s’installèrent en Amérique, d’où parfois cette ressemblance frappante, et la structure très proche des yourtes et des tipis) et chante admirablement, tant dans le festif que dans l’émotion, avec des prolongements extraordinaires des notes dans ballades, qui évoluaient parfois vers une atmosphère plus rythmée, mais laissa aussi la fanfare s’exprimer sans lui.

Outre les cuivres, les anches et le tapan, l’accordéoniste fit sortir des chants d’oiseaux jusqu’au bout des touches du clavier dans le parfait styles des banquets de mariages tzigane roumains.

Après les titres de leur album « The Ravished Bride », ils interprétèrent quelques succès de Goran Bregoviç pour Emir Kusturica dans «le Temps Des Gitans » comme « Borino Oro » ou « Underground », comme « L’Alouette » Roumaine, morceau de bravoure des violonistes Tziganes, modernisé en thème de fanfare militaire sous le nom de « Kalaçnikov » entrecoupée d’éclats de voix à la gloire des Tziganes, et « Meseçina » et même « Hava Naguila ».

Ils reprirent ensuite pour le Bis leur rôle de fanfare au sens le plus ambulatoire du terme, descendant de la scène au cœur du public en délire, puis finirent par l’entraîner hors de la salle, jusque dans le hall de la Salle des Fêtes de Schiltigheim, sur «Moliendo Café » du Vénézuélien Hugo Blanco passé dans la Salsa. Mais ils firent toujours des emprunts aux musiques non-tziganes ou Macédoniennes avec succès, et on se souvient de leur extraordinaire version du Nyabinghi Jamaïcain « Oh Carolina » de Count Ossie & The Mystic Revelation of Rastafari, futurs Skatalites après mais plus authentiquement que Shaggy…

Bref, une soirée festive et riche en talent et en surprises pour terminer ce festival.

Jean Daniel BURKHARDT

« Les Nuits Européennes » nous emmenaient jeudi soir 14 octobre bien au-delà de l’Europe et des mers, en présentant à la Salle Du Cercle de Bischheim la chanteuse et guitariste de Blues Haïtienne vivant au Canada Mélissa Laveaux et le trio du pianiste Néo -Zélandais Aron Ottignon Aronas.

Mélissa La veaux est une chanteuse de Blues Canadienne d’origine Haïtienne qui est devenue la sensation de la scène Folk Blues Parisienne du Trabendo.

Elle est accompagnée de Mano, contrebassiste joliment fredonnant en seconde voix et du batteur et percussionniste Sébastien Lété.

Elle a sorti après de nombreuses scènes son premier album « Camphor & Cooper » (le camphre et le cuivre, deux thérapeutiques avec parcimonie, dangereux à forte dose, qui ont le même charme insidieux que sa voix et sa musique, à consommer sans modération).

Extraordinaire guitariste de Blues skiffle, elle se dit d’ailleurs « amoureuse de ses guitares » pour introduire la chanson « My Boat », qu’elle lui dédie, la comparant à un bateau dans lequel «elle rêve de long en large».

Elle chante d’une voix sensuelle, parfois enfantine, puis profonde en anglais, français (magnifique « Chère Trahison » ou « Koudlo » «C’est un coup de pied dans le ventre, …obligée d’expirer les chagrins …Je te déchirerai la langue ») , : et Créole, semblant parfois mêler les deux dans des expressions à syntaxes anciennes entre insulaires et cajuns qui nous semblent savoureuses et poétiques (« C’est un où qu’on aille »), même si l’on en comprend qu’un mot de temps en temps, devinant le reste. C’est un peu l’exotisme Haïtien Et Canadien qu’on trouve réunis en elle, un Créole d’Outre-Mer sur la guitare Blues très authentique et parfois des rythmes un peu Bayou.

Du folklore Créole, elle reprit une Berçeuse Créole Haïtienne trouvée sur un vinyle de Marianne Jean-Claude après l’avoir entendu au Canada dans l’émission enfantine « Passe-Partout », disant à un enfant que «s’il ne se couche pas, des crabes vont venir manger ses parents », et ajoute, ironique, « maintenant, y’a pire que les crabes en Haïti et pas qu’en Haïti ».

Elle reprit aussi «Evil » (démoniaque) du répertoire sa première idole Eartha Kitt (décédée le 25 décembre 2008), composée comme une allégorie de la chanteuse sorte de Screamin’ Jay Hawkins au féminin (mais ça fait plus peur au féminin) à la voix acidulée et à la présence extraordinaire, qualifiée « La femme la plus excitante du monde » par Orson Welles qui en fit son Hélène de Troie…

En seconde partie, on pouvait entendre Aronas, quartet Anglais du pianiste Néo-Zélandais Aron Ottignon avec Nick Fyffe à la basse électrique carrément funky et deux noirs, Jerry Brown à la batterie, trio enrichi de Samuel Dubois aux percussions caribéennes (où se retrouvaient une batterie et quelques toms brésiliens, quelques rondins caraïbes frappés transversalement, (merci à Axelle pour ces précisions en cmmentaire) ET, ce qui est plus rare -je crois n’en avoir jamais vus en vrai-, deux steel-bands originaires de Trinidad, sculptés dans des fonds de bidons d’essence depuis 1945, faute d’instrument sur l’île pour fêter la victoire alliée), qui n’ont jamais joué musique si moderne, utilisé, pour le steel band, presque comme un fender rhodes pour donner plus d’harmonies.

Ils ont déjà sorti « Culture Tunnels», leur premier album.

Ils définissent leur musique comme du « Jazz+Punk+Dance ».

Le Jazz, indubitablement, est la base du répertoire de leur musique: on reconnaîtra un peu des Gymnopédies de Satie, ou le début de « What I’d Say » de Ray Charles dans « Hot Tub », ralenti, décomposé, puis hystérique, partant rencontrer le Coltrane d’« A Love Supreme », sur la plage du carnaval steel band, et reste la base aussi de la technique pianistique d’Aron Ottignon, de ses montées - descentes époustouflantes stride d’ « Happy Song » mais du Jazz il semble n’avoir pris que les crêtes d’intensité et les moyens d’y parvenir, appliquées à d’autres musique.

Le punk est surtout dans l’attitude iconoclaste, l’envie de bousculer le Jazz, le look (Aron Ottignon arrive en veste fluo rose et verte sur un t-shirt de femme nue), avec des lunettes de soleil aux montures camouflage léopard camouflage et porte une crête frisée sur son crâne rasé, le bassiste a les cheveux longs et une barbe et fêta son anniversaire sur scène avec un bouteille de Vodka Absolut, et ils boivent de la bière. Peut-être les punk rigolos quand ils dansent leur danse « Starfish » (comme un étoile de mer allongée sur le sol), le bassiste jouant même couché sur le dos, invitant le public à faire de même!

Et cette modernité est issue uniquement de leur jeu live, deleur mise en place et de leur énergie propre, SANS EFFET ELECTRONIQUE AUCUN, simplement chacun amène sa touche Jazz, Funk ou Trad à propos pour un bonne mise en place pour amener l’ensemble à une intensité rare dans le Jazz.

Et quand le public se lève irrésistiblement pour danser devant la scène commence la troisième dimension « Dance» de leur musique, reprenant des chansons connues, mais utilisant juste une intro de trois notes de «Tainted Love » de Gloria Jones encore plus modernisé que par Soft Cell de l’inconscient collectif, réduit à un reiff et la répétant en remix live acoustique sur la basse disco funky jusqu’à la transe, si bien qu’à la fin on se croirait dans une discothèque intelligente quand ils font monter la jeunesse sur scène.

Justement, il faudrait remplacer la techno inculte par des musiques de ce genre, vivantes, ancrées dans une tradition, remettant au goût du jour les traditions percussives qui ont fait danser le monde, mais modernes et intenses.

Jean Daniel BURKHARDT

Le Festival Les Nuits Européennes est l’un des rares festivals Strasbourgeois à relayer cette année La Saison de la Turquie en France, avec le Festival Strasbourg Méditerranée qui se tiendra du 21 novembre au 5 décembre.

Pour cette deuxième soirée à La Reithalle d’Offenburg, c’est la scène Stambouliote qu’il y invite, avec tout d’abord le groupe de musique musique soufie/ electro / vidéo « Istanbul Calling » puis le grand darboukiste et chanteur Burhan Öçal et son Ensemble Oriental d’Istanbul, jouant de façon plus traditionnelle le répertoire savant, populaire et Tzigane Turc avec des Tziganes Turcs. Le public Turc, allemand et français par l’ASSTTU s’est déplacé et cette belle jeunesse turque bouillonnante ajoutera ses danses et sa joie de vivre au spectacle de la scène.

Istanbul Calling est une formation du producteur Oguz Kaplangi (synthétiseur et sampler), ex membre du collectif Zi Punt avec Huseyin Bitmez (oud et chant ghazel), Ayyup Hamis (ney, duduk, zurna), Amdi Akatay (darbouka et bendir) et Efe Isildaksoy (vidéo), qui a sorti son deuxième album en 2007 sur le label « Elec-Trip Series ».

Dès «Her Daim » de l’oudiste et chanteur Hüseyin Bitmez, où le ney (flûte de bois turque utilisée dans la musique soufie) plane sur des percussions orientale est des basses beats du DJ, puis un dub oriental hypnotique à la Transglobal Underground, auxquels se mêlent bientôt la voix orientale émouvante et les cordes du compositeur sur le bonnes guitares rock groovy du DJ. On entend que, par des compositions respectueuses de l’improvisation collective et une mise en place sonore aux interventions bien réglées, musiciens Live et DJ cohabitent avec bonheur dans cet univers musical unique mais évoquant fortement la scène des clubs Stambouliotes des clubs (l’une des villes les plus actives musicalement), avec le même charme Cinétique universel que le Cinematic Orchestra, et l’exotisme de l’Orient en plus.

Les vidéos ajoutent au tableau des vues magnifiques d’Istanbul, aux couleurs modifiées par des effets visuels fascinants où l’on retrouve toutes les images qu’on rapporte à cette ville : une danseuse du ventre vert lapis-lazuli, le pont sur le détroit du Bosphore entre Orient et Occident, qui traverse Istanbul entre Ortaköy (sur la partie européenne) plus urbaine où se concentre l’activité économique et Beylerbeyi, plus naturelle (sur la partie asiatique) parcouru par les ferry très appréciés par les habitants (dont certains vivent sur la rive Asiatique pour la qualité de vie et travaillent sur la rive occidentale), la Cathédrale Ste Sophie, devenue un Temple à la Sagesse après avoir été disputée par Chrétiens et Musulmans pendant longtemps, des autoroutes nocturnes aux voitures lumineuses, et des vues se mêlant en papillons, et finit dans les étoiles et sous la mer, accompagnant magnifiquement la musique.

Sur « Tansu Kaner » (Sleepless Constantinople : Constantinople qui ne dort jamais), le DJ rajouta la magnifique voix de la chanteuse Ceren (comme l’héroïne de la Légende des Mille Taureaux de Yachar Kemal) Bektaç (comme le soufi Haçi Bektash Veli , fondateur des Janissaires et disciple de Rûmi, fondateur des derviches tourneurs). Il rendit aussi hommage au quartier musical d’Istanbul Beyoglu. Sur un autre titre, le flûtiste et parfois chanteur Eyup Hamis utilisa, après le ney et le kawal (flûte plus petite) le zurna, sorte de petite clarinette turque, qui souvent précède les manifestations publiques, avec un intensité Jazz et presque Rock dans le son perçant.

Enfin, le percussionniste Hamdi Akatay termina à la percussion dhol arménien (gros tambour joué à mains nues ou avec des mailloches dans les manifestations ou par les janissaires partant au combat), sur un rythme qui, de Constantinople, inspira la musique Irlandaise.

De jeunes Turcs et Turques dansèrent en ligne en se tenant par le petit doigt comme aux mariages et autres manifestations, ajoutant leur authenticité spontanée au concert.

En seconde partie, on pouvait entendre le percussionniste Turc mythique Burhan Öçal à la darbouka et l’Ensemble Oriental d’Istanbul, composé de Tziganes comme Ahmet Demikiran au cubus (sorte de banjo tzigane turc)., Vesar Akirlar (clarinette), Umit Adakale (seconde darbouka), le turc Mehmet Celiksu au kanun (cithare orientale habituellement sur table, jouée ici sur les genoux et sans plectres avec les doigts) et le grec Ismail Papis au violon, dans un répertoire Tzigane, Classique Ottoman et populaire Anatolien.

Je me souviens d’avoir vu Burhan Öçal en solo à la darbouka au milieu des années 90s au Cinéma l’Odysée de Strasbourg.

La prestation était dans l’esprit de son album « Grand Bazaar » et de celui déjà présenté devant Paris Hilton qui dansa à sa musique.

Le temps qu’Ahmet Demikiran accorde le jack de son instrument, à la demande du public, Burhan Öçal fit entendre un duo de darbuka improvisé avec son percussionniste Umit Akadale.

A la darbouka, il utilise toutes les ressources de l’instrument, avec un micro est placé à l’arrière pour rendre les effets intérieurs sur la caisse de résonance, tandis que l’autre main assure les percussions digitales, joue d’ailleurs aussi bien de cette manière transversale sur le genoux qu’à plat entre ses cuisses.

Il commencèrent la première suite par le tango Egyptien «Ya Habibi Ta’ala » de la diva arabe Asmahan, récemment repris par le Kronos Quartet dans son dernier album, puis bifurquèrent vers la musique classique Ottomane de cour (qui utilisait plutôt l’oud et les percussions, peu la clarinette ou le violon), mais ravivée par cet instrumentarium plus Tzigane qu’Ottoman, où Burhan Öçal se révéla aussi un extraordinaire chanteur dans le style de Cinuçen Tanrikurir dans ses concerts de Fasil à la voix profonde et rallongeant les voyelles sur les rythmes arabes et turcs sur de longues suites où les titres se suivent sans pause, comme à la cour d’Istanbul ou encore dans la musique Tadjike, puis change de rythme comme une cavalerie bifurque en plein désert vers d’autres thèmes, tout en restant dans le même thème. On entend, même sans connaître ce répertoire, combien la musique arabe, turque et tzigane se mêlent sous les doigts de ces musiciens émérites.

Les solos de clarinette entre tzigane, Jazz et klezmer, puis de violon dans les aigus, et Mehmet Celiksu au kanun, plutôt discret en rythmique, fut surprenant de finesse dans son solo, proche d’une harpe celtique à la Alan Stivell.

Enfin, après ce répertoire classique mêlé de rythmes populaires, il termina par une surprise en terminant son set au tanbur (sorte de guitare turque effilée, instrument des baladins et des montagnes) et au chant par des Chants d’Amour et de Sagesse d’Anatolie, mêlées de danses populaires de cette région montagneuse et sauvage..

Je n’avais pas vu la jeunesse turque danser, mais elle était plus nombreuse à le faire, de l’autre côté de la scène.

Le Festival se poursuit ce soir 13 octobre 2009 à 20 h avec une autre soirée Turque : Ilhan Ersahin, saxophoniste porte-drapeau de la Saison de la Turquie en France invitera le trompettiste Erik Truffaz dans un projet Oriental Electro Jazz, puis Gevende, un jeune groupe Turc aux influences voyageuses de l’Inde au Népal et à l’Iran dans un esprit folk-rock psychédélique.

Jean Daniel BURKHARDT